Практически все проекты и группы Тоби Драйвера отличает монументальность, некоторая сюрреалистичность в звучании и, конечно же, огромный ассортимент музыкального разнообразия. Даже в рамках Kayo Dot уживаются совершенно полярные настроения и звуковые фактуры, каждый альбом показывает какое-то новое направление.
Последний, на текущий момент альбом, "Moss Grew on the Swords and Plowshares Alike" в этом плане тоже не исключение. Однако, что удивляет, так это то, какой потрясающей органичности в смешении жанров добился Тоби. Жутковатый олдскульный дэт трансформирующийся в атмосферный прогрессивный рок, перетекающий в пост-метал, потом в пафосный трад-дум и внезапно предстающий холодным и колючим блэком? Да легко! Пожалуйста, получите такие метаморфозы практически в любом треке. Причем это не выглядит ногой коровы, пришитой к телу от собаки и с головой обезьяны, всё плавно меняется, одна форма сменяет другую, можно сказать эволюционирует. Настроения на альбоме, конечно же, в основном мрачные и холодные. Однако даже в этой гамме можно разглядеть и лиричные тоскливые пассажи, как в "Void in Virgo", и патетическую обреченность Сandlemass в "Brethren Of The Cross", и некоторую психоделичность Tool и суровую блэковую злобу в "The Knight Errant", и атмосферную задумчивость Isis в "Get Out Of the Tower", и вообще перечислять можно долго.
Отдельно хочется сказать про звучание. Если грубо сравнивать, то оно отдалённо схоже с прогрессивным периодом Девина Таунсенда, только при этом более сырое, грубое и трушное. У звука много слоев: первое на что обращаешь внимание - крайне мощные сырые ударные, которые просто вдавливают тебя в пол; потом тяжеленные поливающие гитары, то сыпящие на тебя крепкими диссонирующими риффами, то тягучими аккордами, то атмосферными текстурами, размывающими и растворяющими в себе; и поверх всего этого парят странные сомнамбулические синтезаторные эмбиенты, окончательно вырывающие тебя из реальности. И, конечно же, сам вокал, хоть и не слишком притязательный, но очень искренний и разнообразный - от классического дэтового рычания и злобного блэкового скриминга до меланхоличного чистого вокала и просто какого-то шизофренического бормотания шепотом - удивительно, как такого многообразия добивается всего лишь один человек.
Но всё это не так уж и важно на фоне того, что у этой музыки есть одно крайне важное свойство - она умеет захватить внимание и понести за собой. Только запускаешь первый трек и буквально через пару минут ты уже не можешь оторваться от этого странного гипнотизирующего потока сознания. Альбом полностью линеен, никаких стандартных песенных структур, только холодная и мрачная кроличья нора - извилистая, жутковатая и давяще-клаустрофобная. Но не пройти её до конца просто невозможно, и, когда уже доигрывают последние секунды последнего трека, выдыхаешь и понимаешь - такие экспириенсы не так уж и часто с тобой случаются. Просто прекрасно, спасибо Тоби!

Pushit  16 янв 2022

Они это сделали. Спустя 13 лет ветераны и флагманы прогрессива разродились своим пятым альбомом. Уже после релиза выяснилось, что из этих тринадцати лет добрых восемь музыканты просто пытались отдохнуть друг от друга, так как смотреть друг на друга уже не могли, и только с 2014 наконец взяли себя в руки, и начали работу. Мне в Tool всегда нравилось по-буддистски равнодушное отношение к музыкальной индустрии и переменам в ней, отсутствие желания выслуживаться и заискивать перед аудиторией, а также исключительная ответственность и сосредоточенность на качестве выпускаемой музыки.
На новом альбоме квартет не стал изобретать какие-то новые разновидности велосипедов, а просто сделал то, что умеет лучше всего - неторопливый, задумчивый, вкрадчивый и весьма техничный прогрессив-рок/метал, именно тот, за который все любят Tool. "Fear Inoculum" является четким и последовательным суммированием всего накопленного опыта группы, он показывает непрерывную связь всех предыдущих альбомов, и в то же время подчёркивает что он, как и все прошлые пластинки, являются гранями одного бриллианта - таланта четвёрки в своё время крайне амбициозных и ярких творцов, которая прошла огонь, воду и медные трубы. Ведь если прослушать все альбомы, начиная с дебютника 1992 года ""Opiate", и вплоть до обозреваемой записи, то можно чётко услышать, что музыка группы никогда не менялась резко, каждый новый альбом лишь приносил некоторые новые оттенки, в целом не меняя общей гаммы. Также это может и натолкнуть на мысль, что музыканты подготовили свой финальный залп, ведь, например, в тексте песни "Invincible" поётся о том, что лирический герой когда-то был непобедим, но время истощило его доспехи, а щит стал слишком тяжел, и он готовится к последней битве за то, чтобы оставить после себя что-то значимое.
На что обращаешь внимание в первую очередь, так на то, что все песни имеют внушительную длину - 6 основных треков, каждый из которых длится более 10 минут, пятиминутное барабанное соло и три филлера (классическая фишка группы). Притом особенностью является то, что такие хронометражи не есть отсутствие идей и размазывание мыслей по дереву, просто сами песни имеют очень неспешное и последовательное развитие. Первые пару прослушиваний трудно отделаться от мысли, что всё же песни вроде "Invincible", "Descending" или заглавной "Fear Inoculum" определённо затянуты, но только после пятого, седьмого прослушивания начинаешь понимать, что это сделано вполне намеренно и несёт в себе определённый смысл. Смысл этот в динамическом изменении песен - по всему альбому можно проследить повторяющиеся фрагменты, но поданные с каждым повторением слегка по-разному, в текстах, в инструментальных партиях. Такое своего рода медитативное удовольствие, видное далеко не всем и не сразу. По выходу многие, накрутившие себя сверх-завышенными ожиданиями, поспешили заявить, что альбом слишком скучный, однако для матёрых фанатов Tool данное утверждение, конечно, смехотворно. Единственное, что можно посоветовать - это слушать, без всяких ожиданий и максимально погружаясь в настроение альбома.
Выделять какие-то треки на альбоме просто глупо. Они все одинаково хороши, каждый из них имеет своё настроение, индивидуальность (по меркам Tool, естественно), и сделан на самом высшем уровне. Да, какие-то отсылки к прошлым работам определённо присутствуют, даже трудно сказать самоповтор это или сделано намеренно, но если верить гитаристу группы Адаму Джонсу, группа отсеяла для этого альбома 2/3 материала накопленного за последние 20 лет.
Поставить оценку этому альбому трудно. С одной стороны мне, как старому фанату Tool, всегда хочется поставить любимой группе 10/10, но с другой понятно, что на новом альбоме нет таких ярких боевиков как "Jambi", "Parabola" или "Forty Six & Two", нет и таких ярких гипнотических номеров как "Reflection" или "Third Eye", чего-то броского тоже почти нет, из-за этого хочется отметку снизить. Однако в самый последний момент мне пришла в голову мысль - провести аналогии с живописью. Если старые альбомы можно сравнить с психоделической мрачной кислотной акварельной мазнёй, то "Fear Inoculum" - это сдержанный японский суми-ё с небольшим, но очень корректным количеством деталей, требующих внимательного рассмотрения. Посему не буду занижать сильно и поставлю 9/10, ведь альбом действительно отличный.

Pushit   3 сен 2019

В 2018 году уместно сказать, что рок в традиционном понимании скорее мёртв, чем жив. Иначе как объяснить, что явления вроде Imagine Dragons, которые лет 10-13 назад ни у кого бы не поднялся язык назвать рок-группами, называют лидерами и ведущими рокерами современности, а само явление рок-звезда скорее подразумевает деньги, наркотики и распутный образ жизни. На этом фоне кондовые рокеры из Clutch выглядят просто бородатыми динозаврами из ушедшего времени, которые по-прежнему грезят любовью к Black Sabbath и рокерской романтике 70-х. Нет сомнений, что музыку Clutch уже следует записывать в категорию "dad-rock", или, как у нас иногда говорят, "батьковский рок". Но есть одно "но" - эти мужчины в возрасте прекрасно понимают своё положение в музыке и при этом полностью верят в то, что исполняют, не забывая разбавить своим фирменным юмором свой статус бодрящихся старичков. Эта музыка, на фоне современного, полностью компьютерного продукта, записанного в строго определённых клише, грохочет грубым и сырым аналоговым звуком, в котором полностью проигнорированы все современные тенденции. И надо сказать, что этот подход работает на все 100%, ибо с каждым годом у группы растёт аудитория достаточно преданных поклонников, которые с радостью ездят на все концерты вместе с группой, с большой охотой покупают их записи и мерчендайз. Возможно, этой мудрости они научились у великого Лемми.
Новый альбом "Book of Bad Decisions" прекрасно дополняет каталог группы. Музыканты по-прежнему верны своему грубому и громкому саунду, ничего радикально нового тут не найти. Люди не слишком хорошо знакомые с творчеством группы скажут: ну очередной альбом Clutch, ничего особенного. Отчасти они будут правы, но только отчасти, потому что оставаясь в определённых рамках своего стиля и почерка, Clutch каждый раз умудряются внести какие-то новые изюминки и фишечки, благодаря чему это блюдо из стоунера, хард-рока, фанка и блюза из раза в раз по-прежнему вполне съедобно и даже приятно на вкус. Нельзя не отметить, что четвёрка из Мэриленда прокачивает свои навыки в хитмейкерстве. Прошлый альбом "Psychic Warfare" содержал несколько весьма нетипичных хуковых номеров, здесь же появились ещё более "хитовые" треки - "How To Shake Hands", стеб над политикой, в которой вокалист Нил Фэллон обещает поместить Хендрикса на двадцатидолларовую купюру и устраивать вечеринки с живой музыкой в Белом доме, если его выберут в президенты; совершенного сногсшибательный фанк-хит "In Walks Barbarella" с духовой секцией в духе go-go 80-х, и блюзовый "Hot Bottom Feeder" с шуточным текстом про приготовление кексов из крабового мяса и цепляющим вокалом. Остальные треки вполне себе крепкие боевички, никаких соплей - провальных треков на альбоме совсем нет. Начинаясь с шустрого свинга "Gimme The Keys" и заканчиваясь мрачной мистической "Lorelei", альбом идёт одной сплошной стеной, практически ни на секунду не давая передышек. Плотный гитарный звук, монструозный драмминг, ревущий блюзовый вокал - эту музыку определённо стоит слушать на большой громкости, в машине или на мощной аудиосистеме, тогда просто невозможно не поддаться на этот простой и искренний рок-манифест. Clutch - это определённо уникальный артефакт в мире современной музыки.

Pushit   9 сен 2018

Six Organs Of Admittance - это по сути творческий псевдоним Бена Чесни, являющийся его основным творческим детищем на протяжении последних 20 лет. Бен успел разжиться аж 30 альбомами, не считая целой кучи различных сторонних проектов и коллабораций. В силу различных обстоятельств у нас о нём знает сравнительно небольшая аудитория, однако у себя на родине Чесни является одним из грандов жанра псих-фолк (он же фрик-фолк), одним из первопроходцев явления New Weird America, да и в целом повлиял на существенное количество современных американских даркфолкеров и неопсиходелов. Six Organs Of Admittance сложно отнести к какому-то определённому жанру, ибо Чесни всегда много экспериментировал, на ранних записях можно услышать смесь из мрачного фолка тесно сплетённого с медитативным нойзом, где-то в районе третьего полноформатного альбом Бен начинает активно внедрять элементы восточной, в особенности ассирийской, этники. Далее музыка группы много альбомов подряд дрейфовала где-то между фолком, американой, психоделией, нойзом, дроуном и индоиранским колоритом (честно говоря, затрудняюсь подобрать более точное определение этого аспекта музыки SOOA), потом были эксперименты с более "роковым" звучанием на альбомах "Shelter From The Ash", "Luminous Night", которые продолжались вплоть до альбома "Ascent", в котором "Шесть Органов Допуска" полноценно зазвучали как другой проект Бена - Comets On Fire. В 2015 году неутомимый экспериментатор решил немного поиграть в Джона Колтрейна и придумал некую "гескадическую систему" связи между числами и аккордовыми прогрессиями, которую можно было разложить с помощью специального пасьянса. Результатом этого стал довольно странный и труднослушаемый альбом "Hexadic", напоминающий по своему звучанию ранние работы Earth Дилана Карлсона. В этом году Бен решил сделать что-то более простое и осязаемое, позвал пару своих приятелей и неспеша записал "Burning The Threshold".
Альбом является возвращением к звучанию альбомов "Dark Noontide", "Compathia", "Asleep On The Floodplain", а к последнему в особенности, можно даже сказать, звучит как его продолжение. То есть, это такая расслабленная солнечная меланхолия под акустическую гитару с легкими вкраплениями электрогитары, и ласкающим слух упорото-довольным вокалом. Музыкально альбом не предлагает ничего нового (30 альбомов в бэк-каталоге, что ни говори) - витиеватые барочные переливы акустической гитары, простейшая перкуссия, фрагментарная электрогитара с психоделическими эффектами (ради поддержания марки), клавиши где-то на заднем плане, то еле заметно возникающие, то так же исчезающие, да полноценный барабанный бит в песне "Taken By Ascent", вероятно как отсылка к упомянутому выше альбому "Ascent". Однако, чем больше слушаешь, тем яснее видишь, что большинство треков необходимо воспринимать как единое целое, где аранжировка неотделима от вокала, вокал неотделим от текста, а порядок песен идеален. Надо отметить, что музыка эта хоть с первого прослушивания непритязательна, но глубока и довольно сильно затягивает - как только погрузишься в её настроение, то потом выходить из него очень уж не хочется. На "Burning The Threshold" царит безмятежность, свет и расслабленность, этот альбом словно психотерапевтический релаксант, после него остаётся ощущение какой-то внутренней чистоты, как будто кто-то пришёл и провёл у тебя внутри небольшую уборку. Это не удивительно, ведь в прочистке мозгов Бен Чесни настоящий мастер - раньше он это делал с помощью мрачного фолка с восточным налётом и обволакивающего экстатического нойза, а сейчас он, словно постигший сатори бородатый мудрец, нашедший свою внутреннюю гармонию, изливает очищающий свет изнутри с помощью одной только акустической гитары да собственного голоса. Конечно, у этой музыки есть некоторый налёт тоскливости, но он и делает эту музыку более полной, законченной.
Вообще, про подобные альбомы сложно говорить, что-то описывать, ибо здесь не так много инструментов, отсутствуют песенные структуры и композиторские конструкции, музыка идёт одним сплошным потоком, порой не понимаешь где кончилась одна композиция и где началась другая. Альбомы, подобные "Burning The Threshold", нужно слушать, пропускать через себя, и делать это неоднократно. И да, эта музыка, как и любой фолк, неотделима от окружающей среды - от природы, от других людей, от самой жизни. Достаточно посмотреть видео на "Adoration Song" (красивейшая песня, кстати). Может быть эти песни станут саундтреками к определённым памятным моментам вашего жизненного пути, кто знает!

Pushit  20 дек 2017

К 2017 году Mastodon кажется уже всем всё доказали, но и, к сожалению, при этом всё что могли - сказали. Но после всего, что произошло с ними за последние 8 лет, группа выросла до величины, которую уже никто не может игнорировать. Точнее превратилась в такую огромную бизнес-машину, которая озолотит любой музыкальный рекорд-лейбл и всю вращающуюся вокруг тусовочку. Поэтому Warner Bros, к моменту когда мастодонам пришло время записывать новый альбом, не поскупились и наняли самого дорогого рок-продюсера современности Брендана О'Брайена, и дали до кучи кучу денег на промоушен альбома, который по замыслу должен был стать вторым "Crack The Skye", только ещё лучше. Осенью в соцсетях музыканты начали постить первые фотки из студии, с комментариями, что запись просто огонь, давненько, мол, так не веселились. Когда запись закончилась, на несколько месяцев воцарилась полная тишина, что стало аж подозрительно, чего же они там скрывают. Однако это всё был специальный ход, перед невыносимо пафосным и интенсивным промоушеном, который начался фильмом Making Of в двенадцати частях, кучей интервью в разной степени масштабности изданиях, специальных репортажах о том, что сделали Mastodon для металла и так далее. Было сказано так много громких слов, что на их фоне вышедший 31 марта альбом "Emperor Of Sand" даже немного обесцветился. Но давайте о самом альбоме.
На своём седьмом по счёту лонгплее музыканты решили, что пора снова сделать концептуальный альбом, ведь именно концептуальные альбомы в дискографии мастодонов являются наиболее каноничными и почитаемыми. Обстоятельства при которых родилась концепция альбома, нельзя назвать радужными - мать гитариста Билла Келлихера скончалась от рака, басист Трой Сандерс по аналогичным обстоятельствам чуть не потерял жену. В итоге концепция альбома вращается вокруг рака, и то какие разрушения он приносит тем, кто им болеет и близким людям больных. В контексте альбома всё это изложено в виде метафор и иносказаний, о протагонисте, который получает смертный приговор от императора песка, но сбегает, чтобы скрыться от него в пустыне, но в итоге всё равно находит погибель, как искупление. Музыкально у нас имеется одно неприятное подозрение - кажется всегда славившиеся своей креативностью, оригинальностью и фриканутостью, Mastodon незаметно превратились в стареющих и седеющих мужчин, которые оригинальности предпочитают стабильность. Трудно описать почему, но на протяжении всего альбома буквально в каждом треке меня (фаната группы со времён "Blood Mountain") постоянно преследует чувство, что всё это я уже слышал раньше. Практически каждый трек перекликается с тем, что было на предыдущих записях. Неужели дядьки исписались? Возраст берёт своё? Большое давление со стороны лейбла? Или может просто сытая жизнь убила в музыкантах желание покидать зону комфорта и творить что-то новое? Этот вопрос остаётся открытым. Нет, конечно оригинальные, неиспользованные ранее фишки есть, например синтезаторное cай-фай соло в "Clandestiny", или заигрывания с творчеством Queens Of The Stone Age в "Show Yourself", но этого очень мало. Не поймите меня неправильно, слабых композиций на альбоме тоже нет, каждый трек по-своему хорош, грамотно отработан музыкантами и отшлифован О'Брайеном, с технической точки зрения придраться просто не к чему. Петь музыканты тоже научились уже на славу, теперь три вокала распределены максимально к месту, каждый вокал обладает своей оригинальной подачей и энергией. Гитарные соло филигранны, риффы тяжелы, барабаны грувовы, клавишные атмосферны и мелодичны. И конечно же огромная куча всяческих психоделических шумов, игривой перкуссии, а также прочих свистков и колокольчиков. Но у всего, что здесь наиграли наши герои, есть сильный дух усталости и безыдейности. Так и вижу как сидел ночами с блокнотом и карандашом барабанщик и лидер группы Бранн Дейлор, думая что бы ещё придумать, что бы ещё нового сказать, чтобы и рыбку съесть, и косточкой не подавиться, пока остальные участники группы занимались своими делами, сайд-проектами, строили домашние студии и колесили на байках с Норманом Ридусом. Но видимо желание косточкой не подавиться оказалось сильнее, поэтому и вышел "Император Песка" таким вымученным и гораздо менее ярким, чем слова в его адрес. Вот и получилось у меня так много слов о том что творилось вокруг альбома, и так немного о самом альбоме.
Очень хочется верить, что на самом деле это не так, что музыкантам просто нужно собраться с силами, тщательно всё обдумать, чтобы взять и дальше продолжить творить безумства. Но покажет только время. Данный альбом можно порекомендовать тем, кто только начал или хочет начать знакомство с творчеством группы. Старым или относительно не новым поклонникам он пригодится разве что для того, чтобы послушать и его и вспомнить те годы, когда только начинал(а) слушать Mastodon.
P.S. Как ни странно, но спустя месяц после выхода, альбом показал просто рекордные продажи, проведя больше недели на первом месте американского биллборд чарта и обогнав всех возможных поп и хип-хоп исполнителей. Вот что значит дорогой промоушен!

Pushit  25 май 2017

Со времени выхода предыдущего альбома "Yellow & Green" с четвёркой из городка Саванна произошло много всего - широкое общественное признание, восторженные рецензии в различных журналах, переезд в Филадельфию, весьма удачное начало гастролей в поддержку альбома, и наконец-то переломный момент - страшная автобусная авария, в которой участники группы и остальная команда упали с 16-метровой высоты с виадука, когда во время европейского тура ехали из Бристоля в Саутгемптон. В результате аварии группа почти на год выпала из жизни, а её лидер и фронтмен Джон Бэйзли чуть не лишился двух конечностей, так как его рука и нога были очень мелко раздроблены. Однако всё пошло наилучшим образом и после сложной операции конечности Бэйзли были восстановлены. Однако по ходу его выздоровления группу решили покинуть бессменный ударник Аллен Бликл и басист Мэтт Мэггиони. Дальше находящийся в пост-травматической депрессии Бэйзли восстанавливался и искал подходящую замену ушедшей ритм-секции. Замена была найдена в лице барабанщика известной в определённых кругах экспериментальной пост-рок/краут-рок группы Trans Am Себастьяна Томсона и его знакомого басиста Ника Джоста, до этого занимавшегося в основном джазовой музыкой. В 2013 группа предстала на суд публики в новом составе, после чего закончив прерванный тур приступила к работе над своим четвёртым альбомом.

Несложно догадаться, что основной темой альбома, нитью, проходящей через все песни стала та самая авария и переживания, связанные с ней. Именно этот фактор и предопределил настроения альбома. Альбом мрачный, депрессивный, через него пробиваются нотки фобий и пограничных состояний между забвением и волей жить дальше. Весь альбом пронизан борьбой, усталостью и в то же время несгибаемостью и самоотверженностью. Музыкально альбом продолжает линию начатую на предыдущем альбоме, но при этом является полной его противоположностью. В чем это заключается? Это все тот же рок/металл в основе которого лежат витиеватые мелодии, сладжевая риффовка с низким строем гитар, гитарные гармонии с интервалом в терцию. Все это сидит на пост-панковском каркасе из "танцевальных" ударных и синкопированного баса. Но если Жёлто-зелёный альбом был подчеркнуто психоделическим, в нем было много гитарных шумов, саундскейпов, искаженного вокала, упоротость сквозила повсюду, то в пурпурном это является скорее ненавязчивым дополнением к общей картине. Нельзя не отметить и вклад новых участников. Ударные на альбоме значительно усложнились в плане акцентов и изменились в плане саунда. Аллен Бликл, вдоволь повыделовавшись на дебютнике 2007 года, в дальнейшем не сильно заморачивался над структурой своих партий, удовлетворяясь тем, что барабаны просто хорошо сидят в контексте той или иной песни. С Себастьяном Томсоном другая история - он серьёзно гремит (так что колонки начинают хрипеть), вкладывается в нарочитую неправильность расстановки акцентов, в результате чего зачастую выворачивает наизнанку всю песню и изменяет стандартные ходы до каких-то других, далёких от традиционной металлической игры. При этом данная особенность придает необычный, но мощный кач в песнях. Басист Ник Джост не особо старается выделиться, в основном поспевая за слегка безумным драммером, однако его бас весьма и весьма ужирняет общее звучание, да и сами партии при всей их минималистичности филигранны и практически безупречны. Так же Ник владеет клавишными, которые явно сделали музыку интереснее, атмосфернее и даже немного взрослее. Что же касается гитарного дуэта из Джона Бэйзли и Пита Адамса, то здесь как всегда всё эпично, красиво, мощно и интересно. Хотя сами по себе их фирменные мелодии и продолжили тенденцию к упрощению, но слушая, например, соло к "Shock Me" или "The Iron Bell", невозможно не улыбнуться (в хорошем смысле!). Конечно, очень хочется обратить внимание на вокал. Эмоциональность и искренность, с которыми поёт фронтмен группы, временами доходит до невероятных высот. Трудно назвать Бэйзли феноменальным вокалистом, в целом его голос довольно груб, а диапазон не слишком широк. Но именно подача, чувство, с которым он орёт в микрофон с лихвой компенсируют его природные вокальные задатки, что в моем понимании просто замечательно и является несомненным плюсом.
Из песен ярче всего выделяются хуковая "Shock Me", атмосферная и меланхоличная интерлюдия "Fugue", бодрый боевик "Desperation Burns" и заключительная слегка приджазованная "If I Have To Wake Up (Would You Stop The Rain)". Можно ещё включить в этот список наиболее попсовую "Try To Disappear", но это скорее песня, которая быстрее всех начинает нравиться и быстрее всех надоедает.

Если же взглянуть на альбом с другой стороны, то вырисовывается несколько иная картина. Альбом звучит как некая компиляция из всех прошлых альбомов, что, скорее всего, говорит о поиске нового пути для развития. Хочется верить, что в группе нет творческого кризиса и эта точка зрения существует только в голове у рецензента. В заключение хочу отметить, что альбом несколько более сложный для восприятия, нежели предшественник, его настроения и атмосфера не такие податливые, как на предыдущих альбомах. Но в этих песнях есть определённая красота, которая как и раньше цепляет за самые глубокие струны души. Как результат - наиболее взрослый, продуманный и сбалансированный альбом Baroness, и как минимум - один из лучших альбомов этого года.

Pushit  18 дек 2015

Пока мэтры прогрессивной альтернативы Tool уже лет пять кормят весь мир завтраками о своём пятом альбоме, под влиянием от их релизов в нео-проге успел оформиться целый пласт музыки, называемый иногда тул-роком. Десятки групп из разных уголков Земли крутят во всех направлениях и осях идеи "Aenima" и "Lateralus", добавляя временами к ним фирменные фишки других групп вроде Dream Theater, Isis или Meshuggah (да и кучи других отцов большого прогрессива). Зачастую это звучит довольно скучно и вторично, хотя временами попадаются и довольно интересные коллективы. Супергруппа Soen, образованная бывшим ударником Opeth Мартином Лопезом и легендарным басистом-бродягой Стивом ДиДжорджио вместе с вокалистом Йоэлем Экелёфом, тоже решила попробовать себя на этой много раз хоженой тропе, где, казалось, всё что можно было использовать, давно использовали.

Надо признаться, что после первого прослушивания мне хотелось выключить этот альбом уже на третьем треке. Ибо и риффы и гармонии и, в первую очередь, вокал настолько ужасно напоминают Tool, что уместно говорить о наглом копировании. Однако имена Лопеза и ДиДжорджио всё же удержали от этого, и после нескольких более внимательных прослушиваний можно сделать выводы.

Мы имеем перед собой достаточно грамотно сыгранный, местами интересно звучащий, но, тем не менее, практически не претендующий на какую-либо оригинальность прог. Это довольно мрачная, психоделическая пластинка, в которой переплетаются тяжелые перегруженные гитары, интенсивно карданящие ударные, слегка наркоманская перкуссия с налётом этники, местами всплывающие клавиши и тоскливый вокал, очень пытающийся быть похожим на Мэйнарда Джеймса Кинана. Вступительная связка песен "Fraktal"/"Fraccions", пожалуй слишком явно намекают на туловские "Parabol" / "Parabola", хотя сама "Fraccions" практически открыто слизана с "Schism". Следующая "Delenda" уже претендует на большую оригинальность, не в последнюю очередь за счёт качающей слэповой партии ДиДжорджио и опетовских ударных Лопеза. Дальше "Last Light" проносится неспешным потоком с налётом некоторой сакральной тоски мужчины по женщине. "Oscillation", стартующая c прямо-таки грув-металлического риффа и затем возвращающая к "The Pot" от всё тех же Tool, практически ничего интересного представить не может, однако и плохого в её адрес тоже сказать ничего нельзя. Следующий трек в лице "Canvas" является одним из наиболее интересных, благодаря теппинговым партиям гитары и баса, а также синкопированной ритмике, свойственной для опетовского альбома "Deliverance", влияние сторонних коллективов здесь, наверное, самое минимальное на всём альбоме. Седьмая "Ideate", достаточно медитативная и эмбиентная, расслабляет и уносит куда-то вдаль подсознания, можно сказать, что это один из лучших номеров на альбоме. После неё идёт весьма бодрая "Purpose" и среднетемповая, шагающая кривым "мешугговским" маршем "Slithering", про них сказать особо нечего, они ничем не выделяются на фоне остального материала. И закрывает альбом песня "Savia" c довольно попсовым припевом, очень сильно похожая на творчество A Perfect Circle.

На знакомство с этим альбомом меня подтолкнул тот факт, что я сам уже лет шесть жду нового релиза Tool, и это бесконечное ожидание заставляет слушать практически всё, что похоже на циничный квартет из Лос-Анджелеса. Данный альбом даже и в мыслях не претендует на значимость, однако утолить жажду туломанам хотя бы на пару прослушиваний вполне сможет. Если, конечно, выдержать первые два трека и не вскипеть от праведного возмущения. В дальнейшем хочется пожелать коллективу удачи в творческом пути и обрести собственные фишки, которые они надеюсь найдут на втором альбоме.

Pushit  21 окт 2014

Три года спустя после выхода "The Hunter", команда "А" от мира современного металла, Mastodon, разродилась новым альбомом - "Once More 'Round The Sun". Сказать, что новая запись ожидаема - значит сильно приуменьшить, еще за несколько месяцев до выхода, когда группа выпустила первый предварительный сингл "High Road", начались нешуточные споры относительно того, каким будет грядущий релиз. Мастодоны же тем временем без шума и пыли выпустили на свет ещё одно дитя, кого-то заставившее нервно рвать волосы на голове от разочарования, а кого-то - пускать слюни от восторга.

Сам альбом получился по настоящему неоднозначным. С одной стороны музыканты нанесли мощный удар под дых поклонникам своих первых трёх работ, более тяжелых, сырых и трудных для восприятия - "Once More 'Round The Sun" звучит очень легко, непринуждённо, донельзя хитово, с обилием классических песенных схем куплет-припев-куплет-припев-соло-припев. С другой стороны, аудитория, которую Mastodon приобрели после "Crack The Skye", любители прога, тоже недоумевают - размазанная, несфокусированная гитарная мелодика, предсказуемость и отсутствие новаторских идей. Но самое интересное при всём этом - альбом, несмотря ни на что, звучит достаточно интересно, свежо и приятно. По большому счёту, он является прямым продолжением предыдущего релиза, хотя и со своими особенностями. Как и на "The Hunter", отсутствует какая-либо концепция, наличествует современный и немного вылизанный звук, а песни подаются в максимально удобоваримом для среднестатистического слушателя рок-музыки виде. Однако от "The Hunter" его отличает психоделичность, свойственная "Crack The Skye", и хитовость, которой от Mastodon ранее не приходилось слышать. Экстремальные виды вокала полностью пропали, ни фирменного харша Троя Сэндерса, ни скрипучего скриминга Брента Хайндса, ни утробного рыка Билла Келлихера больше нет, зато более чем достаточно мелодичного и лёгкого вокала Брана Дэйлора. Почти во всех песнях появились внятные и цепляющие мотивы в куплетах. Припевы таких песен как "The Motherload", "Ember City" и "Halloween" настолько попсовы, что вызывают ассоциации разве что с Roxette или Abba. Нет, я не говорю, что это плохо или "не труЪ", однако у очень обширной аудитории были порваны шаблоны и не только. Также по сравнению с предыдущим альбомом проделана куда большая работа с гитарными аранжировками - если "The Hunter" уже после пары-тройки прослушиваний казался пустоватым и бедным на гитарные партии, то здесь этого совсем не наблюдается. Гитары многослойны, разнообразны, сильно разбросаны по панораме, и местами выплывают на слух далеко не с первого раза; вернулись полноценные и красивые соло, почти отсутствовавшие на "Охотнике"; не забыли и про фирменный нотный поток сознания Брента Хайндса, в около трети песен можно услышать его фирменные банджообразные запилы не от мира сего. Имеются и некоторые самоповторы - в "High Road" можно услышать "Black Tongue" с предыдущего альбома, а в "Chimes At Midnight" очень уж похожие на "Spectrelight" (тоже с предшественника) куплеты. Также нельзя не выделить и закрывающий трек "Diamond In The Witch House", крайне отличающийся от всего остального материала на альбоме, очень мрачный и грузный, с ядовитыми гитарами и давящим вокалом Скотта Келли из Neurosis. Заканчивая альбом, он оставляет слушателя в некотором недоумении и создаёт эффект недосказанности.

Однако, несмотря на общую лёгкость и отчасти даже попсовость, "Once More 'Round The Sun" не так прост, как кажется с первого раза. Квартет из Атланты умудрился впихнуть максимум музыки в простые песенные формы, уложить в них достаточно психоделии, чтобы альбом было одинаково приятно слушать и тем, кто "употребляет", и тем, кто "не употребляет", сочинить действительно сильные мотивы, по мастодоновским меркам отличные гитарные соло, и при этом расположить песни таким образом, чтобы избежать динамических провалов. Тут нельзя не отметить великолепную работу продюссера Ника Раскулинеча, который, по словам музыкантов, нередко заставлял их попотеть побольше, чем на записи других пластинок группы. Альбом, как ни крути, является очередной ступенью в разнообразной и малоповторяющейся дискографии группы, отражает состояние четвёрки на данный момент, и ясно говорит, что ждать второго "Leviathan" или "Blood Mountain" уже не стоит: каждый новый релиз группа будет делать по-новому. Нам же остается только слушать, вникать и получать удовольствие. Ну или не получать, всё зависит от вашего вкуса.

Pushit  28 июн 2014

Данное трио из Трондхейма является одной из старейших психоделик-рок групп на норвежской сцене. Свой путь эти психонавты начали еще в 1989 году, выпустив, ни много ни мало, 13 альбомов до рецензируемого диска. Музыка группы очень сильно варьируется от альтернативного и даже, можно сказать, инди-рока до настоящего масштабного прогрессива с огромными 20-минутными сюитами. Словом, группа, весьма заслуживающая внимания.
Данный альбом вышел после "Little Lucid Moments" (2008) и является плодом увлечения музыкантов спейс-роком. Надо отметить, что продолжение получилось просто великолепным - если предшественник был атмосферными и масштабным, то данный диск ещё и по-настоящему величественный, подобно настоящему всеобъемлющему и безграничному Космосу. Также нельзя не отметить, что музыканты здесь сменили своё узнаваемое звучание на саунд старого рока середины 60-х и начала 70-х, что вполне предсказуемо, ибо в 2010 году это было массовой тенденцией среди европейских, и, в особенности, шведских музыкантов направления. Это проявляется как в лязгающих ретро-гитарах и олдскульно пришлёпывающих барабанах, так и в своеобразном пении музыкантов, похожем на советские ВИА и, в то же время, на завывания американских чернокожих госпелов.
Открывает альбом масштабный и атмосферный эпик "Starhammer", стартующий с мощного неспешного риффа и переходящий в нечто блюз-роковое, которое ещё и является куплетом. Последний, чередуясь со вступительным риффом, переходит в протяжную семиминутную психоделическую импровизацию с многослойными гитарами, увесисто гудящим басом и переливающимися атмосферными клавишами, тотально и без остатка погружающую слушателя в глубины своего собственного космоса.
Незаметно вступительная вещь перетекает в бодрую "X-3 (Knuckleheads in Space)", которая, являясь чем-то средним между задорным сёрф-роком и поп-панком, очень быстро "выдёргивает" слушателя из глубин своего внутреннего океана, чему в немалой степени способствуют зажигательные вопли в припеве. Однако так же незаметно, как и предыдущая, композиция перетекает в атмосферную фьюжн-импровизацию "The Getaway Special" c участием саксофона, и кончается всё это крайне приятными психоделическими шумами.
Третья "The Bomb-Proof Roll And Beyond" является среднетемповой плавно качающей композицией с красивым протяжным мотивом, очень далеко уводящим сознание куда-то в бесконечные звёздные дали. А концовка удивляет внезапным пением в духе легендарных "Yes" времен "Close To The Edge".
Начиная с четвёртой кримзоноподобной баллады "Close Your Eyes" альбом с психоделического рока очень сильно начинает крениться в прогрессив, поэтому следующая за ней "W.B.A.T". является уже сугубо проговым продуктом, что заметно во всём, начиная со вступления в духе Mahavishnu Orchestra и заканчивая вандерграфовской фактурой.
Завершает альбом настоящий шедевр, двадцатиминутная сюита "Gullible's Travails (Pt. I-IV)". Данную композицию очень трудно описать словами. Она состоит из четырех частей и просто неимоверно увлекает за собой в какую-то фантасмагорическую сказку. Постоянно и плавно меняясь, трек не отпускает до самого конца, а в финале заставляет удивлённо и удовлетворённо вздохнуть. Подобного масштаба в своих творениях достигали разве что только вышеупомянутые Yes, Rush да Pink Floyd.
В заключение надо заметить, что на сегодняшний день альбом является, наверное, вершиной творчества группы, где атмосферность, мелодичность, тяжесть, структурность, психоделия и бодрость смешаны в просто идеальных пропорциях. Для всех любителей и старого и нового прогрессива и спейс-рока альбом является, на мой взгляд, обязательным для прослушивания.

Pushit   3 мар 2014

Начну с некоторого лирического отступления. С тех пор как Отцы-основатели, пионеры и легенды стоунер-рока Kyuss распались в 1995 году, прошло много времени - жанр успел уйти в небытие во второй половине 90-х, забыться и стать частью прошлого. А Kyuss стали определяющим коллективом, благодаря которому жанр зародился и со смертью которой умер. Конечно, участники группы-титана потом понаделали новых групп, сайд-проектов, одна из которых даже смогла стать куда успешнее Kyuss. Но в сердцах поклонников, тех, что были на тех самых дизельно-генераторных концертах в пустыне Палм Дезерт (а даже если и не были, то по крайней мере тоже оценили и всем сердцем полюбили эту атмосферу и музыку), многие годы жила надежда, что Отцы-основатели когда-нибудь вернутся. Во второй половине нулевых жанр воскрес, в частности, в Европе, докуда дух пустынных вечеринок, крепкого бухла и ядрёной травы дошел лишь десятилетие спустя. Появилось огромное количество новых интересных команд, появились крупные стоунер-фесты. И разговоры о возвращении Kyuss стали ещё более частыми и актуальными. Музыканты бывшей группы в интервью часто выражали совершенно полярные мнения насчёт реюниона, а остальные только что и успевали, что разводить руками.

Но в 2010 году случилась первая подвижка к сверхожидаемому событию: вокалист группы Джон Гарсия выступил с проектом Garcia Plays Kyuss, где к нему внезапно на сцене присоединились двое других участника оригинального состава Kyuss - Брент Бйорк и Ник Оливьери. Мировая стоунер-общественность просто взорвалась от восторга! Потом был создан проект Kyuss Lives!, куда ещё пригласили гитариста Бруно Фивери. Проект поехал в гастроли и имел просто оглушительный успех. Однако не всё было так ровно: бывший гитарист и лидер Kyuss Джошш Хомми неожиданно подал на проект в суд за нарушение авторских прав и обман потребителя. После судебных тяжб, длившихся почти год, Kyuss Lives! вынуждены были сменить название на Vista Chino, и, спустя 18 лет после выхода последнего альбома Kyuss, записать новый релиз. Теперь к самому альбому.

Итак, перед нами пластинка, записанная самыми легендарными и маститыми стоунер-рокерами всех времен - Джоном Гарсией, Брентом Бйорком и Ником Оливьери. Диск состоит из жирных риффов, сырого и низкочастотного драйва, психоделии, жаркой пустынной атмосферы и какой-то необъяснимой харизмы, присущей только Vista Chino и Kyuss. По большому счету, музыканты не стали изобретать велосипед и исследовать новые пространства, а записали именно то, по чему изголодалась стоунер-братия - настоящий, трушный, как кактус под палящим и душным солнцем Палм Дезерт, стоунер.

Открывает альбом атмосферное интро "Good Morning Wasteland", задающее настрой на следующий трек. "Dargona Dragona" начинается с бодрейшего риффа и набирает обороты, а Джон Гарсия завывает перед микрофоном как в старые-добрые времена "Blues For The Red Sun". Далее почти незаметно песня перетекает в "Sweet Remain", менее скоростную и более жирную, с рубленой риффовкой и разнузданным соло, а затем в среднетемповую "As You Wish". После них звучит психоделичная и драйвовая "Planets I & II", в духе классических спейсовых номеров Kyuss, где начальный грязный драйв постепенно превращается в мрачную и кислотную импровизацию с эффектами спейс-трипа. А первый сюрприз ожидает нас на шестом треке. "Adara" сразу "бросается" в уши засчет довольно лайтового саунда, перкуссии и общей немного латиноамериканской атмосферы, свойственной в некоторой степени сольному творчеству Бйорка. Следующие два трека почти незаметно и с шумом проносятся в голове, как ревущий дизельный грузовик - оглушительно и очень стремительно. Следующий сюрприз и одновременно самый лучший номер на альбоме нас ждёт в мелодичнейшей и весьма хитовой "Barcelonian": обязательный к ознакомлению трек. А закрывает альбом тяжелая, атмосферная и комплексная телега "Acidize? The Gambling Moose", в которой легко узнаются легендарные пустынные эпики прошлого "Whitewater" и "Spaceship Landing".

Что больше всего удивляет, так это факт, что мастерство музыкантов ни капли не покинуло их за прошедшие 18 лет. Гарсия поёт не хуже, а то и местами лучше, чем в молодости, берёт порою довольно высокие ноты, иногда хрипит даже более убедительно, чем во времена Kyuss. Брент Бйорк по-прежнему стучит в своем фирменном сыроватом и грубоватом недисциплинированном стиле. Его ударные по-прежнему такие же массивные и гулкие. Но годы подняли его мастерство, и теперь мышление Брента выходит за пределы незамысловатой молотьбы прошлых лет. Про Оливьери сказать особенно нечего, разве только что его бас ни капли не растерял в своей жирности и объемности. А вот гитарист Бруно Фивери - личность, сильно отличающаяся от Джоша Хомми в плане игры. Видно, что он стремится подражать легендарному гитаристу Kyuss, но ему пока явно не хватает изобретательности и оригинальности мышления Хомми. С другой стороны, его игра вносит отличия между группами, и намекает, что перед нами всё-таки немного другая команда.

В заключение хочу отметить, что не стоит ждать от альбома каких-либо откровений, ибо возраст и статус музыкантов располагает к несколько другому отношению, где приоритеты сместились от оригинальности к качеству самой музыки, продуманности и общей выверенности. Да и в целом данное событие - это реюнион легендарных музыкантов, наподобие реюниона Black Sabbath, только в масштабах стоунер-рока, поэтому уже сам факт воссоединения этих личностей не может не радовать. Так что, брат-стоунер, беги в магазин за бутылкой "Джек Дэниэлс", потуже забивай косяк и слушай!

Pushit  21 авг 2013

Clutch, одна из самых старых и влиятельных в мире стоунер-рока групп, после четырехлетнего перерыва разродилась новым альбомом. Надо заметить, что у нас в отечестве коллектив особой популярностью не пользуется, хотя в мире выход свежего творения Clutch - событие знаковое, подтверждением чему служит тот факт, что в чате iTunes альбом со старта взлетел сразу на первое место рейтинга.

Для начала я хотел бы провести краткий экскурс в историю. Четвёрка из городка Джермантаун, что в штате Мэриленд, существует с 1990 года, и в 1993 и 1995 годах выпустила два знаковых для стоунера альбома, автоматом попав во внимание практически всех любителей данного направления. Стиль первых альбомов можно было охарактеризовать как Led Zeppelin + Helmet. Однако со временем музыканты стали смещаться в сторону фанк-металла и блюза, благодаря чему, собственно, и обрели своё фирменное, неповторимое звучание. Начиная с альбома 2005 года "Robot Hive/Exodus" у Clutch наметился вектор на общее смягчение звука и более глубокое погружение в блюзовые изыскания. Релиз 2009 года "Strange Cousins From The West" стал апогеем этого вектора в развитии группы. Однако большинству поклонников тот полноформат не очень-то пришелся по душе, ибо хотелось старого сыроватого звучания и хорошего фирменного клатчевского грува.

Почесав бороды, музыканты стали думать, в каком направлении им двигаться дальше. Вдруг, откуда ни возьмись, объявился Лемми Килмистер и позвал группу с собой в тур в 2010 году. Ребята честно согласились и поехали; за первым туром их позвали и во второй. А дальше к музыкантам обратились Thin Lizzy с аналогичным предложением. В итоге Clutch прокатались по гастролям ещё два года. Однако именно в период бесконечных разъездов к ним и пришла идея, что делать дальше. "А почему бы нам не добавить к своему фирменному саунду грубый драйв Motorhead и изящность Thin Lizzy?". Сказано - сделано, в итоге появилась идея сделать самый быстрый и тяжелый альбом, какой только возможно. В качестве продюссера позвали Machine, личность в металлической среде довольно известную, да и к тому же работавшему над двумя альбомами Clutch в прошлом.

Итогом стал "Earth Rocker". Альбом действительно грубый, сырой, местами даже неотёсанный. Изображённый на обложке индеец как нельзя лучше характеризует общее настроение. Группа вернулась к своему старому звуку, значительно ускорилась. Вступительная одноимённая песня очень убедительно это демонстрирует. Следующая за ней "Crucial Velocity" ещё сильнее разгоняет общий темп, попутно разбрасываясь мрачной "блэксаббатовской" атмосферой. В третьем и четвёртом треках группа поддерживает созданный напор, разбавляя его здоровым мелодизмом и губной гармошкой в "DC Sound Attack!", а в шестой композиции даёт взволнованному слушателю передышку в виде прекрасно-атмосферного и немного меланхоличного блюза "Gone Cold". Дальше четвёрка умудрённых жизнью бородачей продолжает методичный и ритмичный поход на слушателя. Причём в последних четырёх песнях музыканты рубят как в старые добрые времена 2001-2004 годов, когда они были на пике своей популярности. Только на этот раз умение и опыт исполнителей значительно увеличились.

Теперь о плюсах и минусах. Из безусловных достоинств - энергичность, ведь получился альбом очень и очень драйвовым, такого у них не было со времен "Pure Rock Fury"; ещё один плюс - звук, наконец-то достаточно громкий, четкий и сбалансированный, что доказывает важность выбора продюсера. Нельзя не отметить и тот факт, что вокал Нила Фэллона всё такой же мощный и резонирующий, вдобавок ко всему он стал более терпким и грубым, что есть хорошо. Но без минусов тоже не обошлось, и они, к сожалению, немаленькие. Главный - из-за того, что альбом стремились сделать более агрессивным и тяжелым, Clutch упустили главную свою фишку - грув и риффы. Именно запоминающиеся, красивые, цепкие риффы с обилием ультраскоростного "вау" были чуть ли не главным атрибутом гитариста Тима Салта на протяжении всей карьеры, а теперь, к сожалению, всё это почти сошло на нет. Ритмичность, техничность и джазовая вкрадчивость в игре ударника Джин-Пола Гастера неоднократно отмечалась многими известными барабанщиками и музыкальными изданиями, но и это тоже упразднено, теперь Гастер напропалую гремит железом и долбит по барабанам, не особо утруждаясь напоминаниями о своем фирменном стиле. Также нельзя не отметить общую халтурность и простоту (ту, что хуже воровства) в аранжировках, по сравнению, к примеру, с альбомами 2005-2007 годов.

В итоге "Earth Rocker" получился довольно неоднозначным. После первого прослушивания лично у меня возник некоторый когнитивный диссонанс: с одной стороны запредельная бодрость, а с другой - чрезмерная простота. То есть, чтобы определиться со своим отношением к альбому, нужно решить, что для вас важнее - аранжировки или драйв. Если первое, то искать на этом альбоме особо нечего; если же второе - то милости просим, этого добра здесь навалом.

Pushit  22 мар 2013

Среди большинства британских арт-роковых групп в 70-х Hawkwind представляла своего рода "другой берег" по отношению к мэтрам жанра, таким как King Crimson, Yes, Jethro Tull, Genesis. И дело было вот в чем. Арт-рок в 70-х годах представлял из себя довольно элитную музыку для определённого круга лиц, "оупенмайндов" того времени. Совершенно понятно, что для простых кокни эта музыка была, мягко говоря, непонятна. Так вот Hawkwind была группой для простого народа, если обычных британских хиппарей так можно было назвать. Хотя и "группой" Hawkwind будет называть не очень-то и корректно. Скорее, они были сборищем разного рода "интересных личностей". В том числе и легендарного Лемми, который на тот момент был просто беззубым говнарем-амфетаминщиком, в послужном списке которого имелись только перетаскивание тяжелого оборудования для Джимми Хендрикса и участие в бит-группе Rockin' Vickers, побывавшей за железным занавесом в Югославии. Туда же можно смело записывать и саксофониста Ника Тёрнера, в честь которого и была названа команда (а точнее, в честь его привычек очень громко кашлять и удушающе испускать газы); писателя-фантаста, кислотника и просто веселого парня Майкла Муркока, который декламировал, неся жесточайшую шизу между песнями, на концертах; вокалиста и поэта Роберта Калверта, страдавшего тяжелой формой маниакальной депресии, и многих других. Вместе они прекрасно проводили время и джемовали, где получится, зачастую выступая на улицах Лэдброк-Гроув. Но однажды, созерцая астралы, музыканты придумали своему творчеству концепцию, озвученную Муркоком: Hawkwind - это безумный космический корабль, который мчится в никуда на сверхзвуковых скоростях. И тут, как говорится, понеслось...

"Warrior On The Edge Of Time" является пятым и считается последним классическим альбомом Hawkwind, к тому же последним релизом, попадавшим в билборд-чаты. Записи альбома предшествовали неудачные гастроли по США, в ходе которых у группы изъяли прямо-таки залежи кокаина, ЛСД, амфетаминов и марихуаны. После чего у команды арестовали всё оборудование и выписали штрафов на 8000$. По возвращению из Америки в коллективе начинается неразбериха с участниками и разногласия относительно материала для будущего альбома. В итоге в записи принимали участие разные баранщики, пели разные вокалисты, играли разные гитаристы.

По сравнению с предыдущим альбомом "Hall Of The Mountain Grill", музыка стала смещаться в сторону симфонизма и атмосферности. Количество "наркоманских" шумов сильно снизилось, им на смену пришли синтезаторные свистелки и трещалки. Материал получился довольно разнообразным. Первые две песни выполнены в традиционном космическом стиле группы - грязный и грубый гитарно-барабанный драйв в ритмической части с наложенной на него клавишной и духовой мелодической частью. Притом гитарная часть непритязательна и проста, что подчеркивает рок-н-ролльно-панковские корни участников группы. С мелодической же частью всё разительно отличается - очень масштабные и атмосферные клавиши, местами пробирающие до дрожи, в вперемешку с раздолбайским саксофоном Тёрнера. Оный местами выдаёт такие хуки, что невольно удивляешься; вдобавок к этому, Ник ещё и прекрасно стрекочет на флейте. На альбоме есть три вещицы, исполненные Муркоком в жанре spoken word. Это "Wizard Blew His Horn", "Standing At The Edge Of Time" и "Warriors". Также музыканты не постеснялись поиграть с краут-роком и сделали две интересные инструментальные композиции "Opa-Loka" и "Spiral Galaxy 28948". Нашлось место и эпику "Magnu", и замечательному акустическому номеру "The Demented Man" (лично моему любимому в творчестве группы), исполненному Дэйвом Броком. А завершает альбом задорный и бодрый рок-н-ролл в лице "Kings Of Speed", с забавным кантри-соло в конце, и легендарной песней "Motorhead", исполненной Лемми (у которого в тот момент еще не сформировался его фирменный голос) и давшей жизнь другой легендарной группе.

В целом, альбом просто замечательный, слушается на одном дыхании и показывает, что Дэйв Брок и его товарищи не лыком шиты и способны творить действительно интересные и разнообразные работы. Альбом я бы рекомендовал в противовес классическому британскому прогрессив- и арт-року, так как музыканты использует те же приёмы, но сама музыка весьма проста и харизматична: не зря Hawkwind называли народной группой. Конечно, местами материал изрядно "грузит", но ведь это же всё ерунда для настоящего ценителя, не правда ли?

Pushit  11 ноя 2012

Возможно я не скажу ничего нового, но Rush действительно не стареют. В то время как их коллеги по семидесятым, неприлично пожирев, поседев, полысев, время от времени устраивают реюнион-туры, где с большой одышкой и без внятной подачи играют песни тридцатипятилетней давности, канадское трио выглядит так, будто им дай бог по сорок, и выпускает не менее забойные, чем в семидесятых, альбомы.

Прошлый релиз, "Snakes & Arrows", получился очень энергичным и хитовым, и от "Clockwork Angels" хотелось ещё больше и ещё лучше. Так, собственно, и получилось.
Если бы я не знал, кто такие Гедди Ли, Алекс Лайфсон и Нил Пирт, то я бы никогда не поверил, что шестидесятилетние мужчины могут рубить настолько бодро, тяжело и сочно. Тут тебе и громовой гитарный кранч, и перегруженный жирнейший бас, и не менее громовые ударные. Но самое главное - это даже не саунд, который, кстати, получился очень модерновым и классическим одновременно. Самое важное - это уровень исполнения, чем всегда и славились Rush - и от гитары, и от баса, и, тем более, от ударных буквально пышет пламенем и летят искры. А вокал Гедди Ли, видимо, ещё лет сто будет таким же мощным, как во времена "2112". Слушая это, приходишь к мысли, что далеко не все молодые музыканты играют сегодня так, как это делает безбашеная троица из Торонто. И что интересно, умудряются ведь совершенно не повторяться.

Впервые за много лет альбом концептуален. Мало того, что концептуален, так ещё и Нил Пирт, неутомимый поэт, философ и искатель истины, в соавторстве с писателем-фантастом Кевином Андерсоном написал целый роман для описания его концепции. Сюжет разворачивается в мире стимпанка, где главный герой, находящийся в центре вечного противостояния между силами хаоса и порядка, путешествует по свету, следуя своим снам. Замес довольно масштабный, в духе "2112" и "Hemispheres".

Первые две песни, "Caravan" и "BU2B" (что расшифровывается как "Born Up To Believe") слушаются на одном дыхании. Первая, невероятно зажигательная открывашка, выполненная явно в фанк-металлическом ключе, задает довольно мощный настрой, вторая же своим тяжелым среднетемповым грувом ещё больше развивает его. Далее идёт лучшая композиция альбома, "Clockwork Angels", меланхоличная, но в тоже время светлая и жизнелюбивая, с великолепным гитарным соло. Далее альбом набирает по-настоящему фантастические обороты в лице "The Anarchist", "Carnies", "Halo Effect", "Seven Cities Of Gold", "The Wreckers" и "Headlong Flight". В это время погружение в атмосферу альбома происходит просто невероятное, в себя приходишь разве что на коротком рефрене "BU2B2". Немало этому способствует не пойми откуда взявшаяся и местами крайне удачно вмешивающаяся в ход развития событий масштабная психоделия. Удивителен тот факт, что Rush, будучи известными сторонниками здорового образа жизни и противниками рок-н-ролльного угара, умудряются затянуть такие эффекты, которыми не каждая психоделическая группа может похвастаться. Браво, мистер Лайфсон! И, наконец, две последние песни - "Wish Them Well" и "The Garden", выполненные в классическом Rush-ключе, ставят на альбоме жирную и позитивную, жизнеутверждающую точку. Занавес!

После прослушивания складывается очень стойкое ощущение, что ты прочитал крайне интересную и занимательную книгу или посмотрел захватывающий фильм. Впечатление рассказаной истории, изложенной полностью, без ненужной тягомотины и без недосказанной концовки, как модно сейчас делать. В наше время суеты, когда мейнстрим-конвейер клепает ежедневно одинаковые и одинаково скучные музыкальные безделушки, по какому-то недоразумению называемые альбомами, встретить такой айсберг практически нереально. Но он есть, и он перед вами, так внимайте же ему!

Pushit  30 авг 2012

Четвёрка экспериментаторов из Savannah, Georgia разродилась просто колоссальных масштабов альбомищем! Двухдисковый, под завязку набитый мелодиями, красками и образами, "Yellow & Green" готов показать всем, кто такие Baroness.

За последние пять лет группа проделала весьма серьёзный путь - от немытых подвальных прогрессив-сладжкорщиков до группы высшего эшелона тяжелой музыки. Немало этому посодействовали первые два альбома группы, "Red Album" и "Blue Record", удостоившиеся весьма хвалебных отзывов как от простых слушателей, так и от авторитетных музыкальных изданий. Надо сказать также, что эти релизы создали весьма серьёзный задел для будущих музыкальных урожаев группы. Еще за полгода до выхода "Yellow&Green" лидер и фронтмен группы Джон Бэйзли рассказал, что альбом будет более песенным, прямым, с обилием чистого вокала и инспирированными классическим хард-роком гитарными партиями. Итак, насколько же данные утверждения соответствуют действительности?

Первое, на что обращаешь внимание - облегченный саунд, вернее, СИЛЬНО облегчённый саунд. Но нельзя сказать, что это плохо, в особенности в контексте всего альбома. Звук стал более "классическим", в духе Led Zeppelin, The Who, Cream и других отцов хард-рока. Но даже в течение альбома звук сильно и динамично меняется от песни к песне: к примеру, открывашку "Take My Bones Away" вполне можно назвать металлом, но вот к "Psalms Alive" даже при самом сильном желании этот термин неприменим. Местами звук доходит даже до характерного для пост-панка в духе The Cure. Второе – упрощение гитарных и ударных партий, а также песенных структур. Но и это ни в коем случае не стоит это рассматривать как минус. Скорее, здесь наблюдается тенденция к зрелому минимализму. Обратная сторона данного явления – всё на своем месте, ничего лишнего нет, все четко разбито и находится там, где должно находиться, а это не иначе как один из аспектов взросления группы. Третье – группа стала ещё больше внимания уделять психоделическим мотивам. В принципе, весь альбом можно охарактеризовать как психоделический прогрессивный хард-рок. Ещё летом 2011 года, когда группа стала выкладывать первые тизеры из студии, уже было видно, что количество гитарных примочек, используемых музыкантами, просто не поддаётся никакому подсчёту. В итоге разнообразие звуков, издаваемых гитарами, просто невероятно. Нельзя также не отметить, что все эти эффекты вставлены очень удачно - нигде нет ощущения, что музыканты прячут за ними свое неумение играть или бедность аранжировок. Четвёртое – создаётся впечатление, что участники группы сочинили не один цельный двухдисковый альбом, а два разных в одной упаковке. Первый диск "Yellow" характеризуется наличием мощных проработанных, хитовых композиций, монолитностью и даже некоторой концепцией (хотя сами музыканты концепцию альбома отрицают). Второй диск "Green" более расплывчатый, мягкий, атмосферный, можно даже сказать, аморфный. На нём много хороших, но не слишком удачно вяжущихся друг с другом композиций, что приводит к усложнению восприятия диска. Ну и, наконец, пятое – группа всерьёз, и, видимо, надолго, ушла воевать на территории так называемого хипстерского металла. Это четко прослеживается в подаче материала, модном саунде и общей стилистке, в которой преподносится альбом. Для кого-то это уже может стать серьёзным минусом, но если абстрагироваться от нездорового юношеского элитизма и прочих комплексов, то этот пункт довольно относителен.

Но все вышеописанные недостатки и особенности размываются и теряют свою весомость, когда начинаешь воспринимать, не обращая внимания на звук, структуру и прочие технические моменты, саму музыку. А она у группы как всегда волшебна. Да, именно волшебна – Baroness ещё с самого первого своего альбома создавала ощущения сюрреалистичных и волшебных картин, которые подсознание рисовало само по себе. Эти мелодии не похожи на стандартные, основанные на минорных гаммах, они красочные, жизнерадостные, живые и игривые. Они подобны первым весенним ручьям талой воды или горным речным потокам – стремительны и очень красивы. Музыка Baroness очень художественна, недаром её лидер является довольно известным в металлических кругах художником и преемником Альфонса Мухи. По воздействию на психику она похожа на великих Yes.

Выделить какие-либо песни как всегда крайне сложно, ибо слишком много их получится, с десяток минимум. Для ознакомления же можно посоветовать сочную и хитовую "March to the Sea", атмосферно-задумчивый и в тоже время живой "Cocainium", мощнейшую хард-роковую и скоростную "Sea Lungs", масштабный и изобразительный "Board Up The House" и, наконец, кислотно-триповый хипстерский опус "Сollapse".

В заключение следует сказать, что "Баронесса" не разочаровала, а даже наоборот, убедила, что плохих альбомов делать просто не может. Каждое творение группы является творением неповторимым и сугубо штучным, так что найти что-то похоже на "Yellow & Green", если вдруг очень понравится, скорее всего не получится. Я, как большой поклонник творчества это славной команды, могу порекомендовать его всем, даже более того считаю, что альбом обязателен к прослушиванию всем любителям красивой и необычной музыки.

Pushit   1 авг 2012

На ознакомление с этой шведской группой меня толкнуло концертное видео с фестиваля Hellfest. Вокалист в образе адского Римского Папы с кадилом и перевёрнутым крестом, пятерка инструменталистов в черных масках и черных же робах - всё это выглядело очень эффектно и не отдавало блэк-металлом. В этом, скорее, была какая-то загадочно-притягательная театральность. И я решил послушать, что же это за зверь такой - Ghost.

Итак, к альбому. "Opus Eponymous" стал дебютником и пока что является единственным творением группы, однако никакой сыростью или неопределённостью в звучании здесь и не пахнет. В первую очередь хочется сказать, что при прослушивании создаётся впечатление, что эта группа прибыла к нам в машине времени из конца 70-х - начала 80-х. И дело не только в саунде, здесь всё пропитано духом того времени - и саунд, и само построение песен, и подача материала, и манера пения, и гитарные соло, и клавишные. Записано все достаточно оригинально - это не типичный "современный семидесятый" саунд, каковой сейчас можно услышать у кучи различных групп, появившихся в последние года, а звук именно той переходной эры от хард-рока 70-х к уже оформленному звучанию хэви-металла восьмидесятых. Очень похоже на первые два альбомы Iron Maiden, на первый релиз Оззи, творения Rainbow после 1979 года. Но больше всего происходящее напоминает другую скандинавскую группу - Mercyful Fate образца "Melissa". Даже манера пения вокалиста Papa Emeritus I отдалённо чем-то напоминает даймондовскую (вот тут я и должен признаться, что в 13 лет просто заслушивался этим нетленным произведением - посему после трех прослушиваний данного творения я от восторга истекал слюной и, закатив глаза, вспоминал своё детство). Тут вам и винтажно лязгающий бас с перегрузом, и гитарный кранч без каких-либо признаков хай-гейна, и фирменные, слегка глухие барабаны, и насыщенный реверберацией очень чистый вокал.

Следующий момент - имидж группы. Тут балом правит всемогущий Тёплый Ламповый Сотона. Он в этом альбоме ключевой персонаж: и жнец, и на дуде игрец, и разрушитель Земли и вообще, кгм-кгм, всему конец. Не хотелось бы задеть чьи-то чувства, но как правило мне тяжело без улыбки слушать песни про всепоглощающее и непобедимое зло. Но здесь всё не так, это не атмосфера полуночных кладбищ и мрачных жертвоприношений в подвале. Это ощущение присутствия какого-то средневекого зла, которое притаилось и ждёт за толстыми стенами церквей, в тёмных замках и в глазах кардиналов. Это атмосфера мрачных инквизиторских подземелий и окраинных венгерских провинций, где правят кровожадные графы. Если вы играли в давние времена в серию игр Castlevania, то знайте, что этот диск есть наилучшее изображение той атмосферы в музыке.

Следующий и, наверное, последний пункт - музыкальная составляющая. Данный альбом представляет собою некий собирательный образ из хэви-металла с его мелодичностью, типичными гитарными соло и общей ритмикой, трад-дума с его тягостной и пафосной атмосферой обречённости и безысходности и - самое главное и неожиданное - с элементами пауэр-попа. Да-да, классического пауэр-попа в духе Cheap Trick, the Kinks, Devo и the Cars. Именно "попсовые" припевы в духе этого стиля придают музыке Ghost такую хитовость и запоминаемость. Чаще всего музыканты играют по схеме "мрачный куплет - попсовый припев - мелодичное соло".

В заключение, наверное, стоит выделить какие-нибудь песни, что сделать непросто, ибо на альбоме представлен достаточно цельный материал, зачастую песни незаметно переходят друг в друг. Но всё же стоит упомянуть две наиболее понравившиеся мне вещи - сэйтан-воршип "Con Clavi Con Dio" и "Elizabeth", выходившую в виде предварительного сингла. На меня этот альбом произвел довольно сильное впечатление, и теперь, наверное, мне ничего не остаётся, как гонять его по кругу и ждать следующей работы шведов.

Pushit  26 мар 2012

Стив фон Тилл - личность крайне незаурядная, и с этим не поспоришь. До его прихода Neurosis играли весьма средненький и ординарный политхардкор. C его же появлением группа изменилась до неузнаваемости - разрушительный прогрессивный языческий коктейль из дума, сладжа, хардкора, индастриала и фолка, который был продемонстрирован на альбоме 1992 года, показал всему миру, кто такие Neurosis. Далее была целая серия убойнейших альбомов, балансировавших на грани безумия и отчаянья, мрачные фолковые пассажи, злое сладж-рубилово и ещё черт знает сколько разной вкуснятины. Но в 2002 году Стив решил немного отойти от фирменного апокалиптического стиля Neurosis, и записал сольный альбом "As The Crow Flies", в котором превалировал мрачный задумчивый неофолк и философские размышления на абстрактно-жизненные темы. В процессе записи у фон Тилла возникли наброски целой кучи различных эмбиентных треков, не вошедших в альбом, а так же в сайд-проект Tribes Of Neurot. Доработав их, Стив обозвал всё это дело "Harvestman" и выпустил в виде альбома "Lashing The Rye" в 2005 году.

Прошло четыре года, у Стива вышло ещё два сольника, соответственно, набралось и ещё материала на новый альбом Harvestman... Что из себя представляет музыка "In A Dark Tongue"? Честно говоря, словами это описать довольно сложно - тут и эмбиент, и дрон, фолк, спейс и нойз одновременно. Это самые что ни на есть звуковые эксперименты в концентрированном виде. Это гитарные шумы, абстрактные мелодии, не привязанные к каким-либо системам отчёта, это более 9000 педалей, включенных одновременно и выдающих, скорее, некий физический процесс звуковых колебаний. Присутствуют атмосферные клавиши, создающие плотный спейсовый туман всем этим песням. Наличествуют классические инструменты в виде скрипки, флейты и виолончели, правда, они так мощно обработаны примочками, что нужно ещё догадаться, где они спрятались. Не обошлось и без старых добрых аналоговых синтезаторов, которые свистят, булькают и трещат на протяжении всего альбома. Но если перечислять все по отдельности, то этот набор, скорее всего, отпугнёт читающего эту рецензию, посему нужно описать открывающуюся панораму в целом.

Как слушать альбом? Мой совет таков. Вечерком, ближе ко сну, когда на улице стемнеет, выключите в комнате свет, сядьте в тёплое уютное кресло, примите позу лотоса, если кресло позволяет, и включайте "In The Dark Tongue". Полностью расслабьтесь, закройте глаза, устремите своё сознание куда-нибудь вдаль и слушайте. Эта музыка понесёт вас в далёкие и дикие леса, чистые озера, вы почувствуете себя одиноко сидящим в ночной степи, потом отправитесь в открытый космос, потом будете долго летать в ночном небе над зимними заснеженными горами, будете кожей ощущать дуновения холодных зимних ветров, потом - снова в леса, в поля, и так до самого победного конца. Вот в чём прелесть этой музыки. Она просто крайне атмосферна, она создана для возбуждения вашего дремлющего подсознания. Сквозь все эти абстрактные мелодии и шумы происходит настоящий релакс, медитация, если хотите. Эта музыка очень визуальна. Обложка альбома как нельзя лучше показывает все те картины, которые подсознание само начнёт рисовать при прослушивании. Сей релиз очень масштабный и панорамный, он уносит и неудержимо влечёт за собой, при этом, он очень ненавязчив и прост.

Как я уже писал выше, довольно тяжело объективно описать сам альбом и ощущения при его прослушивании, но, тем не менее, я очень советую его всем, кто любит экспериментальные музыкальные полотна, а так же тем, кто просто любит придти и послушать дома спокойную и расслабляющую музыку, местами мрачную, но, все же, очень светлую и жизнелюбивую.

Pushit  16 дек 2011

Без преувеличения следует сказать, что Mastodon на сегодняшний день является самой значимой командой в американском металле. Они популяризовали сначала такие жанры как сладж-метал и стоунер-метал, а потом за пару лет стали и одной из центральных команд современного прогрессив-метала. Их котируют не только сотни тысяч слушателей по всему миру, но и огромное количество "отцов" металла и рока, перечислять их смысла нет. Секрет успеха "мастодонтов" не столько в мастерстве, сколько качестве музыкальной составляющей - там, где надо, они прогрессивные и навороченные, иногда убертяжелые, где-то по-настоящему хитовые, а главное, что всё подается в грамотных пропорциях, без перебарщиваний.

Планка качества музыки все эти годы непрерывно росла, с каждым альбом становясь всё выше. Но с выходом гениального и, во многом, переломного "Crack The Skye" планка стала по-настоящему недосягаемой. Альбом с любой стороны был идеальным, и сделать что-то более сложное и изощренное, наверное, было бы совсем непросто. Но Mastodon - совсем не дураки и прекрасно понимали это, ибо "CTS" стал самым коммерчески успешным, а терять успех у публики, наверняка, никому не захочется. Поэтому в 2011-м году они решили начинать новую ветвь в своем творчестве. И, опять же, очень правильным решением было начать с сильного упрощения структуры композиций, частично возвращаясь к энергетике первых альбомов.

"The Hunter" - это тринадцать очень хитовых, не обременённых разного рода заморочками, песен. Цель этого - скорее всего - привлечение новой публики, и окончательный выход из потных клубов прошлого на стадионы, но, при этом, и желание сохранить свою старую и преданную армию фанатов и почитателей. Все песни как на подбор: длина 3-4 минуты, с обязательным хитовым припевом (по меркам старых альбомов Mastodon), с классным соло, с элементом лёгкого безумия, придающего немалое обаяние этим песням. Взять, к примеру, главный козырь альбома - "Curl Of The Burl": хлёсткий, запоминающийся риффинг, вылизанное стоунер-металлическое звучание, зеппелиновский драмминг и, поверх всего этого, весьма обаятельный вокал Брента Хиндса, поющего про то, что "он убил человека за то, что тот убил его козла". Эта песня до краев насыщена харизмой. Всё дело, наверное, в сотрудничестве с продюсером Майком Элизондо, который явно знает толк в "хитах". Необходимо также заметить, что музыканты с лёгкостью пошли на эксперименты, сочинив и песни в стиле Melvins, Queens Of The Stone Age, Alice In Chains; а заглавная тема очень уж напоминает Pink Floyd.

Что касается техники, то, как я уже писал выше, произошли значительные упрощения в подаче материала, однако, даже несмотря на них, техника музыкантов по-прежнему остаётся на крайне высоком уровне. К примеру, "Octopus Has No Friends" - здесь гитара поливает так, что начинаешь запутываться в ее ходах, однако песенная структура вполне стандартна. Что особенно порадовало, так это вокал басиста группы Троя Сэндерса. Он стал петь необычайно хорошо, беря в некоторых местах весьма высокие ноты, местами выдавая совершенно нетипичный для себя скриминг, а местами радуя своим фирменным харшем, только, на этот раз, куда более эмоциональным. Гитарные партии всё такие же интенсивные, соло по-прежнему красивые. Барабаны продолжают поражать мощью - количество сбивок на такт если и не увеличилось, то уж точно не уменьшилось.

Но высший балл альбом, все-таки, не заслуживает. Почему? Во-первых, потому, что планка всё же опущена, а во-вторых - потому, что после 10-15 прослушиваний альбом начинает надоедать, чего не было ни с "Crack The Skye", ни с "Blood Mountain", ни с "Leviathan". Альбом совсем чуть не дотянул до идеала, но, тем не менее, это по-прежнему Mastodon - ребята крайне опасные и незаурядные, пусть и немного потолстевшие и подобревшие.

Pushit   4 окт 2011

Про эту группу можно сказать, что умом её точно не понять. Трудно вообще представить, как эта музыка набрала огромную армию преданных фанатов и миллионы проданных копий. Весь этот фарс первых двух альбомов "Frizzle Fry" и "Sailing The Seas Of Cheese" был очень и очень эффектным, но на "Свиной газировке" он перешёл в настоящее издевательство над не готовым слушателем. Уже первую песню "My Name Is Mud" хочется выключить секунде на пятнадцатой, однако всё же что-то удерживает слушать это безобразие дальше - шутка ли, этот один из главных хитов группы. Чем она так ужасна? Полным разрывом шаблонов и стандартов - бас играет совершенно немелодичную партию, лишённую какой-либо логики, а гитара выводит какую-то абсолютно невыносимую, тягучую, до бесконечности зафуззованную мелодию, от которой начинает буквально выворачивать кишки, а в первом же куплете гитары полностью замолкают и мы слышим гундение Клейпула под барабанный ритм. Думаешь "может быть сейчас пойдёт нормальная музыка?", а дальше снова вступает убийственная тягомотина, ещё более неистовая и больная, а дальнейшее соло вообще может заставить вас схватиться за уши. Однако со временем понимаешь, что в этом и есть вся "фишка" Примусов. Это откровенная провокация и издевательство, однако в ней "вся соль".

Альбом очень сильно напоминает театр психически больного. Вот в вышеописаной "My Name Is Mud" главный герой представляет себя - "Меня зовут Грязь"; вот в следующей он приглашает вас в свой сумасшедший психоделический мир шизофренических танцев и безумных воплей; далее он показывает свой театр, и играет в нём десяток больных и потусторонних образов. У Леса Клейпула гениально получается изображать умственно отсталого персонажа, эдакого Тимми из сериала "Южный Парк" - он чрезвычайно радуется, оглушительно вопит, гундит, пританцовывает и играет совершенно нестандартные партии на бас гитаре - поистине психоделический образ. Гитарист группы - Ларри ЛаЛонд очень активно ему подыгрывает своими чрезвычайно немелодичными партиями. Все они нацеленны на то, чтобы как можно сильнее уязвить ваши уши, тут ему очень сильно помогают эффекты вау и фленджер, которые тут напиханы в каждой песне. Что касается барабанов они прекрасно дополняют атмосферу безпросветной "дурки", как будто сосед Клейпула по палате Тим Александр стулом стучит по её стене.

Но в целом альбом действительно хорош. Если его всё же расслушать, можно найти целый час веселого дурачества и несерьёзности (хотя если всё же слушать тексты, то некторые из них достаточно серьёзны, однако то, как они поднесены и делают Primus такими уникальными). Все эти образы нарисованые безбашенным актёром Лесом Клейпулом обладают вполне реальными шармом и харизмой. А клипы Примуса это отдельное слово - в них градус неадекватности и нестандартности ещё больше чем в музыке (посмотрите клип на "Mr. Krinkle"), за что им отдельное спасибо. Итог - шедевр и всё тут, настоящий авангард, для тех у кого есть чувство юмора.

Pushit  15 авг 2011

О существовании этой группы я знал довольно давно, но взять и хорошенько послушать всё никак не хотелось. Всё изменил приезд этих матёрых мужиков в Москву. И, собственно, после их убойнейшего концерта, я решил взяться за прослушивание их альбомов. Итак, группа Keelhaul из Кливленда, штат Огайо, что в США. Играет резкую и убойную смесь из маткора, прогрессивного рока, сладжа и немного панковского настроя. Состоит из четырёх ребят, явно немолодых, и эта музыка не рассчитана на молодую женскую аудиторию. Обозреваемый мной диск зацепил меня сильнее всего, и причины на то вполне есть.

Триумфант вернулся к нам спустя шесть лет после STCWN и сразу встретил нас мощным ломаным постхардкорным опусом "Pass the Lampshade". Уже после него я подумал, что рубят ребята очень даже "некисло". Далее в "Glorius Car Activities" послышался надрывный вокал, в лучших традициях хардкора, сопровождаемый ломанным ритмом и постоянно меняющимся риффингом, однако заканчивается трек сверлящим как дрель проигрышем, сыгранным, наверное, раз 16 подряд. А со следующего трека начинается довольно монотонное рвано-ломаное рубилово, которое достаточно трудно запомнить даже после десятка прослушиваний. Однако внезапно хитовый припев в "THC for One" заставляет ещё раз удивиться оригинальности мышления группы. Далее группа продолжает очень напористо и методично выносить мозги рвано-ломаным механичным гитарно-барабанным шквалом. Хотя, конечно, это не совсем точное определение, ведь мелодики тоже предостаточно. Описывать каждую песню бессмысленно, лучше послушать. В целом, альбом надо понять, и неоднократно прослушать, а въехать в него до конца, скорее всего, получится довольно нескоро, ведь в этом огромнейшем нагромождении риффов и мотивов достаточно трудно разбирать "вкусности" сразу. Сразу запомнятся разве что вышеупомянутая "THC for One" и "El Matador". Также можно выделить мелодично-лиричную "Waiting for the Moon to Speak". Для всех, кто любит Knut, ранний Mastodon, Zozobra, Cave In и подобные группы, альбом подойдёт отлично - сложная музыка только для мужчин.

Pushit  21 июл 2011

После восхитительного "The Pariah, The Parrot, The Delusion" я очень ждал появления нового творения этой весьма талантливой группы. "The Pariah" был альбомом действительно сильным, с подавляющим количеством хитовых и просто задушевных композиций, с действительно интересными аранжировками, лёгкими трип-хоповыми вставочками, и конечно же, запоминающимися припевами. "Что же поднесут они на новом альбоме?" - думал я. И вот, значит, публикуют обложку альбома с некой татуированной девицей, на лицо которой натянута маска с улыбкой. Увидев эту обложку, я насторожился, и, как после оказалось, сделал это не зря.

Уже с первой песней музыканты заставили меня сидеть с перекошенным лицом. "Another Tribe" напомнила мне типичную приторнейшую русскую попсу начала девяностых с невероятно назойливым заглавным проигрышем. Далее две совершенно невнятные телеги, крайне незапоминающиеся, и достаточно унылые. Немного в чувство меня привела следующая "Somebody Is Laughing". Хоть номер тоже достаточно попсовый, но в нём ощущается некоторая живость предыдущего альбома. А то, что было дальше, заставило меня отложить под стулом большой кирпич. Ужасно ездящий по ушам, приторнейший синтезаторный вынос мозга в стиле эмтивишного хип-хопа с совершенно незапоминающимся вокалом и полным отсутствием гитар. Тут я, честно говоря, не выдержал и выключил. Зачем этой талантливой и оригинальной команде так неуклюже подражать поздним альбомам Radiohead? Я был в полном недоумении...

Потом я несколько недель не прикасался к альбому, но через какое-то время всё же решил насильно заставить его себя послушать. После 5-7 прослушиваний я начал потихоньку "въезжать". В принципе, по своему духу это всё тот же dredg - изящный, мелодичный, даже артистичный. Просто на этот раз музыканты решили сделать совсем лайтовые аранжировки - задвинули на задний план гитары и стали больше внимания уделять целостности песен. Получилось это у них достаточно успешно - по сути, это можно назвать идеально подогнанными по всем параметрам поп-песнями. Ни одного соло, никаких изящных, характерных для предыдущего альбома, риффов, никаких междупесенных вставок. Только монолитное мелодичное полотно, обладающее какой-то чрезвычайной лёгкостью и даже невесомостью в своей энергетике. В целом, также достаточно сильно заметны веяния модных хипстерских течений - инди, трип-хопа, синт-попа, лоу-фай и т.п. Но из уст этой группы это звучит не так уж и бездарно. Живые барабаны практически полностью упразднены и заменены электронными битами, гитары сведены к минимуму, и играют в основном на заднем фоне, басовые партии вообще разобрать трудно, скорее всего, они есть лишь в паре-тройке песен.

Если подвести итог - хороший альбом, но на прогрессивный рок уже не тянет. Альбому очень сильно не хватает энергии - половина песен стягивает своим меланхоличным настроем, половина песен - этакая светлая грусть. Наиболее бодрыми номерами являются "Somebody Is Laughing" и "The Thought of Losing You", две танцевальные полу-роковые композиции. Альбом неплохо подойдёт для прослушивания фоном и для людей не замутняющих голову понятиями "это не рок" или "это не тру". Ожидающих же прогрессивного рока ждёт крепкое разочарование.

Pushit  11 июн 2011

После выпуска в 1994 году своего легендарного "Deliverance" и триумфального тура с Metallica, этот блистательный квартет засел за запись своего второго полоноформатника с харизматичными Пеппером Кинаном на вокале. Итогом стал этот шедевральный диск. C.O.C. всегда отличались социализированными текстами в песнях, и на "Wiseblood" эти изощрения дошли до своего апогея. Здесь на свой фирменный кроссовер музыканты надавили посильнее, нежели на предыдущем альбоме, - в итоге получилось то, что можно назвать, разве что, кроссовер-стоунером. Очень драйвовые хардкор-ориентированные боевики органично соседствуют с неспешными блэк-сэббатовскими риффами и мидтемповыми номерами. Одной чрезвычайно важной и замечательной особенностью этого альбома является его атмосфера. Каждая песня очень сильно отдает душной атмосферой жаркого летнего дня в захолустном городке американского Юга, не почувствовать это просто невозможно (особенно, если посмотреть видео на "Drowning in the Daydream"). Исходя из этого, находясь даже в далеко не самой южной Москве, в жаркий летний денёк всегда приятно послушать этот диск.

Музыкальная составляющая заметно прогрессировала по сравнению с "Deliverance" - стало много эффектов, придающих гитарным партиям определённый настрой. Гитарист Види Везермэн теперь нисколько не стесняется и постоянно играет бодрые раздолбайские соло, которые лучше, чем на любом другом альбоме Corrosion of Conformity подчеркивают общий настрой песен. Пеппер интереснее и раскованнее поёт, иногда выдавая довольно приятные вокальные мотивы, а басист группы Майк Дин теперь рубит подобно Джизеру Батлеру - очень ритмично и "в тему".

Что интересно, так это то, что на альбоме уживаются совершенно разные настроения, которые прекрасно сменяют друг друга. Вот позитивная и жизнеутверждающая "Long Whip - Big America", а за ней социализированная и ярковыраженно-негативная "Wiseblood", следом устало-грустная "Goodbye Windows", далее снова социальная и негативная "Born Again for the Last Time" и так далее. Так же особо надо выделить жемчужину альбома - великолепную балладу "Redemption City", грустную, психоделичную и в чем-то даже обречённую, соло которой цепляет даже за самые тонкие струнки души.

Если обобщить, то этот альбом - настоящая музыкальная гора. Сначала кажущийся простым или даже в чем-то скучным, он таит в себе множество скрытой, больной эмоциональности, раздражения, усталости, грусти, но как итог - твёрдого жизненного настроя. Тремя словами - музыка настоящих мужчин.

Pushit   1 июн 2011

Честно говоря, я всегда достаточно предвзято относился к этому коллективу, и послушав пару раз первые два альбома группы года три назад, я прочно отметил для себя - очередное металкор-колотилово с интенсивностью отбойного молотка. Я такое точно никогда не оценю. Поэтому последние альбомы группы достаточно долгий период времени игнорировал. Однако меня кто-то всё-таки уговорил послушать "The Great Misdirect" этой зимой. И, о чудо, что я услышал! Практически ничего общего с тем, что я слышал три года назад - красивый прогрессив-метал с очень обильной мелодикой, постоянными сменами тактовых размеров, темпа и очень интересными ходами. Чем-то это похоже на старую Metallica времен "...And Justice for All", чем-то на Opeth, чем-то на Tool, ну и, конечно же, железобетонное молотилово первых двух альбомов осталось, только теперь оно и воспринимается как-то по-другому...
С этими мыслями я слушал в первый раз "The Parallax". Надо заметить, что на этом EP особой новизны музыканты не стали привносить, а решили свои музыкальные дебри сделать ещё погуще и посложнее. В итоге у нас три крайне структурированные, максимально сложные композиции, скорее даже походящие на металкор-сюиты, с постоянными сменами настроений, тональностей, темпов и тактовых размеров. Прямо таки металлические Yes наших времен! Что ни говори, а играть ребята умеют на пару порядков лучше своих металкор-однокашников. Особенно удивляют неутомимый пилёжник Пол Вэггонер - на протяжении всего альбома он поливает соляками и теппингами как из пожарного шланга и барабанщик Блейк Ричардсон, который подарил десятки разнообразных ритмов в рамках этих 30 минут. Конечно, не забыта и одна особенность музыкантов, за которую я группу и полюбил - это разбавление абсолютно серьёзного дэтового напора клоунскими пародиями на другие жанры, такие как кантри, джаз, блюз и прочие. В этом альбоме очень порадовала эдакая цыганская вставка в духе Горана Бреговича или Gogol Bordello ближе к концу "Augment of Rebirth".

Подытожить всё это я хочу следующим образом - очень здорово, но мало. Полчаса маловато, только войдешь во вкус, как альбом кончается. Понимаю, конечно, ЕР, но всё равно мало. Поэтому вместо 10 ставлю 8.

Pushit   3 май 2011

Дэткор, как много в этом слове... Резко, как понос, появившись где-то в 2005 году он вломился как бешеный бык в кепке в мир тяжелой музыки, и хрюканье, бластбиты и брейдауны заполонили почти всё. Сегодня дэткор-групп развелось столько, что это даже похоже на какую-то пандемию. И может это было бы неплохо, если бы не один фактор - все эти группы похожи друг на друга как голодные африканские детишки в диком племени Эфиопии. И поют они все об одном и том же, и методы у всех абсолютно одинаковые. Поэтому через 4-5 лет жанр настолько опостылел всем, что стал синонимом плохого вкуса.
О рецензируемой группе узнал, почитав рецензии на данном сайте. Veil of Maya позиционируют себя как прогрессив-дэткор, и поэтому на обложке "[Id]" мы видим какие-то клетки или гены, очевидно, что альбом концептуальный. Из Википедии узнано, что Id - это теория о подсознательной работе мозга; сами участники группы сказали, что на концепцию также сильно повлияла видеоигра Xenogears, вышедшая в далёком 1998 году на Playstation. Более подробной информации о концепции не найдено, и разобравшись с лирической частью, можно и перейти к музыкальной. С первого же трека становится понятно, что прогрессивом это можно назвать весьма условно. Музыканты начинают поливать уши быстрыми гитарно-барабанными атаками с первых же минут, воздействуя на мозг низким строем и элементами электроники. Временами эти атаки срываются на пулемётный бластбит, а затем нас терроризируют брейкдаунами, нагло списанными с типичных "мешугговских" клише. Не надо быть музыкальным экспертом, чтобы заметить масштаб влияния легендарных шведов на Veil of Maya, оно практически повсюду, и фирменная атмосфера Meshuggah зависла над альбомом, как призрак отца Гамлета. Местами всё это рубилово сменяется металкоровой мелодикой, и клавишами в духе In Flames. Кстати, некоторые песни вызывают ассоциации с In Flames, взявшими на вокал Жору Фишера. Все песни в среднем длительностью три с половиной минуты, местами разбавленные полутораминутными инструменталками, а это очередной показатель, говорящий против прогрессива. И, наконец, прогрессив должен подразумевать что-то новое или хотя бы что-нибудь интересное, чего здесь, к сожалению, тоже нет. Так что, скорее, это просто техничный дэткор.

В целом, если смотреть с технической стороны, то придраться особо не к чему, всё сыграно достаточно технично и ровно, звук гладко вылизанный, ударные звучат так же как и во всех остальных дэткор-альбомах, надо сказать, что саунд очень типичен для этого жанра. И получается, что при всей своей ровности, техничности и напористости, альбом не способен показать чего-либо интересного, демонстрируя лишь то, что музыканты неплохо умеют заимствовать и эксплуатировать чужие идеи.

Pushit  10 апр 2011

Второй альбом культовой швейцарской группы Knut является на сегодняшний день ярчайшим примером того, как удачно можно смешивать сладж, математику и пост-хардкорные ответвления. Крайне агрессивный, отчаянно кричащий, давящий своей железобетонной атмосферой, в чём-то безумный альбом. Не стоит ждать никакой мелодики, здесь царит диссонанс, искажённые до треска и гула безумные истеричные вопли, коварно атакующие гитары, бьющие как отбойный молоток барабаны и непрерывно вдавливающая в пол атмосфера сумасшествия и истерики. Вступительная "Whacked Out" нагляднее некуда показывает, что будет нас ожидать на протяжении всего альбома. С каждой новой песней интенсивность музыки увеличивается, подобно нарастающему в подводной лодке давлению, которое может просто уничтожить эту самую подводную лодку. Давит сильнее и сильнее, напряжение после "H/Armless" становится почти невыносимым, но... На седьмой песне, инструментальной "58.788", внезапно слышится бой акустической гитары, появляется какая-то доля мелодики (хотя, конечно, настоящей мелодией это вряд ли назовёшь), однако ближе к концу трека становится понятно, что это лишь затишье перед грядущей бурей в лице безумной "Ice Will", которая шквалом обрушивается на уши, снося и опустошая всё на своём пути. И заключает это сумасшествие монументальная и длиннющая телега "The March", сделанная в стилистике того, что чуть позже назовут пост-металом, только куда более безжизненная и больная. Итог - феноменально злой и мощный альбом, при прослушивании которого нельзя будет относится к музыке легкомысленно. Он точно не подойдёт как музыка для прослушивания фоном, вы будете судорожно прислушиваться к каждой ноте и каждому удару барабанов. Словно оправдывая своё название, эта группа вызывает вас на дуэль, и проигнорировать её попросту нельзя.

Pushit  19 мар 2011