Как-то, блуждая по просторам интернета в поисках чего бы послушать, глаз мой зацепился на обложке дебютного альбома Unsane. Собственно, тут есть на что посмотреть. Радостно потерев руки, в ожидании какого-нибудь неизвестного мне грайндкор релиза, я с удивлением обнаружил, что это нойз-рок/пост-хардкор группа. Да, моя наслушанность по части нойз-рока была и есть достаточно скудная. В основном, с жанром я знаком по проектам Стива Альбини, ну или по материалу The Jesus Lizard, Sonic Youth или там Swans. Понятно, что некоторые из них к нойз-року тоже имеют весьма полярное отношение. В общем, о группе я не слыхивал и просто начал слушать, так сказать, с нуля. Закончилось всё это каким-то запойным прослушиванием всей дискографии нью-йоркцев с маниакальной быстротой и неимоверным количеством репитов. Уже сейчас я с уверенностью могу сказать, что прослушивание дебютника Unsane стало для меня одним из главным музыкальных открытий последних лет. И по сути, этот момент я запомню на всю оставшуюся жизнь. Вспомните свои первые прослушивания альбомов, которые остаются вашими любимчиками и по сей день, даже несмотря на изменившиеся вкусы и уже порядком ускользнувшее время. Вот это тот самый момент и один из тех самых альбомов. Для меня, конечно.
Давайте разбираться почему так произошло. На самом деле альбом (да и всё творчество группы) не назовёшь каким-то откровением, но та первобытная ярость и какой-то животный магнетизм, как минимум, у дебютного альбома не отнять. Первый лонгплей Unsane во многом даже неприятен, но он жутко запоминающийся и предельно интенсивный. Россыпь простых, но жесточайших риффов, которые просверливают барабанные перепонки; неповторимый, пронзительный крик Криса Спенсера, которого будто натурально избивают ногами и руками во время записи вокала; грохочущий бас и, конечно, великолепные барабанные партии Чарли Ондраса. Если бы всё это пришлось описывать "потегово" я бы сказал, что Unsane звучит как какая-то больная смесь из нойз-рока, альтернативного металла и блюза. Вообще, надо сказать, что это шумное трио из Нью-Йорка никогда пленных не брали. Гитарист и вокалист Крис Спенсер и басист Пит Шор впервые начали играть вместе ещё в колледже Сары Лоуренс в 1988 году и мало кто там испытывал к музыке коллектива симпатию. Мягко говоря. К счастью, толпа панков в "Большом яблоке" оказалась более восприимчивой к их композициям. Собственно, поэтому Спенсер, Шор и барабанщик Чарльз Ондрас собрали свои вещи и переехали в изобилующий криминалом Нижний Ист-Сайд Нью-Йорка, где они уже стали играть вместе с такими музыкальными коллективами, как Sonic Youth, The Jon Spencer Blues Explosion и Surgery. На одном из выступлений Gerard Cosloy (на тот момент уже работавший в Matador Records, основанный Крисом Ломбарди годом ранее) услышал их, подсуетился и всё это привело к выпуску в 1991 году одноименного дебюта.
Вернёмся к вокалу. На альбоме всего два трека, в которых не "поет" Спенсер: "AZA-2000" и "Action Man". На этих песнях барабанщик Чарли Ондрас исполняет вокальные обязанности и тоже делает это весьма своеобразно. На "AZA-2000" он, конечно, больше подражает стилю Спенсера, но делает это таким образом, что его вокал хорошо сочетается с достаточно медлительным инструменталом. А вот на "Action Man" он будто дурачится, что внезапно даже помогает песне, делая ее довольно веселой. И как раз на контрасте с ней, закрывает альбом "White Hand" которая, определенно, является одним из ключевых треков на альбоме, благодаря запоминающейся игре Пита Шора. Его бас даёт дополнительную основу блуждающим гитарным линиям Спенсера (особенно это заметно в середине композиции). Что касается "гитарных линиий" Спенсера. Это тоже одна из изюминок не только данного альбома, но и всего творчества группы. В частности, то, как он использовал свой Fender Telecaster, гитару, традиционно любимую музыкантами стиля кантри (потому что форма гитары с цельным корпусом, как Fender Telecaster, позволяла музыкантам приблизиться к звуку акустических гитар, что как раз немаловажно в музыке кантри). Тот особенный звон "Телекастера", слышимый над всеми воплями и гулом, который поднимает Unsane, как раз и делает этот дебют таким ​​дерзким и передовым.
После выпуска альбома последовал тур с, внезапно, Entombed; выпуск сборника синглов в 1992 году и трагическая смерть Чарльза Ондраса от передозировки героином. "Just another overdose", как пели в своём хите группа Everclear. Но, к счастью, эта трагедия не остановила поступь группы. Её движущая сила, Крис Спенсер, стал этаким Трэвисом Биклом подпольной музыки, благодаря вокалу и лирике, полных страха и отвращения. Дебют Unsane звучит, как и должен звучать человек, загнанный в угол, кричащий проклятия всем и вся перед тем, как сделать что-то очень плохое. В общем, этот альбом - настоящий взгляд на образ жизни, которого другие, вероятно, не должны вести. Блестящий и дерзкий дебют, пропитанный кровью и потом.

YNWA   8 мар 2020

К 2016-му году всё у группы, вроде, было хорошо. В 2014-ом выпустили прорывной альбом "The Flesh Prevails", после успеха которого группа подписала контракт с Nuclear Blast и выпустила его логическое продолжение "Dreamless", тоже встреченного довольно тепло, как слушателями, так и критиками. В общем, заявление об уходе вокалиста и одного из основателей группы, Алекса Хофманна, было достаточно неожиданным. Оставшуюся часть тура, в поддержку "Dreamless", группа провела с разного рода сессионными вокалистами, но, а после, когда встал вопрос о записи нового альбома и, соответственно, поиске постоянного вокалиста, новости о группе стали совсем скудными. И только в 2019 году, за два месяца до выхода нового альбома, группа презентовала первый сингл "Ultraviolet" и нового вокалиста Антонио Палермо. Реакция слушателей на этот сингл последовала тут же. И, мягко сказать, была она не сильно положительной. К несчастью для Палермо, в основном, критика касалось его непосредственных обязанностей. Из названия группы принялись лепить всякие The Devil Wears Fallujah или Fallujah Wears Prada, намекая на то, что однотипный скриминг Антонио обезличил группу и поставил её в один ряд с многочисленной, однотипной "коровой" братией. И тут вскрылась ещё одна проблема. На промо-фото к новому альбому и в видеоклипе на свежий сингл не оказалось ритм-гитариста группы, Брайана Джеймса, с появлением которого и связывают "ту самую атмосферу" Fallujah на альбомах 2014 и 2016-ого годов. И с этим трудно спорить, ибо Джеймс стал полноценным членом группы в 2013 году, как раз перед записью "The Flesh Prevails" (до этого, он где-то год-полтора числился туровым ритм-гитаристом). От самого Джеймса последовал ответ, что формально он уже с марта 2018 г. не является членом группы. Причина ухода – творческие разногласия. Возможно, это простая "официальная" причина, но факт, есть факт – теперь Fallujah стали квартетом, а Брайан Джеймс не принимал участия в записи нового материала. А если и принимал, то на начальных этапах. Как всё это отразилось на музыкальной составляющей? Давайте разбираться.
Если честно, меня тоже несколько обескуражил первый сингл. И я до сих пор считаю, что группа неудачно выбрала его в качестве представления вокалиста. Вот "Dopamine", который вышел чуть позже, я думаю, не настроил бы на такую негативную волну, как его предшественник. По-крайней мере, она не такая прямолинейная, как "Ultraviolet", хотя недостатки есть и у неё. В любом случае, понятно было, что нужно слушать полноценный альбом, чтобы понять насколько всё плохо. Оказалось, что всё не совсем печально, как думалось на первый взгляд. Но и особых восторгов новый материал, конечно, не вызывает. Главное обвинение, которое можно, и даже нужно, предъявить этому альбому – однообразие. К сожалению, то из-за чего многие полюбили "The Flesh Prevails" и "Dreamless" на новом альбоме просто нет. Нет здесь выдающихся мелодических звуковых ландшафтов; эмбиентных полотен; непрерывных техничных и воздушных риффов; взрывных барабанов; мерцающей атмосферы и этого, казалось бы, случайного, но такого эффектного использования мужского и женского чистого вокала. А что же тут есть? Монотонность и однообразие. После первого прослушивания я поразился насколько группа изменила подход к своему звучанию. Будто они сознательно уменьшили или совсем удалили из своей музыки всё то, что делало их, в своем роде, уникальными. Будто вся эта воздушная атмосфера была просто одним резким движением сброшена в пропасть. И вокал тут, если честно, дело десятое. К Алексу Хофманну было претензий не меньше, пока он ещё был в составе группы. И вполне вероятно, что те, кто сейчас "льёт слезы" по нему, года три-четыре назад поливали его помоями и радовались потом его уходу. Но не все помнят, что Алекс был не только вокалистом, но и отвечал за музыкальное программирование. По сути, вся эта эмбиентная оболочка и "атмосфера" была на нём. И вполне возможно, он ещё отвечал за "связи с общественностью", ибо никаких женских вокалов, порой просто напрашивающихся (в тех же "Dopamine", "Distant and Cold" или "The Ocean Above") тут и в помине нет. Хотя, вполне может быть, что группа сознательно дистанцировалась от своих прежних работ. Конечно, не стоит думать, что всё совсем так плохо. Гитарист Скотт Карстерс никуда не делся и на прошлых альбомах не просто "рядом стоял - три аккорда перебирал". Благодаря его узнаваемой игре, группа ещё не совсем потеряла лицо. Все знакомые элементы его игры на месте - резкие, ритмичные риффы и запоминающиеся мелодии на альбоме присутствуют, но они не такие яркие, как на предшественниках. Порой они просто теряются в скриме Палермо. Что касается барабанов, то и тут от взрывной энергетики не осталось и следа. Да и звучание у них на альбоме довольно плоское. Вообще, если уж делать какие-то конкретные сравнения, то из всего альбома можно выделить три песни: "Hollow", "Sanctuary" и "Eyes Like The Sun". Они наиболее сильно напоминают своих более взрослых предшественников. "Sanctuary", повествующая о потере себя и готовности пожертвовать собой ради любимого человека, вообще мой главный фаворит на альбоме, во многом, благодаря кульминационному моменту, во время которого Антонио Палермо, внезапно, чистым вокалом поет "Lazarus, Lazarus/ I am falling faster now/ Falling fast from death". Это тот момент, который заставляет раз за разом возвращаться к этой песне, настолько он был хорош. Но, к сожалению, таких вот хороших и приятных неожиданностей на альбоме практически нет. Предпоследняя "Distant And Cold", явно созданная с оглядкой на медитативные композиции "Alone With You" и "Dreamless", не дотягивает до них совершенно. Безликий, не вызывающий интереса рифф; монотонный бред и настроение совсем не то. Ну, а вокал… Тут либо нравится, либо нет. После нескольких прослушиваний я вполне к нему привык. К тому же Палермо в своей группе Underling, исполняющей "post-много чего", тоже не сказать, чтобы отличается разнообразием.
В общем, "Undying Light" безусловно разочарует поклонников группы, которые появились у неё благодаря "The Flesh Prevails" и "Dreamless". Если же вы их ещё не слушали, то новый альбом вам вполне понравится. Он не плохой, он просто совершенно другой, более приземлённый. В некотором смысле "Undying Light" напоминает мне дебютный альбом группы, "The Harvest Wombs". Он тоже был хорош, но он ничем не примечателен, как и альбом этого года. Не знаю, что там будет в плане продаж, но в творческом плане для Fallujah, каками мы их знали, это явный провал. Тем интересней будет услышать их следующий альбом, чтобы посмотреть, в каком направлении они будут двигаться дальше.

YNWA  28 мар 2019

Встречают по одежке, а провожают по уму. Все мы знаем эту пословицу. Как вы можете заметить, "одеваться" группа, видимо, не хотела вовсе. На дворе 2018 год, а на обложке сингла мы видим нелепый коллаж, будто созданный где-то в середине 2000-ых из скриншотов какой-то видеоигры для ПК. С одной стороны, это же сингл, какой с них вообще спрос? А вот с другой, если уж самопровозглашаешь себя "группой, не имеющей аналогов на русской тяжелой сцене, воплощающей в жизнь требования времени, несущей в массы новаторский жанр, новое понимание звучания и ярко выраженное мировоззрение, дарящей своей музыкой глоток свежего воздуха слушателям", то уж изволь соответствовать. Это касается оформления не только данного сингла, но и других релизов группы, где более-менее сносно оформлен студийник "Мета-Кома", да и то, когда его близко не рассматриваешь.
Ну, так вот. С одеждой разобрались, переходим к уму. Как бы не пыталась группа, а точнее ее лидер, выдать свой продукт, как какой-то новаторский, при прослушивании этой песни глотнул я далеко не свежий воздух. Можно, конечно, переварить весь этот псевдофилосовский и "много о себе понимающий" поток слов, но вокал Николая Карпушина был и остается довольно посредственным и, как бы сказать, чтобы не обидеть… В общем, очень плохой вокал, просто очень плохой вокал, который прямо-таки больно слушать. Я сразу вспомнил, как в студенческую пору с друзьями пел в караоке "Проклятый старый дом" Короля и Шута, настолько это плохо. Что касается "переварки" текстов. В случае, если бы вокалист был хороший, на многое можно было "закрыть уши", но когда Николай "грозно" не выдавливает из себя слова (которые, порой разобрать невозможно), то становится похож на Сергея Мазаева, что, безусловно, может понравиться поклонникам Морального Кодекса. Лирика, как вы можете убедиться (от слова "беда"), ничем не отличается от сочинений в дневничке у студентки филологического факультета с её богатым внутренним миром. А уж рифмы, вроде «тебя/меня» и «тепла/сердца», а порой их полное отсутствие, ещё лучше дополняют картину.
Ну, да ладно, а что же музыка? Это же "яркая и запоминающаяся команда со своим неповторимым звучанием и узнаваемым подчерком". Тут тоже все… не очень. Стандартный, пресненький готик-индастриал, паршиво записанный и халтурно сведенный/смикшированный. Что бы вы думали? За сведение и мастеринг отвечает - Николай Карпушин! В общем, звучание барабанов совершенно завалено, бас-гитары (да их две, что активно преподносится группой, как нечто экстраординарное), конечно, "попердывают", но я так и не понял, зачем их две. Единственное объяснение – один бас-гитарист очень плох и ему нужна помощь, ибо группе данного жанра должно хватать одного хорошего бас-гитариста, знающего свое дело. Бас-гитара это не тот инструмент, из-за увеличения количества которого, можно сделать аккомпанемент интереснее. С таким же успехом можно использовать две ударные установки. Хотя создатели и единственные представители инфра-метала могут не согласиться. В конце песни звучит ещё саксофон, что, наверное, должно добавить ещё больше пафоса в высказывания Карпушина о его "инфраметале". Чтобы как-то более-менее сориентировать вас по звучанию, представьте себе унылый и беспощадный русскоязычный кавер на какую-нибудь демо-запись Type O Negative и примерно будете понимать, что такое "Гниет Ноябрь". По ощущениям: если бы я стоял один в комнате и слушал данную песню, а в это время кто-нибудь зашёл, я бы немедленно это выключил.

YNWA  26 дек 2018

Есть такие альбомы, которые прямо пахнут временем, в котором они были записаны. А уж конец 80-ых было великолепное время для расцветающей экстремальной сцены. У всех у нас на слуху имена уже классиков того времени, которые записывали в то славное время свои дебюты. Но есть и коллективы, которым, несмотря на отличную запись, не повезло, в силу разных обстоятельств, получить известность и признание.
Такая судьба постигла и Dream Death. Следуя по пятам таких групп, как Pentagram и Celtic Frost, Dream Death ворвались на сцену со своим дебютом 1987 года "Journey into Mystery". Начнем с того, что это, конечно, не дум-метал. В большей степени, это трэш-метал с типичными "блэксаббатовскими" риффами, но несмотря на то, что альбом записывали, по сути, подростки из Питтсбурга, он демонстрирует потрясающе сложный и креативный подход к сочинению композиций. Когда я прослушал "Journey into Mystery" первый раз, то сразу понял откуда "растут ноги" у дебютов, скажем, Autopsy и Obituary, которые отличались таким же "обреченным" звучанием. Песни чрезвычайно разнообразны и охватывают самые разные жанры, порой даже в одной композиции. В открывающей "Back From The Dead" и завершающей альбом "Dream Death" больше трэша, "The Elder Race" и "Sealed In Blood" уже больше тяготеют к думу. А такие песни, как "Bitterness And Hatred" и "Divine In Agony" немного сложнее втиснуть в какие-то стилевые рамки. Да, знаете, не в стилях вся суть. Как упоминалось выше, несмотря на свой новаторский подход и то бесспорное влияние, "Journey into Mystery" не получил того признания и известности, которого, несомненно, заслуживает. Спустя 30 лет группа вернулась к написанию нового материала, и он тоже заслуживает внимания. Но ту атмосферу, тот "запах", им, конечно, уже не повторить. И в этом нет ничего плохого. Если вы порой устаете от выхолощенного, пересведённого и сто раз в студии переработанного материала современных записей, и еще не слышали "Journey into Mystery" - просто включите его и при должном настрое эта запись не оставит вас равнодушным. По крайней мере, меня не оставила.

YNWA  18 ноя 2018

Coalesce считается одной из пяти (ну, или около того) самых важных и влиятельных групп в металлическом хардкоре. Для того, чтобы в этом убедиться, ни в коем случае не слушайте этот альбом. Не потому что он плох, нет. Просто эта запись совершенно не дает ответ на вопрос – «Почему?».
Записанный в достаточно непростой для группы период, "0:12 Revolution in Just Listening" стал третьим альбомом для Coalesce и на момент выхода, казалось, последним. После выпуска двадцатиминутного "Functioning on Impatience" годом ранее, Coalesce колесили по стране с туром в поддержку, но толком не смогли его закончить из-за проблем… с транспортом. В итоге это стало одной из причин, которые привели к распаду коллектива. Другие: постоянное духовное блуждание Steineger'а; стремление к власти в группе Ingram'а и т.д. Но этот распад не входил в планы Relapse Records, которые подписали группу на следующий альбом и даже выдали аванс. В общем, сами понимаете, ситуация нисколько не способствовала полету творческой фантазии. В итоге, Jes Steineger за три дня на акустической гитаре сварганил свои партии и чуть позже, под присмотром знаменитого (в определенных кругах) продюсера Эда Роуза, группа отдельными сессиями записала альбом в его Red House Studios.
Следует отдать должное, несмотря на все эти неудобства и нехорошие обстоятельства записи, песни "What Happens on the Road Always Comes Home" и "Burn Everything That Bears Our Name" более-менее оседают в голове. В остальном, альбом наполнен какими-то деконструктивными конструкциями с джазовым, и каким-то даже южно-роковым душком. Конечно, на пластинке присутствует достаточно сюрпризов и весьма любопытных ходов для того, чтобы сохранить интерес к прослушиванию. Тем более, что запись длится всего 24 минуты, из-за чего, кстати, Relapse поначалу распространяло его как EP. Но лично мне не удалось избавиться от чувства, что только профпригодность Эда Роуза помогла собрать по кусочкам пазлы, которые ему выдали музыканты, со словами: - "И так сойдет, сваргань что-нибудь из этого". Сейчас, по прошествии времени, вся эта хаотичность, стилевой разброд и шатание расцениваются как новоаторская работа и альбом приводят в пример и вносят во всякие топы. Может доля истины есть и в этом... Но мне достаточно включить "Give Them Rope", чтобы остаться при своем.

YNWA   6 ноя 2018

Как только раздались вести о том, что группа Deep Purple записывает новый альбом, изо всех подъездов, как гопота после зимы, повылазило старичье, выросшее на "Smoke On The Water", а также им сочувствующая молодежь из разряда "не слушал, но они же ОТЦЫ!", которые с восторженным придыханием начали ожидать очередного чуда. Ожидание хорошего альбома от Deep Purple уже лет 20 вещь сама по себе достаточно бесперспективная, но после последнего "Now What?!" были надежды, что хоть совсем уж "высокопрофессиональный мусор" они не запишут. Под это дело вновь подрядили престарелого продюсера-многостаночника Боба Эзрина (видимо, самим сочинить опять сил не хватило).
К чему уж претензий нет, так это к оформлению. В кои-то веки группа поняла, что оказывается, хорошая обложка - это тоже один из плюсов пластинки. Окиньте взглядом дискографию британцев… После 1974-ого года, кроме "The House of Blue Light", кругом одни "вырвиглазные" обложки. А тут: ледокол "USCGC Healy" береговой охраны США, который формирует инициалы Deep Purple, расположенные так, чтобы напоминать символ бесконечности! Это, действительно, отлично смотрится. Хотя, как справедливо отметили многие меломаны, после публикации обложки, несколько напоминает логотип Devin Townsend Project. Ну, да ладно... Звук, сведение и мастеринг тоже на высоте. Боб Эзрин, все-таки фирмач и "нарулить" звук он, наверное, и во сне может. Тем более, что записывалось и микшировалось все в Нэшвилле, на минуточку, музыкальной столице США. Хорошие песни, как ни крути, на альбоме тоже присутствуют. "All I Got Is You" одна из тех песен, которые, своим, этаким винтажным звучанием, дают возможность вспомнить классические альбомы Purple. Запоминающееся гитарное вступление, которое затем поддерживают бас-гитара, ударные и клавиши. Даже вокал Гиллана в этой песне не вызывает отторжения. Но, очевидно, что песне не хватает какого-то убойного хука в конце, чтобы эффектно ее завершить. А вот "The Surprising", пожалуй, лучшая песня на альбоме, действительно, хороша. Вступление в восточном стиле, отличная вокальная мелодия... Песня была бы еще лучше, если бы не эти ужасные клавишные соло Эйри в середине (да, я ненавижу клавишные соло, которые длятся больше пяти секунд). Вот, собственно, две песни, на которые я сразу обратил внимание и которые хоть как-то, но захватили меня.
А вот первый сингл с альбома - "Time for Bedlam", меня изрядно повеселил. Преимущественно, своим текстом с "этими вашими": «Sucking my milk from the venomous tit of the state» и завываниями Гиллана «No pity, no pity / Don't want no pity for me in this filthy ceil / I'll see you in hell / See you in hell» - ну, это просто Spinal Tap на выезде. В принципе, всякая квазирелигиозная чепуха частенько встречается в текстах группы. Если говорить о музыкальном наполнении, то уже упомянутый мной Дон Эйри наводняет всю эту запись своими броскими клавишными партиями, будто пытаясь доказать, что он не хуже Джона Лорда. Результат немножко предсказуем. Кашель… Ой, извините! - пение Йена Гиллана, это предмет отдельного разговора. Простите, но я просто не понимаю, как это можно слушать, чтобы это еще и нравилось… Вот, реально нравилось, без скидок на былые заслуги. Где-то с минуту в "On Top Of The World" Гиллан просто читает с листа текст. Видимо не знал, как это спеть и решил, а почему бы просто не прочитать о том, как он лежал с самой красивой девушкой во Вселенной («I lay beside the most beautiful girl in the universe / Her name was Venus in Heaven»). Но об этом позже… Если в предыдущем альбоме прогрессивные элементы в музыке Deep Purple были очень слышны, то новый альбом более прямолинеен и хард-блюз-рок ориентирован, да простят меня борцы за чистоту тегов. Гитарная работа Стива Морса… Как бы сказать, чтобы не обидеть? Хм.. Она стандартна и предсказуема. Нет, конечно, он хороший гитарист, профессионал своего дела, но нет в нем "полета фантазии", "пальцы парят по грифу", "филигранная техника звукоизвлечения" и много чего еще, что я прочитал смешного про его игру на "inFinite", написанную страждущими фанатами в рецензиях. Но что-то я отвлекся…
Следующая за "Time for Bedlam", "Hip Boots" - ничем особо не выделяющийся блюзовый номер. "One Night in Vegas", конечно, подкупает своим уверенным, почти фанковым настроением, но после "All I Got is You" понимаешь, что это какая-то проходная вычурная песенка, про какого-то бухарика в Вегасе и его женитьбу по пьяни. "On Top Of The World" и "Birds Of Prey" закрывающие альбом (кавер на "Roadhouse Blues", абсолютно не к месту, я "закрывашкой" не считаю), в инструментальном плане вполне себе хороши (хотя порой мне казалось, что Дон Эйри просто нажимает на клавиши в хаотичном порядке), но вокал Гиллана уже просто невозможно слушать, уж простите. Какое-то дикое растягивание слов, компьютерное эхо… В общем, мрак!
Я нисколько не пытаюсь принизить наследие Deep Purple или обвинить их в непрофессионализме. Нет-нет. Но извините, профессионалы тоже могут записать скучный, вторичный и неинтересный альбом. А Deep Purple этим занимаются последние лет 20. И даже помощь Боба Эзрина, ни в кои-то веки хорошее оформление или две хорошие песни, не спасает эту пластинку. Ваша ностальгия по былым временам и классическим альбомам Deep Purple меня абсолютно не волнует. А если вам это понравилось, то слушайте на здоровье, кто же вам запрещает? Знаете, хорошо, конечно, когда такие преста... заслуженные группы продолжают давать концерты, что-то записывать, дедушки надевают футболочки и джинсовки без руковов, но хотелось бы, чтобы таких вымученных альбомов, записанных под очередное «прощальное» турне, больше не было.

YNWA  24 авг 2018

Чтобы увидеть всю красоту Норвегии не стоит брать экскурсионный тур по стране, садиться в туристический автобус и ехать по стране с десятком "зевак". Всё что нужно, это остаться наедине с природой этой страны и пользуясь обычным междугородним транспортом, искать настоящую красоту самому. Благо, в Норвегии её полно, достаточно только сойти со скучной туристической тропы. А если поездка в "страну фьордов, ледников и троллей" не входит в Ваши планы, то альбом "Winter Thrice" поможет вам хотя бы чуточку ощутить подлинную красоту этой северной страны. Уже более двадцати лет Borknagar выпускает альбомы, один другого краше, но в 2016 году группе удалось записать пластинку, которая, бесспорно, стала настоящим бриллиантом в дискографии группы. Сейчас, по прошествии двух лет, об этом можно заявлять достаточно уверенно. Дело даже не в том, что на альбоме собрался такой впечатляющий состав музыкантов. Этим уже никого не удивишь. Тем более, что Borknagar частенько ассоциировался с "супергруппой" - столько через её состав прошло, действительно, самобытных и известных музыкантов. Дело в том, что они смогли вместе сделать. Первое, что бросается в уши при прослушивании, это, конечно, потрясающие вокальные линии, красивые гармонии, что неудивительно, когда у тебя в составе есть такие вокалисты, как Andreas Hedlund, Simen Hestnæs, Lars Nedland и Kristoffer Rygg. Ну, или Vintersorg, ICS Vortex, Lazare и Garm, кому как больше нравится. Вокальная манера Garm'а, привнесла в и без того богатую голосовую палитру альбома еще и чувство ностальгии. Прошло уже больше двадцати лет, когда он исполнял партии вокала на дебютной пластинке…
Но ностальгия ностальгией, а даже за последние десять лет звучание Borknagar изменилось и превратилось в уникальное сочетание авангардного, "черного" и симфонического металла, но без присущей этой смеси претенциозности. Никакого самолюбования. Поэтому неудивительно, что на альбоме большинство песен имеют четкую подпись бессменного участника и основного композитора группы Øystein G. Brun'а. Это касается и общей компоновки материала, риффов и прочих синхронизаций и таймингов. Лично для меня, этот последний альбом несколько выбивается в лучшую сторону от двух своих предшественников. Многогранный, полный нюансов и разных направлений, доступный и сложный для восприятия одновременно, альбом, действительно, завораживает. Да, для подобных ощущений, конечно, нужна определенная атмосфера (это я к тому, что сидя в наушниках в вагоне метро заворожить вокальными гармониями довольно сложно). Несмотря на то, что в музыкальном плане тут нет никаких сюрпризов (поклонники "Universal" и "Urd" могут рассматривать "Winter Thrice" как последнюю часть трилогии), то, как группа нашла способ включить всех четырех исполнителей в один и тот же микс (и сделать это гармонично) достойно самой высокой похвалы. Послушайте хотя бы титульную "Winter Thrice". Насколько органично вплетен в единое полотно вокал Garm'а, Vintersorg'а и Vortex'а. Удивительно, но несмотря на такой богатый выбор вокалистов, к записи "Erodent" был привлечен еще и Pål Mathiesen - вокалист Susperia.
Следует отметить, что благодаря своей атмосфере, мощному, и, я бы даже сказал, "богатому" звуку, "Winter Thrice" - не альбом, который раскрывается перед тобой после первого прослушивания. Это происходит также из-за едва заметных намеков на предыдущие релизы, хорошо скрытых под густой завесой звука и вокала. Взять, к примеру, "When Chaos Calls", повествующую о хаосе, когда кругом стены волн и бездна воды. В ней можно найти отголоски "Empiricism" (особенно, это касается партий клавишных). Раз уж речь зашла о лирике, надо упомянуть и её. Название альбома отсылает к северной мифологии и в голове сразу всплывают нужные ассоциации – Ragnarök, конец времен, миф о смерти всего мира. В скандинавской мифологии такой миф, как правило, сопровождают зима. Три зимних цикла убивающих природу и приближающих конец всего сущего. Это основная, сквозная тема, проходящая сквозь пластинку. Но, несмотря на довольно мрачную и темную тематику альбома, наступившая тьма порой заставляет встряхнуться и именно на контрасте с тенью, позволяет ощутить красоту жизни. В лирике Øystein G. Brun'а ("The Rhymes of the Mountain", "Winter Thrice" и "Erodent") мрачные тона преобладают еще и потому, что во время записи альбома, после долгой болезни умер его отец… «Horizons that hosts no scenery / Starless, unending skies / Wakes the beastly void / Starless, unending skies / The dance of stardust stills…». Хочется отметить и превосходную работу баса Vortex'а - его басовые линии постоянно пульсируют на альбоме, проходя сквозь него красной нитью. А вообще, каждый член группы находится здесь на своем месте и в своей лучшей форме. Даже барабанщик Baard Kolstad, который, несмотря на свою молодость (относительно участников группы, 25 лет), в том числе и благодаря музыкальному образованию демонстрирует отличный уровень игры. Это можно услышать сразу же в открывающей альбом "The Rhymes of the Mountain». Постоянный художник группы, Marcelo Vasco и в этот раз в оформлении использовал дерево – символ жизни, семьи, истории и эволюции, под которым мы видим разожженный огонь. Одновременно, на обложке он поймал тьму и зафиксировал мрачную, холодную и туманную атмосферу альбома. В общем, на "Winter Thrice" сохранен характерный для группы музыкальный баланс между black, progressive и folk-металом. Добавим сюда прекрасные вокальные аранжировки, отличноее оформление, толковое сведение и мастеринг, за которые ответственен Jens Bogren и получим один из лучших альбомов года. А уж для Borknagar и последних лет пятнадцати…

YNWA  10 янв 2018

В 2014 году калифорнийская группа с не самым калифорнийским названием Fallujah не просто прыгнула выше головы, а сделала серьезную заявку на потенциальный альбом года. "The Flesh Prevails", в котором слились воедино предельная тяжесть, непередаваемая атмосферность и бесспорная техничность, стал одной из главных пластинок года. Естественно, такой резкий скачок вверх не остался незамеченным. После активных гастролей вместе с Morbid Angel, The Faceless, Dying Fetus, Revocation и выступлений на различных музыкальных фестивалях, крупнейшие музыкальные лейблы, специализирующиеся на тяжелой музыке, обратили внимание на молодой коллектив. И уже в начале 2015 г., через полгода после выпуска "The Flesh Prevails", коллектив из Окленда оказался на Nuclear Blast Records. А это, как вы понимаете, уже совсем другой уровень. Конечно, Unique Leader, на котором выходили предыдущие альбомы группы, тоже не последний лейбл на экстримальной сцене (например, Deeds of Flesh с 1999 года находятся под крылом именно этой конторы), но с такими металлическими мэйджорами, как Nuclear Blast, им, естественно, не сравниться. Это совсем другие возможности, как в плане реализации, так и того же мерчендайзинга. Кстати, в этом можно легко убедиться, просто посмотрев, какой разнообразный "мерч" был выпущен в поддержку нового альбома. Единственное, после таких переходов возникают некоторые опасения за будущий материал, а именно, насколько новый и такой влиятельный лейбл будет вмешиваться в музыкальные дела? Но это скорее, такое подсознательное чувство. В любом случае, после того, как группа представила первую песню "The Void Alone", все опасения были развеяны. Стало понятно, что нас ждет продолжение "The Flesh Prevails", но, как оказалось, без некоторых сюрпризов тоже не обошлось.

"Dreamless" вышел в свет 29 апреля 2016 года, но еще где-то за неделю в иностранной прессе уже ставили альбому довольно высокие баллы и всячески хвалили новый альбом. Впрочем, были и довольно нейтральные отзывы. Это, конечно, сильно подогревало мой, и без того, высокий интерес к этому релизу. После первого же прослушивания невозможно не отметить, что группа не стремится останавливаться на достигнутом. И если первая половина альбома, в целом, эксплуатирует идеи своего предшественника, то вторая весьма отличается от всего, что делала группа до этого. Но об этом чуть позже. Открывает же альбом "Face of Death" - своеобразное intro, дающее некоторое представление о тематике альбома: ненависть; любовь; слова ложных богов, как впрыснутый яд; спокойствие в неизвестности. А вот уже "Adrenaline", оправдывая свое название, дает альбому мощный энергетический импульс. Лирика на тему греха ("I'm the next sin that you indulge / I am a weapon / Built for sin"), прогрессивные элементы и тяжесть "смертельного" метала этой композиции, плавно перетекают в "The Void Alone" и "Abandon" - прямым наследницам предыдущего альбома. Они как раз и показывает насколько агрессивной и раскованной Fallujah может быть, при этом не отказываясь от своей, этакой элегантной атмосферы. Роднит эти песни не только соседство в трек-листе, но и использование женского вокала, которое стало настоящим украшением "The Flesh Prevails". И если на предшественнике за гостевой женский вокал отвечала американская электро-поп дива Roniit, то для нового альбома были рекрутированы сразу две барышни. Певица и композитор Tori Letzler отвечала за бэк-вокал на "The Void Alone" и "Wind for Wings", а на "Abandon" и "Lacuna" отметилась вокалистка прогрессив-метал группы Chiasma, Katie Thompson. К тому же, в композиции "Dreamless" они спели вместе. Эти две песни, впрочем, схожи не только женским вокалом, своей музыкальной палитрой, но и темами одиночества, семьи, потерь и вообще трагичких событий в жизни. "Forget the past / Or be swarmed with regret / A pulse in the veins / As i wait for the end" ( "The Void Alone"); "The beauty in loss / Tragic thoughts in disguise / I'm worlds away from you, saving you / Reclaiming you" ("Abandon"). Следующая за ними "Scar Queen", наверное, наиболее хорошо сбалансированная песня, будто созданная специально для поклонников предыдущей работы группы. Купаясь в превосходной работе гитаристов Scott Carstairs и Rob Maramonte, перед глазами будто проносятся полотна художников-маринистов. Нетронутая ветром морская гладь с картины Уильяма Тернера "Последний рейс корабля "Отважный" сменяется вдруг на бушующий "Девяый вал" Айвазовского. Ну, или на "Маяк Ирвин" Джона Кармайкла. По крайней мере у меня возникают именно такие ассоциации, после прослушивания "Scar Queen" (впрочем, такможно сказать и про весь альбом). И не зря она является своеобразным водоразделом на альбоме, потому что, со следующего заглавного трека "Dreamless", начинаются неожиданности. И тут уже Вам решать, со знаком плюс они или со знаком минус. Спешу успокоить. Алекс Хофманн не начал читать рэп, Тори и Кейти не запели псевдо-оперным вокалом, а гитары не были заменены на укулеле и банджо, но определенные изменения все-таки заставляют поговорить о них отдельно.

Итак, композиция "Dreamless" (к слову, самая продолжительная на альбоме) практически не содержит текста. Лирика состоит из следующих строк, которые пропевают заявленные барышни - "Breathe it in / You're dreaming dead / Vision and apparition / Voice and Exhilaration / Breath it in and reflect / You're dreaming in sequence". Уже в самом начале можно услышать элементы то ли транса, то ли эмбиента, но не суть. Тем более "Alone with You" с прошлого альбома, по форме не сильно и отличается. Да и сокрушительная "The Prodigal Son", следующая за "Dreamless", казалось бы, заставляет забыть о каких-то неожиданных ходах. Вновь трагическая тема семьи ("I curse the night I had to leave / That day of my infant life"), ("The broken heart of the mother / The shattered arm of the father"), вновь смены ритма, настроения и общей тональности. "Amber Gaze" же вообще напоминает скорее какой-то прогрессивный melodic death metal, по сути, являясь самой прямолинейной композицией, которая становится узнаваемой лишь благодаря переливам соло-гитары, которые не спутаешь с другой группой. А вот слушая инструментальную "Fidelio" можно легко подумать, что это альбом Брайана Ино или продолжение последнего альбома Anathema (см."Distant Satellites" и "Take Shelter"). Вступление "Wind for Wings" выглядит аналогично, но вскоре становится более привычной для группы, за исключением присутствия чистого мужского вокала в заключении. Элементы транса и эмбиента возвращаются в еще одном инструментале - "Les Silences", которая отличается от "Fidelio" большей продолжительностью. Ну и наконец, закрывает альбом великолепная "Lacuna", в которой герой будто бы находит успокоение ("Finally I've found my faith / Belief in the cause of your warm embrace / Now I have all that I want"), но, как оказалось, лишь мнимое ("I had found my queen / But she's forgotten me"). Вот такие изменения. Да, они не такие глобальные, как я, возможно, преподнес, но во время прослушивания они очень бросаются в уши. По сути, "Fidelio", "Les Silences", а где-то даже "Dreamless", можно воспринимать как своеобразные интерлюдии, но уж больно они выбиваются из общего ряда.

В общем, радует то, что группа не стала записывать клон "The Flesh Prevails", а внесла какие-то новые элементы и всячески развила идеи альбома, который принес ей какой-никакой, но успех. Группа осталась на 100% в том же составе, еще более усложнила структуру композиций, более ответственно подошла к звучанию (для этого был приглашен Mark Lewis, поэтому сведение и мастеринг выгодно отличаются от предшественника, конечно, в лучшую сторону). Да, к недостаткам можно отнести некоторое нарушение баланса и может показаться, что музыканты порой пытались впихнуть в альбом, как можно больше идей. Поэтому, собственно, он и превосходит своего предшественника тремя песнями и примерно 15-ю минутами. В любом случае, я не испытывал особо дискомфорта при прослушивании, так что все сугубо индивидуально. Главное, что "Dreamless" кует свой собственный путь, а не полагается исключительно на чертежи, установленные предыдущим материалом. Несколько слов об оформлении. В качестве обложки была выбрана работа художника Pete Mohrbacher из цикла "Angelarium", с которым я настоятельно рекомендую ознакомится. Это, действительно, крайне впечатляющие работы. Впрочем, как и сам альбом, который заслуженно попадет на высокие места, в большинстве итоговых списков года.

YNWA  15 май 2016

Все-таки, какое большое и исключительное значение в жизни человека имеет простой случай. Случай может не только раскрыть глаза на какое-нибудь событие, но и круто изменить жизнь одного или даже нескольких людей. Насколько необратимы и непредсказуемы результаты какого-либо, совершенно машинального и внезапного действия. Я думаю, Вам понятно к чему я клоню. Как-то, бесцельно блуждая по лабиринтам Интернета, на одном из музыкальных сайтов я, не особо задумываясь, кликнул на название какого-то альбома, и этой записью оказался новый лонгплей американцев Hatchet. Конечно, для больших ценителей thrash metal, название группы должно быть знакомо, особенно, благодаря их дебюту на Metal Blade "Awaiting Evil" 2008 года, который был тепло принят как критикой, так и самими слушателями. Для большинства же меломанов и вообще людей, слушающих самые разнообразные направления и уже успевших утонуть в море музыкальных стилей, я думаю, название группы не говорит совершенно ничего. Что ж, я тоже был в неведении, но альбом прослушал и, как говорится, все завертелось…
Несмотря на довольно пафосное и "много о себе понимающее" вступление, меня нисколько не тянет петь дифирамбы и ставить десятки, "потому что качает!". В принципе, если вы слышали два предыдущих альбома Топора, то новая пластинка Вас вряд ли удивит чем-то новым. Думаю, пока лидер группы Julz Ramos способен удивлять лишь сменой ритм-секции, приглашая на место басиста и барабанщика Joey Karpowicz и Ben Smith, соответственно. Да и то, эта смена уже становится традиционной. Инструментальное, почти двухминутное интро, озаглавленное "Where Time Cannot Exist", своей акустической частью напоминая скорее "Desolate Ways" Morbid Angel, к своему завершению, довольно бодро подводит нас к "Living in Extinction", которая ясно дает понять, частью какой сцены является данная формация. А именно - Bay Area. "Living in Extinction" же и задает темп альбому, который представляет собой этакий безупречный трэш шторм, включающий запилы свинцовых гитар и вокал Ramos'а, походящий где-то даже на Paul Baloff. Что касается мелодичной гитарной работы, то она напоминает ранний Machine Head (послушайте хотя бы “Prophet of Delusion”), а порой и самих Exodus с Death Angel. На "Killing Indulgence" также можно услышать еще и отголоски "Новой волны британского хеви-метала", что, конечно, не так и удивительно. Что касается лирики, то она повествует о насилии, хаосе, боли и несправедливости - все, как у идейных вдохновителей. Но, несмотря на все вышесказанное, нужно отметить, что "Fear Beyond Lunacy", при его чрезвычайно "твердой" музыкальной части, все-таки не удается воссоздать флюиды и чувства 80-х годов и всей той трэш-классики, на которую равняется коллектив. Hatchet, конечно, бескомпромиссная и талантливая группа, но надо признать, ребята остаются лишь одной из перспективных команд. Во многом, своими успехами они обязаны трудолюбию и упорству фронтмена, который на своих плечах продолжает строить имя своему детищу. В этом отношении "Fear Beyond Lunacy" безусловно, показывает поступательное движение вперед этой банды с Западного побережья. Но нужно быть более осторожным с классификацией этой продукции, ибо группа эта ничем особо не отличается от огромного количества своих братьев по сцене. В любом случае, теперь я буду пристально следить за дальнейшей деятельностью этой команды. И возможно, со временем, они смогут нарастить не только мяса на лезвии своего топора, но и прибавить мышечной массы в руке, которая этот топор держит.

YNWA  15 апр 2016

Вам когда-нибудь доводилось участвовать в разговоре, в котором, несмотря на разумные доводы, мысли на тему дискуссии (будь-то футбол, цветоводство или "что первично, дух или материя?") на вас не обращают никакого внимания и говорят что-то вроде: "Да-да, иди поиграй с друзьями" или "А, Что? Принеси чаю"? Если приходилось сталкиваться с подобной ситуацией, то вы вполне можете себе представить отношение к альбому "Lodger", когда речь заходит о "Берлинской трилогии" Боуи. Отношения, надо сказать, эти вполне можно понять. Уже саму принадлежность к серии альбомов под неофициальным названием "Берлинская трилогия" или "Триптих", как еще называл ее Дэвид, можно поставить под сомнение. Альбом "Low", хоть и записывался преимущественно во Франции, в Западном Берлине был хотя бы сведен. "“Heroes”" полностью записан в Берлине и его по праву можно назвать центральной частью триптиха. А вот "Lodger" (первоначально пластинку хотели назвать "Planned Accidents" или "Despite Straight Lines", что весьма символично) был записан в Швейцарии и Нью-Йорке, к Берлину не имеет никакого отношения. По крайней мере, географически. В общем, в глазах многих людей выглядит как оконная ставня, а не часть триптиха. Объединяет эти работы, пожалуй, только основные действующие лица, причастные к его созданию.

Вышедший 18 мая 1979 года, тринадцатый альбом Боуи разительно отличался о двух своих предшественников. Никаких инструментальных композиций, наличие которых была отличительной чертой "Low" и "“Heroes”". Разделение, конечно, заметно, но только в плане тематики песен: первая половина альбома посвящена путешествиям, вторая половина - критике западной цивилизации. "The Secret Life of Arabia", которая, весьма не к месту смотрелась в заключении альбома "“Heroes”", можно назвать этаким связующим звеном между альбомами. В принципе, понять почему произошло резкое изменение в лирике не составляет труда. "Low" был преимущественно о внутренней борьбе Боуи с наркотической зависимостью, "“Heroes”" говорил о борьбе, о "cыновьях молчаливого века, которые ходят по своим комнатам, меряют шагами клетки, а после устраивают войну". И эти темы соответствовали окружению певца, тому в каких условиях он их записывал. Альбом "Lodger" записывался в перерывах между частями мирового турне Боуи 1978 года. Поэтому в процессе записи уже не было того единства, которое возникло между Боуи и Брайаном Ино во время работы в Западном Берлине. Эдриан Белью, сменивший Роберта Фриппа, блестяще исполнившего партии соло-гитары на "“Heroes”" (к слову, с 1981 года они вместе станут участниками нового воплощения King Crimson), был вынужден работать с материалом многократно прослушивания треки, которые прокручивались в обратном направлении и под которые он сочинял свои гитарные пассажи. Вообще запись альбома была экспериментальной, даже в большей степени, чем запись двух предыдущих пластинок. Часто Боуи и Ино менялись музыкальными инструментами, использовали одинаковые последовательности аккордов для различных песен, музыканты порой вообще играли на незнакомых им инструментах. Например, во время записи первого сингла с альбома "Boys Keep Swinging", гитарист Карлос Аломар и барабанщик Деннис Дэвис испробовали себя в незнакомых ролях барабанщика и басиста, соответственно. Впрочем, открывается альбом размышлениями о возможности ядерной войны. "Fantastic Voyage" одна из лучших песен Боуи, с замечательными строчками "In the event that this fantastic voyage / Should turn to erosion and we never get old / Remember it's true: dignity is valuable / But our lives are valuable too" или "We're learning to live with somebody's depression / And I don't want to live with somebody's depression / We'll get by, I suppose". "African Night Flight" рассматривается как предвестник популяризации этнической музыки. Она была вдохновлена поездкой в Кению. "Move On" (в которой упоминается и Россия) содержащую аккорды ранней песни Боуи "All The Young Dudes" сыгранные в обратном порядке, можно назвать гимном любого путешественника. "Sometimes I feel / That I need to move on / So I pack a bag / And move on / Move on" или "I'm just a travelling man / Maybe it's just a trick of the mind, but / Somewhere there's a morning sky / Bluer than her eyes / Somewhere there's an ocean / Innocent and wild" не дадут соврать. Как и сингл "DJ", который был злорадным взглядом на мир диск-жокеев, "Boys Keep Swinging" высмеивал различные диско-группы, вроде Village People, которые были популярны во время записи альбома в Нью-Йорке. Об этом недвусмысленно намекает видеоклип на эту композицию. "Clothes always fit ya / Life is a pop of the cherry / When you're a boy". Тема насилия в семье раскрыта в "Repetition", которую Боуи намеренно спел бесстрастным тоном, который подчеркивал довольно едкую лирику "Well Johnny is a man / And he's bigger than her / I guess the bruises won't show / If she wears long sleeves / But the space in her eyes shows through".

Понадобилось много лет, чтобы "Lodger" оценили по достоинству, но сразу после выхода он получил отрицательные отзывы, как от критиков, так и от слушателей. Не самое удачное, "грязное" микширование, не самое впечатляющее оформление... Что тут сказать, если сам Брайан Ино считает, что трилогия выдохлась на "Lodger". Кстати, об оформлении. Над ним работал известный деятель в области поп-арта Derek Boshier, этакий английский Энди Уорхол. Дизайн оригинальной альбомной обложки включал полноформатный снимок Боуи, который изображал жертву несчастного случая, то ли со сломанным носом, то ли с остатками белого порошка на нем. По сути, изображение было сознательно сделано с низким разрешением. На складывающимся буклете находились фотографии: труп Че Гевары и картина XV века "The Lamentation Over the Dead Christ". Изображение на обложке, было тонким обыгрыванием "несчастливой" цифры 13 (порядковый номер пластинки в дискографии певца). Может на стадии задумки это и выглядело любопытно, но результат был не самым удачным. Еще одна причина непопулярности альбома кроется и в этом, как мне кажется. Да, это весьма незначительно, но когда вспоминают о "Берлинской Трилогии", то перед глазами тут же появляются яркие, запоминающиеся образы Боуи с обложек "Low" и "“Heroes”". А вспоминать ноги или верхнюю часть туловища, с каким-то пограничным выражением лица, не очень хочется.

Но в любом случае "Берлинская трилогия", конечно, остается одной из определяющих работ в творчестве Дэвида Боуи. Она не побила каких-то значимых высот в плане продаж, не всех устроили такие резкие эксперименты со звучанием и стилистикой, в особенности, заметные на первых двух работах трилогии. Но в художественном отношении, эта серия альбомов считается одной из самых значительных музыкальных произведений. Количество музыкальных жанров и исполнителей на которых повлияла "берлинская эра Боуи" крайне велико. И пусть "Lodger" порой рассматривают как отдельный альбом, хоть как-то пытаясь отделить его от двух старших братьев, это в конце концов не так важно. Впервые за долгое время, несколько раз послушав альбом, я ловил себя на мысли, что некоторые моменты неприкаянного "Lodger" звучат поинтересней чересчур экспериментальных заморочек "Low" и "“Heroes”". Но Боуи этой относительной неудачи будто бы даже не заметил. Уже во время записи "Lodger" он сочинял материал для следующего альбома, который получит название "Scary Monsters (and Super Creeps)"...

YNWA  17 мар 2016

Не прошло и 10 месяцев со дня выхода "Low", как на полках музыкальных магазинов, 12 октября 1977 года появляется двенадцатый студийный альбом Дэвида Боуи, названный "“Heroes”". Запоминающаяся обложка альбома была вдохновлена картиной "Roquairol" выдающегося немецкого художника-экспрессиониста Эриха Хеккеля. Второй акт "Берлинской трилогии" и единственный альбом из нее, который, действительно, был полностью записан в Берлине (в знаменитой "Hansa Tonstudio") в непосредственной близости от Берлинской стены. Продюсер альбома Тони Висконти вспоминал, что красноармейцы регулярно наблюдали за ними в мощный бинокль со своего наблюдательного поста. И если "Low" была свойственна довольно мрачная, тревожная атмосфера, то для нового альбома уже характерна некоторая расслабленность, можно сказать непринужденность. Это касается даже эмбиент-композиций, как и в предыдущем альбоме, составляющих вторую половину пластинки. И, конечно, соседство с таким архитектурным строением повлияла на тематику песен для нового альбома. Особенно, это касается сингла, давшего название для всего альбома - "“Heroes”". Самая известная песня с альбома, была записана в 1977 году во время плодотворной работы в студии и поначалу предполагалось вообще оставить ее без текста. Но, как гласит история, Боуи увидел в окне обнимающихся продюсера Висконти и бэк-вокалистку Антонию Маас, что и послужило основой для лирики. К слову, Висконти в ту пору был женат. И не на Маас. В том числе и поэтому название намеренно было заключено в кавычки, для того чтобы придать ироничный оттенок романтичным и даже торжественным словам и музыке песни. В общем, так и возникла эта история двух влюблённых, тайно встречающихся возле Берлинской стены. Название песни также является отсылкой к треку 1975 "Hero" немецкой краут-рок группы Neu! с альбома "Neu! ’75". Не секрет, что Боуи и Ино были их большими поклонниками. В вокальном плане эта одна из самых сильных песен Боуи, в которой он буквально передает мучительное состояние героев песни "I can remember / Standing by the wall / And the guns / Shot above our heads / And we kissed / As though nothing could fall".

Ладно, довольно говорить об одной песне, она хоть и самая известная на альбоме, да и вообще в творчестве Боуи, но что же представляет собой непосредственно сам альбом? Открывает его "Beauty and the Beast", достаточно нервная композиция, состоящая из сочетания фортепиано, гитары и электроники, в которой Боуи оглядывается назад и вспоминает тяжелые перепады настроения во время своей кокаиновой наркомании, во времена проживания в Лос-Анджелесе с '75 -'76 г.. Отсюда и строки: "Nothing is wrong but darling, something's in the way / There's slaughter in the air / Protest on the wind / Someone else inside me". Следом идет практически идентичная в музыкальном плане "Joe The Lion", которая является неким трибьютом американскому концептуалисту Крису Бурдену, а конкретно его перформансу "Trans-Fixed" 1974 года, во время которого Бурден лежал лицом вверх на Фольксвагене Жуке, обе его руки при этом были прибиты таким образом, будто он был распят на автомобиле. "Tell you who you are if you nail me to my car". После титульной "“Heroes”" можно насладится балладой, название которой, первоначально планировалось озаглавить альбом - "Sons of the Silent Age". Песня дает представление о том, что думал Боуи о ситуации, которая его окружала "The sons of the silent age / Stand on platforms, blank looks and no books / Sit in back rows of city limits / Lay in bed, coming and going on easy terms / Pace their rooms like a cell's dimensions / Rise for a year or two then make war / Search through their one inch thoughts...". Несмотря на то, что сам Дэвид утверждал, что песня "Blackout", следующая за "Сыновьями молчаливого века", действительно, относятся к отключениям электроэнергии, регулярно происходящими в Западном Берлине, вполне очевидно, что вдохновением для строк "Too, too high a price / To drink rotting wine from your hands / Your fearful hands / Get me to a doctor's I've been told" послужил небольшой инцидент, в результате которого, он упал в обморок и был доставлен в больницу. На этом первая часть альбома подходит к концу, и перевернув пластинку, как и на предшественнике, мы обнаруживаем преимущественно инструментальные композиции. И если "V-2 Schneider" (о которой чуть ниже) вполне в стилистике первой половины альбома, то "Sense of Doubt", "Moss Garden" и "Neuköln" это именно "иновский" эмбиент. "V-2 Schneider", кстати, стала данью уважения Флориану Шнайдеру, основателю и одному из двух основных участников немецкой группы Kraftwerk, который оказал существенное влияние на Боуи в то время. Название этой композиции также отсылает к первой в мире баллистической ракете "V-2"("Фау-2"), разработанной немецким конструктором Вернером фон Брауном и принятой на вооружение Вермахта в конце Второй мировой войны. Уже после войны "V-2" станет первым в истории искусственным объектом, совершившим суборбитальный космический полёт. После трех инструментальных пьес (тревожной "Sense of Doubt", космической "Moss Garden" и таинственной "Neuköln", отсылающей своим названием к одному из районов Берлина) альбом неожиданно заканчивается песней "The Secret Life of Arabia", которую вполне резонно называют незаслуженно обделенной вниманием. Но для этого есть ряд причин, главная из которых, это неудачное расположение на альбоме. Все-таки последние звуки саксофона в "Neuköln" должны были стать окончанием альбома, а ироничная "The Secret Life of Arabia" гармонично бы смотрелась, скажем, после "Blackout". Но что уж теперь говорить... А сказать нужно о том, что я старательно обходил вниманием. Признаюсь, сделано это было намеренно, чтобы акцентировать на этом внимание. Дело в том, что одним из главных слагаемых успеха этого альбома, помимо авторского дуэта Боуи и Ино, является гитарист Роберт Фрипп, который, вернувшись к музыкальной деятельности в 1976 году, принял предложение Ино поучавствовать в записи альбома. Вклад ,одного из основателей и постоянного участника King Crimson, просто неоценим. Фрипп специально прилетел из США на один (!) день для записи своих гитарных партий и по прибытии в студию, страдая от смены часовых поясов, записал партию гитары для трека "Beauty and the Beast". В итоге этот первый дубль был использован в окончательном варианте песни. Во время записи композиции "“Heroes”" Роберт извлёк необычный долгий звук, меняя свое положение в помещении, чтобы изменить высоту акустической обратной связи. В общем, игра Роберта Фриппа на альбоме стало важным элементом, без которого большинство композиций не выглядели настолько целостно и сбалансировано. Второй акт "Берлинской трилогии", остался в истории альбомом, отразившим дух эпохи и холодной войны, символом которого было разделение города. И крайне символично, что создавался он в непосредственной близости от места событий, а заглавная композиция рассказывает о двух влюблённых, которые встречаются в тени "стены позора"...

YNWA  17 мар 2016

После съемок в "Человек, который упал на землю", записи и турне в поддержку "Station to Station" Изможденный Белый Герцог был изможден настолько, что ему пришлось покинуть "город ангелов", чтобы попросту остаться в живых. Для того, чтобы оставить позади эксперименты с наркотиками он переезжает в Западный Берлин, где на время создания следующих альбомов будет снимать квартиру с другом Игги Попом, попутно помогая ему с началом сольной карьеры. Почему в Западный Берлин? Ну, во-первых, достать там вещества гораздо труднее, чем в Лос-Анджелесе, а во-вторых, еще перед записью предыдущего альбома Боуи активно интересовался развивающейся немецкой музыкальной сценой, и влияние этого интереса было заметно уже на "Station to Station". Поэтому можно смело утверждать, что альбом 1976 года стал своеобразным фундаментом, на котором держится "Берлинская трилогия", а в особенности, первая его часть - "Low". Это легко прослеживается даже в обложке, которая тоже является отсылкой к фильму "Человек, который упал на землю".

"Low" стал одиннадцатым альбомом Дэвида Боуи за 10 лет и если не считать альбом каверов "Pin-Ups", все это были оригинальные записи, к тому же достаточно новаторские и разнообразные для тех лет. Впрочем, многие задумки Боуи к новому альбому предназначались для саундтрека в фильму Роуга, но были забракованы режиссером, который стремился создать несколько другую атмосферу в картине. Именно поэтому виден контраст, между первой половиной альбома, и ее продолжением. Принято считать, что это возникло только из-за Брайана Ино и отчасти, это так. Во многих аспектах записи и сочинения он принимал активное участие, и его большое влияние, бесспорно, присутствует на всех трех пластинках. Но важно отметить, что Ино не являлся продюсером "Берлинской Трилогии". Им был, помимо самого Боуи, американский музыкальный продюсер Тони Висконти, с которым Боуи сотрудничал с 1969 и вплоть до 2016 года. Можно сказать, что Висконти был этаким Джорджем Мартином для Боуи. Что касается лирики композиций, то состояние Боуи на момент прибытия в Берлин, конечно, в ней отразилось. Депрессия, стресс, мрак, суицидальные настроения, все эти постоянные спутники любого человека, борющегося с последствиями зависимости, пропитывают альбом. Хотя начинается все довольно оптимистично. Новый город, новый этап карьеры... Не зря открывает альбом инструментальный номер "Speed of Life", который сразу настраивает на музыкальную волну, с активным использованием синтезаторов, и разительно отличается от предыдущего творчества британца. "Breaking Glass" представляет собой обрывки фраз, а не полноценную лирику, отсылая нас ко временам кокаиновой зависимости Боуи, когда память возвращалась к нему вспышками. Отсюда и это "Don't look at the carpet / I drew something awful on it". Не отстает от нее и "What in the World", которая является, казалось бы, набором случайных предложений и свободных ассоциативных фраз (впрочем, это можно отмечать в практически каждой песне альбома). На бэк-вокале отчетливо слышен Игги Поп. "Sound and Vision", пожалуй, самая известная песня альбома, первоначально тоже должна была стать инструментальной, но Боуи, когда все ушли из студии, записал ее с текстом, в котором, похоже, просто описывал свое свободное время на первых порах, после переезда: "Pale blinds drawn all day / Nothing to do / Nothing to say / Blue. Blue". Последние слова, в значении, хандра или тоска, а не то, что вы сейчас подумали. Хотя... Отношения с Игги Попом, конечно, это отдельная тема для дискуссии. Но нам она здесь не нужна. "Sound and Vision", как мне кажется, своим настроением очень похожа на "Golden Years" с предыдущего альбома. Такое же "игривое" музыкальное сопровождение и не самый веселый смысл. "Always Crashing in the Same Car", как нетрудно догадаться по названию, рассказывает об одних и тех же ошибках, которые человек совершает снова и снова. "Every chance, every chance that I take / I take it on the road / Those kilometers and the red lights / I was always looking left and right / Oh, but I'm always crashing in the same car". Ближе всего к традиционной рок-песне (в том смысле, что ее легко представить, например, на "Hunky Dory") относится "Be My Wife", которая считается последней попыткой спасти свой брак с Анджелой Барнетт, которая была не очень довольна переездом мужа в Восточную Европу. Впрочем, попытка эта не удалась. Ну и закрывает первую часть альбома, еще один инструментал "A New Career in a New Town", своим названием отсылающий нас к переезду Боуи из США в Европу. И опять же, довольно светлая приятная композиция, как и "Speed of Life", настраивает на позитивный лад, который обрушится сразу же, как только обладатели пластинки перевернут ее на другую сторону. Эта сторона больше похожа на саундтрек к какому-то авангардному фильму. Особенно, здесь выделяется "Warszawa" - тяжелая, гипнотизирующая и я бы даже сказал, устрашающая музыкальная композиция с таинственной лирикой. Такой резкий поворот не ожидал никто, да и сейчас довольно трудно сделать такой резкий разворот на все 360 градусов, когда прослушиваешь альбом. Именно последние четыре композиции с альбома, настолько контрастирующие с первой его половиной, принято считать одним из главных вкладов Брайана Ино в альбом, и с этим глупо спорить. Авангардный дух, практически полное отсутствие лирики, схожесть этих композиций с музыкальным сопровождением к фильму (послушайте, например, закрывающую альбом "Subterraneans" и легко представите ее в фильме Дэвида Линча. Неслучайно же Ино, чуть позже, запишет для фильма "Дюна" "Prophecy Theme") - все это стало настоящим сюрпризом для слушателя и сюрпризом не для всех приятным. Конечно, после первого прослушивания, даже у меня, привыкшего к постоянным метаморфозам в творчестве Боуи, были смешанные чувства по поводу альбома. Но, поверьте, это проходит. Ознакомившись с концепцией, историей создания, альбом с каждым прослушиванием становился все ближе.

В чем же основные причины популярности этого альбома, при такой видимой неоднородности и авангардности? Ведь в момент выхода, пластинка получила довольно смешанные отзывы. Причин этих несколько. Фигуры самого Боуи и Брайана Ино, успешные синглы "Sound and Vision" и "Be My Wife", первый из которых достиг третьей строчки в Великобритании (во многом благодаря ее использованию в заставке BBC). Нельзя не отметить передовые, для того времени, методы студийной работы с использованием EMS Synthi AKS, Minimoog и прочих аналоговых синтезаторов. Причем методы Ино были во многом спонтанными и глубоко экспериментальными. Часто забывают про вклад барабанщика Денниса Дэвиса, который работал с Боуи с '75-ого по 80-ый год. Нельзя не упомянуть о влиянии, которое оказала эта пластинка на новую волну, на индастриал и даже где-то на пост-панк. Хотя это применимо ко всей "берлинской эре". Но, в любом случае, это только начало перемен...

YNWA  17 мар 2016

Творчество группы Death, да и вообще фигура Чака Шульдинера, уже не один десяток лет вдохновляет на свершения как молодых, так и вполне состоявшихся музыкантов. И чем дальше движется вперед неумолимое время, тем сильнее чувствуется, какое колоссальное влияние имеют альбомы флоридской легенды на поклонников, музыкантов и на сцену вообще. Но нужно понимать, что на одном почитании далеко не уедешь и полки музыкальных магазинов... Нет, не так. …и интернет-порталы, торрент-трекеры и прочие bandcamp'ы завалены терабайтами музыкального продукта, созданного в попытках, так сказать, отдать дань уважения своему кумиру. Из всей этой массы очень трудно найти, действительно, стоящий материал, который бы удовлетворил как слушателя, так и, наверное, самого Шульдинера, если бы у него была возможность оценить результаты труда нынешнего поколения. Но, к счастью, в случае с Gruesome, мы имеем дело с уже состоявшимся музыкантами, которые берутся за дело с присущим им профессионализмом. Для всех четырех участников, Gruesome, конечно, не единственный проект. Да, пока это именно проект. Можно сказать, для души. Музыканты его организовавшие, в узких кругах, довольно известны. Вокалист и гитарист Matt Harvey прежде всего является основателем и бессменным лидером Exhumed; барабанщик Gus Rios около четырех лет значился в составе Malevolent Creation, записав с ними "Invidious Dominion"; самый молодой участник коллектива, Daniel Gonzalez, с 2011 года является штатным гитаристом Possessed. Ну, а толстые струны баса терзает Robin Mazen, участница девичьей death metal группы с милым названием Castrator, и еще сонма мало кому известных, локальных банд, вроде Derketa. В общем, объединившись на ниве любви к death metal и творчеству Шульдинера, в частности, в 2014 году были записаны парочка демо, и уже в следующем году выходит полноформатник, названный "Savage Land". К вопросу оформления флоридская формация отнеслась в умом, пригласив культового Эдварда Репку, который, помимо прочего, рисовал обложки к первым трем лонгплеям Death. Думаю, вы поняли кем и для кого был записан этот альбом: поклонниками Death, для поклонников Death. Отсылки и "пасхалки" разбросаны то тут, то там. Говорящие названия песен, вроде "Closed Casket" (см. альбом "Leprosy") или "Gangrene". Как только я включил первую песню "Savage Land", я будто переместился назад во времени и увидел себя, сидящего в комнате и разглядывающего обложки "Scream Bloody Gore" и "Leprosy", пребывая в трепетном неведении. При первом же прослушивании альбома Gruesome создается впечатление, что это альбом Death, утерянный где-то во времена "Leprosy" и "Spiritual Healing". Такое чувство возникает, как благодаря музыкальной составляющей, так и вокалу Мэтта Харви, которому удалось исполнить партии, буквально повторяя мельчайшие интонации Шульдинера. Музыкальная часть тоже не подкачала. "Trapped in Hell" хоть и попахивает "проказой", но своей гитарной работой, заставляет вспомнить о приходе в ряды Death уже самого Джеймса Мерфи. Вторым близнецом "Psychic Twin" явно можно назвать "Living Monstrosity", ну а утробные звуки "Hideous" заставят вспомнить лучшие моменты дебютного альбома Death. Какая композиция вспомнится при первых же звуках песни "Gruesome"? Оставлю это вам. Проверьте себя, так сказать, в знании мат.части. Конечно, изложенное выше, можно отнести и к недостаткам альбома. Да и будем откровенными, мелодии эти изъезжены уже вдоль и поперек, и все они лишь приближены к оригиналу. Но тут главное, как это было сделано. Попросту говоря, пластинку быстро и легко слушать, а со всеми этими моментами ностальгического дежавю, делать это чрезвычайно приятно по причине того, что "Savage Land" сделан с большим вниманием к деталям. Кому-то он покажется простой копией или вопиющей эксплуатацией. Что ж, такой циничный подход тоже имеет право на существование. Но большинству поклонников death metal (особенно, со стажем), я думаю, альбом понравится. Это такой, сделанный с любовью, old-school. Ведь все мы порой хотим вернуться в прошлое, хотя бы на чуть-чуть. В идеале, на следующем альбоме группе следует обратиться за вдохновением к более позднему творчеству Шульдинера и компании. Это было бы весьма любопытно.

YNWA  14 мар 2016

Очень долго, как видите, я откладывал просмотр юбилейного материала от Hypocrisy. Причин для этого было несколько. Во-первых, я не считаю себя каким-то действительно большим поклонником данного коллектива, чтобы сразу наброситься на свежий DVD группы. Во-вторых, когда уже казалось, созрел для ознакомления, вышел альбом "End of Disclosure", который хоть никак не связан с данным видеоматериалом, но осадок оставил, и я благополучно забыл о Hypocrisy. И вот недавно на глаза мне попался диск "Virus", я его с удовольствием переслушал и, как говорится, завертелось…

Концертная программа, отснятая в столице Болгарии 27 февраля 2010 года в рамках тура "Long Time, No death… Europe 2010", во всех смыслах удалась. Нередко статусные группы, коей, бесспорно, является и Hypocrisy, выбирают для записи своих официальных концертных программ выступления на крупных музыкальных фестивалях, вроде Wacken Open Air или HellFest, чтобы, так сказать, поразить нас толпой фанатов. Но порой такой номер, по разным причинам, не срабатывает: погодные условия; количество фанатов именно данной группы; да и вообще, качество звука, несмотря на все студийные ухищрения, оставляет желать лучшего. Hypocrisy выбрали для съемок своего, приуроченного к юбилею группы, концерта небольшой софийский Blue Box Club и не прогадали. Небольшое количество преданных поклонников обеспечило группе более чем теплый прием. Добавьте сюда великолепную работу осветителя, который, не делая ничего сверхъестественного, выстроил отличное светопреставление, что особенно заметно на крупных планах сцены. Операторская работа, к слову, тоже достойная. Выгодные ракурсы, минимум пойманных вспышек света, все на хорошем уровне. К звуку претензий тоже нет. Это я про непосредственные технические DVD данные. DTS дорожки, конечно, нет, но и DD 5.1 вполне хватает. Кому этого мало, в плане прокачки соседских нервов, могут приобрести Blu-Ray. Ну, это все так, для затравки. Что можно сказать о самой концертной программе? Вы знаете, как я уже упоминал, я не такой уж большой поклонник коллектива, но я как включил концерт, так и до самого окончания завис на нем. Не смотрел на часы, не проверял, сколько он еще будет идти, даже за чаем с печенюшками не сходил, настолько это было круто. Нет-нет, там не было взрывов пиротехники, гигантских декораций, летающих свиней, голых теток на роликах или расчлененных инопланетян. Там на сцене, просто четыре мужика рубили дэт-металл, как бы это пафосно не звучало. Говорить о том, что это далеко не самые последние мужики, я думаю, не стоит. Что касается сетлиста, то, конечно, это достаточно субъективная вещь. Любой из фанатов группы может с пеной у рта доказывать, что та или иная композиция смогла бы убрать любую, сыгранную на этом концерте. Но не в этом же дело. Я вот тоже расстроился, что одна из моих любимых песен "Elastic Inverted Visions" так и не прозвучала. Но я уверен, кто-то остался этим доволен. В общем, сетлист меня более чем устроил. Так как концерт проходил в рамках тура в поддержку альбома "A Taste of Extreme Divinity", то неудивительно, что открывают выступление две стартовые песни с новой, на тот момент, пластинки. И они со своим делом справляются, особенно, первая из них. Чтобы зрители успели продохнуть, далее следует "Fractured Millennium". Впрочем, затишье было недолгим, потому что после на нас просто обрушивается "Adjusting the Sun" - один из моих фаворитов на этом концерте. В таком плане и проходит выступление группы в дальнейшем. Да вы и так в этом можете убедиться, взглянув еще раз на сетлист. Выход на бис предваряла "Fire in the Sky", ну а закрывала концерт, после небольшого светового перформанса, не менее знаменитая "Roswell 47". Великолепный концерт, настоящий мастер-класс от профессионалов своего дела. До просмотра я слышал от некоторых о разочаровании в концерте, о том, что музыканты им показались "работающими без души" и прочие высокопарные заявления. Сразу скажу, что все это ерунда; "зажрались", так сказать, господа. У музыкантов это был двадцать четвертый концерт за месяц с небольшим, а впереди был тур по Южной Америке. Так что, надо понимать… Глядя на Тэгтгрена и Ко во время выступления, последнее в чем бы я их обвинил, это отбывание номера. Гроулинг, скриминг, улыбки, даже иногда кривляния: было видно, что группе действительно это в кайф. Да и публика в этом уютном клубе собралась, что надо. Это что касается, собственно, концертной программы.

По случаю празднования юбилея, далее по плану идет полуторачасовой документальный фильм о группе "20 Years of Chaos and Confusion". Тому, кто не владеет английским языком, будет, конечно, облом, но все равно непременно посмотрите. Для тех, кто на слух еще не так хорошо воспринимают английский, есть субтитры, так что будет легче. Документалка очень любопытная. В первой ее части непосредственные участники группы рассказывают о том, как она возникла. Говорить будут в основном Магнус Броберг, сам Петер и Микаэль Хэдлунд. Все это будет сопровождаться редкими фото, различными архивными видеоматериалами, вроде первого выступления группы после ухода по состоянию здоровья Магнуса. Опять же, кто не знает, почему это произошло, в фильме все популярно объяснено. Много смешных и просто забавных случаев. Вроде "Бруклинского инцидента" или встречи в неподходящее время ведущей Headbangers Ball Ванессы Варвик, в красочном описании Бронберга, после которого из кадра от него в шутку отсели Петер и концертный гитарист Матиас Камийо. Почему? Узнаете, когда посмотрите. Я думаю, даже не зная английского, там будет все понятно. После сорока с небольшим минут времени, история группы ненадолго прерывается, и нас переносят в тур "Long Time, No Death… South America 2010", в ходе которого были сыграны концерты в Сан-Паулу, Буэнос-Айресе, Ла- Пасе (Боливия), Боготе, Сан-Хуане (Пуэрто-Рико), Сан-Сальвадоре и Мехико. Посмотрите эту тридцатиминутную видео нарезку и увидите много интересного. Особый "must see" - это фрагмент выступления в Пуэрто-Рико, где охранники, по просьбе Петера, из первых рядов достали парня без ног, поставили его инвалидную коляску сбоку сцены и он там рубился вместе с группой. Такое не каждый день увидишь. Ну, а последние двадцать минут фильма уже относят нас к настоящему группы; уход Ларса Соке, приход на его место Хорга и прочее. Поверьте, фильм очень веселый, интересный и познавательный. После его просмотра, я как будто заново открыл для себя творчество шведского коллектива и сейчас, с большой охотой, переслушиваю дискографию Hypocrisy. А это еще один большой плюс от просмотра этого замечательного материала!

YNWA  22 фев 2015

Вспомните, когда прослушивание музыкального альбома современной группы вызывало у вас восторг? Не просто "Круто!", "Отличный альбом!" и прочее "Вау!", а так, чтобы перед вами замаячили призраки прошлого и вы видели себя, еще совсем юного, внимающим классическим альбомам, которые у вас сейчас в непререкаемом авторитете? Что-то действительно новое и волнующее? Для меня, неожиданно, знакомство с альбомом "The Flesh Prevails" обернулось именно таким чувством, что я слушаю что-то настолько великолепное, что этот момент, это время останется в памяти навсегда. И связаны эти воспоминания будут вот с этой записью. Почему это стало полнейшей неожиданностью для меня? Просто нельзя сказать, что Fallujah, эта достаточно молодая команда из Сан-Франциско, хватала каких-то звезд с неба, сразу после выхода дебютного альбома "The Harvest Wombs" в 2011 году. Можно даже сказать, что первая студийная работа коллектива была шагом назад, после неплохо принятого EP "Leper Colony" 2009 года. При всем, уже на тот момент, великолепном владении музыкальными инструментами, группе не хватала каких-то своих идей, хотя требовать новых идей в рамках death core, в которые они себя втиснули, тоже несколько необдуманно. Но уже следующий EP 2013 года "Nomadic" вновь стал предметом разговоров, не в последнюю очередь, благодаря переходу (или возвращению) к более прогрессивному звучанию. И если прислушаться, корни "The Flesh Prevails" растут как раз из этой мини-пластинки.

Звучание группы всегда было достаточно трудно определить, и этот альбом не исключение. Если брать какие-то конкретные ориентиры, то непременно нужно вспомнить Cynic и Meshuggah (куда уж без них) и земляков группы Deafheaven (особенно, это касается их последнего альбома "Sunbather"). На первой минуте вступительной "Starlit Path", несмотря на умиротворяющее интро, сразу ощущается подступающая тревога, будто где-то там впереди, на вас несется на бешеной скорости поезд. Все, что следует за этим – невероятно. Техническая утонченность, головокружительное сплетение мелодии и тяжести, непередаваемая атмосфера - тут какие эпитеты ни подбирай, все равно до конца не раскроешь суть. Лучше всего для этого послушать многоуровневую "The Night Reveals", повествующую о презрении к себе, о холодных ночах, мечтах о смерти и о том сожалении, которое эти мечты сопровождает. Но не только тяжестью и атмосферой пропитан альбом. Настоящей изюминкой лонгплея стало приглашение электро-поп дивы Roniit, для партий бэк-вокала. И если ее участие в самой, пожалуй, хаотичной и непредсказуемой "Levitation" минимально, то песни "The Flesh Prevails" и парящий кусок электронной красоты, "Alone With You" строятся именно на вокале певицы. Последняя так вообще является своеобразным водоразделом на записи. Лишь одна повторяющаяся строка: "I could lay here forever alone with you…". Не зря она идет сразу за неистовой "Levitation". "Alone With You" становится своеобразным внезапным штилем, после бури и шторма, а также связующим звеном с инструментальной зарисовкой "Allure". Ну, а после следует, пожалуй, самая эффектная песня на альбоме, по крайней мере, для меня - "Sapphere". Все слагаемые успеха, о которых я тут распинался, будто вплетены в эту композицию. Более запоминающейся, более мелодичной, более атмосферной, тяжелой, и невероятно красивой песни на альбоме просто нет. Ну, и закрывает пластинку, словно «токсичная дымка», "Chemical Cave", пятиминутное outro о «мечтах всю ночь напролет». Безусловно, "The Flesh Prevails" привлечет столько же одурманенных поклонников, как я, сколько же и брызжущих ядом недоброжелателей. Уже то тут, то там, слышатся неодобрительные возгласы в сторону плохого звучания, ограниченного вокала Алекса Хофманна, который может только «рычать, как лев, и рычать, как лев чуть громче». Многие не в восторге от калейдоскопа различных влияний, заигрываний с другими стилями. Возможно, доля правды есть и у этих критических стрел, но они кажутся сугубо индивидуальными и незначительными, ибо не отменяют того, что Fallujah, благодаря своему инструментальному мастерству, сумели собрать все элементы паззла, и, двигаясь вперед, записали действительно сильный, сбалансированный и впечатляющий альбом. В заключение, художник Tomasz Kopera все это великолепным образом оформил, и перед нами один из лучших альбомов года.

YNWA  22 окт 2014

После такой, в прямом смысле, срывающей покровы обложки нам мужикам, да и "писюклявым посонам" тоже, хотелось от Тейлор Момсен какого-то дикого хардкора. Ну, или хотя бы трэша, угара и, отнюдь, не содомии. "Ракенролла" нам хотелось, и прочих веселух! Хотелось этого в песнях, клипах, концертах и вообще везде, где бы только ни появлялась фронтвумен The Pretty Reckless. Но, к сожалению, в Interscope Records, а уж в Sony Int., подразделением которой является Razor & Tie, работаем далеко не мы - молодые и старые потребители. Там работают умные молодые люди, которые понимают, что прокрутив весь снятый сериал за пару дней по ТНТ, денег не заработаешь - нужно распихивать на 7-9 месяцев по серии, каждую неделю (и то, с перерывами), чтобы реклама оправдывала средства, потому что зритель хочет посмотреть. И, главное, ждет. Вот и нас знатно подкормили. Во время продвижения дебютного альбома, миссис Момсен чего только ни вытворяла: видеоклип с суперзвездой порноиндустрии (Jenna Haze), почти неглиже на концертах (с крестиками на груди), один из самых горячих хит-синглов в мире ("Make Me Wanna Die”), одна из моделей коллекции Мадонны. Это еще не считая, что до этого Тейлор стала известной благодаря "чуть-чуть" популярному сериалу "Gossip Girl", где поначалу играла милую и пушистую девчушку (я помню). В общем, такие дела.

Когда послушаете пластинку, не спешите плеваться. Это практически тот же самый диск, что и в 2010 году. Только вам его не растолкали во все уши. Ну, в самом деле, послушайте первый сингл "Going To Hell", а теперь представьте его в каком-нибудь "Пипце-2" или любом другом проходном боевичке. Потом посмотрите его несколько раз. Скачайте песню, посмотрите на YouTube видео, закажите на радио (так еще кто-то делает?) и вы получите ту же «МэйкМиВоннаДай». Почти такой же сценарий произошел с "Heaven Knows", но тут благодаря видео, с одним 2-3 секундным моментом, который как раз говорит о том, что мы - все те же обезьяны из видео "Evolution" группы Korn. Если отбросить чрезмерную язвительность, альбом вполне слушабелен. Я бы даже сказал, крайне слушабелен. Все тот же пост-грандж-рок, но скорее Puddle of Mudd, чем Nickelback. Хотя это для кого-то хорошо, для кого-то - плохо. Тейлор несколько отбросила свой имидж этакого «героинового шика» (достаточно сравнить видеоклипы к дебютному и этому альбому), более продуманно отнеслась к лирике ("House On A Hill", "Blame Me"), к чести блондинки-старлетки следует отнести, что тексты песен она пишет сама. Да и вообще Момсен стала более внимательно относиться к своим непосредственным обязанностям. В целом, стиль этакой молодой, но сексапильной Кортни Лав она по прежнему выдерживает. Совсем скоро можно говорить о состоявшейся концертной, нежели кино/телезвезде. Да и Билли Гиббонс, выступая на совместном концерте, потрогал Тейлор (не Свифт!) за причинное место. А Билли Гиббонс кого попало не трогает! Нормальный альбом, на четверочку. Плюсик за обложку.

YNWA  20 июл 2014

В этом году одному из знаковых и культовых альбомов "De Mysteriis Dom Sathanas" исполняется уже 20 лет. Несмотря на всю его значимость, большинство людей, мало-мальски понимающих предмет (а особенно не понимающих), при упоминании группы Mayhem вспоминают прежде всего всякую тухлую землю, членовредительство, талисманы из черепа и прочие, отнюдь не музыкальные свершения. Сказать по правде, виновата в этом сама группа. Чрезмерная сфокусированность на делах прошлых, крайне скудная студийная дискография, постоянные смены состава и, порой, полная неадекватность участников коллектива, не располагали к обсуждению их музыкальных достижений. Да и их-то набралось довольно мало: после каноничного "De Mysteriis Dom Sathanas" нынешний "Esoteric Warfare" - лишь четвертый (!) полноценный студийный альбом норвежцев. Различные концертные релизы и демо-записи, конечно, поддерживают какой-то интерес, но не дают полную картину состояния группы. А состояние временами было весьма полярным, особенно это касается слушателей. Достаточно далеко отошедший от традиционного блэка, ницшеанский "Grand Declaration of War", несмотря на преимущественно положительные отзывы критиков, рядовыми поклонниками был принят в штыки. Последующий за ним, "Chimera", имел противоположный эффект. К тому же, после продолжительной борьбы вокалиста Maniac'а с боязнью сцены, посредством чрезмерного употребления спиртосодержащих напитков, группа была вынуждена с ним попрощаться. Вышедший с новым/старым вокалистом "Ordo Ad Chao" отличался намеренно сырым, сухим, замогильным и чрезмерно сумасшедшим содержанием, но народу более-менее понравилось. В общем, чего ожидать от нового альбома, после семи лет со дня выпуска предыдущего полноформатника, было решительно непонятно. Одно было точно - что-то страшное грядет! И вот, уже начавшие зимой выходить новые песни в целом настраивали на положительный лад...

Достаточно было одного прослушивания, чтобы сразу же бросилось в глаза, что альбом гораздо легче (и интересней) слушать, по сравнению с тремя предшественниками. Главная причина, я считаю, - (опять) новый состав. И что самое главное, отсутствие в этом составе Blasphemer'а. Пришедшие ему на смену Teloch и Ghul, безусловно, сыграли свою значимую роль в общей "слушабельности" лонгплея. Но не они тут правят балом, конечно. Троица главарей: с предводителем Аттилой; его правой рукой Necrobutcher'ом и, с его, кажется, бесчисленными руками, Hellhammer'ом. Они как раз и являются главными конструкторами каждой композиции.

"Watcher", который, казалось бы, сразу бросает нас на копья своей бескомпромиссностью, но затем оглушает замедленным думом. Аттила же, вторя музыкальному полотну, то произносит заклинания, то переходит на безумные хрипы про генезис человеческой расы. Раз за разом, слушая "Watcher", убеждаюсь, что это одна из лучших песен группы. И впервые за долгое время группа заиграла не каждый по отдельности, а сделала что-то единое и в унисон. На новом альбоме как раз и чувствуется попытка сбалансировать все эти экспериментальные "задвиги" группы, которые привели к тупику. Но вернемся, все-таки к песням. Что касается "Psywar", то главным моментом тут является совершенно сюрреалистичная игра Teloch'а, когда складывается ощущение, что пленку в этот момент прокрутили в обратном направлении, но получилась не каша, а что-то действительно необычное и запоминающееся. Идущая следующим актом "Trinity", несколько расстраивает своей простоватой и прямолинейной концепцией: Hellhammer, будто не может унять дрожь, сидя за барабанами; да еще эти удушающе примитивные гитары... Именно потому это наименее примечательная песня на альбоме. Не сильно отличается и следующая за ней, "Pandaemon", но гитарная работа тут в разы интересней - заскучать особо не придется. Монументальная "Mylab" - крепкая и довольно интересная композиция, прежде всего выделяющаяся игрой двух гитаристов и барабанщика. Пару раз я изрядно "перетрухнул", лежа в наушниках в темноте. В принципе, звуковой и музыкальный (а особенно, вокальный) терроризм "Ordo Ad Chao" меня, казалось, подготовил ко всему, но... Как-то не по себе мне стало еще во время вступления ''Milab'', ну а когда послушал "VI.Sic" ("Six Seconds"), я подумал, что выбора нет. Нет и свободы воли, а мне и правда осталось шесть секунд до смерти. (''No choice no free will / Six seconds delay / Six seconds to life / Six seconds till death.''). Срочно надо накапать валерьяночки! Благо, есть для чего. Карканья Аттилы про "мозговые волны в гиперпространство, передающие страх" в "Throne Of Time". Срывающаяся на откровенный грайндкор, после относительного затишья, "Corpse of Care". Не успеваешь продохнуть. Закрывающие альбом "Posthuman" и "Aion Suntalia" уже не так сокрушительны и скорее представляют собой чтение заклинаний, порой переходящее на крик, но свою тему паранойи, ярости и раздражения они отрабатывают по полной. Лирика альбома как раз и посвящена этим темам. Агонизирующая "Aion Suntalia" с ее "Flawed by design, lost in a lost world / Gods in exile, feed on the weak, and the wounded / Quarantined in the labyrinth of time..." тому доказательство. Да, это уже менее дерзкие Mayhem, но теперь гораздо отчетливые, устойчивые и убедительные. В этом и сила "Esoteric Warfare" и сегодняшних Mayhem.

YNWA  19 июл 2014

Новый альбом калифорнийских итальянцев Lacuna Coil я ждал... Нет, вру. Я его не ждал. Да и вообще, давайте начистоту, кто еще ждет очередной альбом Lacuna Coil? Вот так, с нетерпением? Посмотрим правде в глаза, группа никогда и не записывала каких-то совершенно потрясающих альбомов, которые бы служили ей своеобразной индульгенцией, так сказать, в счет будущих грешков. Альбомы "Unleashed Memories" и "Comalies", конечно, были весьма хороши, Кристина тогда была просто великолепна (да и пела неплохо). После знакомства с новым релизом к хорошим альбомам смело можно отнести "Karmacode", ибо и там были песни, которые можно назвать хитами, которые запоминались, да и вообще...

Не то чтобы "Broken Crown Halo" настолько плох. Но определенно, он хуже двух предыдущих пластинок. Хотя с этим тоже можно поспорить. Скорее, все три "пост-кармакодовские" альбома находятся на одной линии. На одной низкой линии. Да, на "Сиянии Разбитой Короны" (именно так называется новый альбом, в переводе на русский язык) есть несколько приятных моментов. Вокал от Кристины в открывающей "Nothing Stands In Our Way", в "Infection", и, в какой-то степени, в "In The End I Feel Alive". Да и то скорее потому, что голос у госпожи Скаббиа сам по себе приятно послушать, несмотря даже на то, что она теперь чаще не поет, а просто читает с листа текст песни. Весьма запомнился припев в "Zombies", которую с большой натяжкой, но можно назвать полноценным хитом. "Hostage To The Light" порой напоминала мне The Gathering времен "if then else" и "Souvenirs", что уже само по себе неплохо. Ну, и хочется похвалить группу за "One Cold Day", песню, посвященную её бывшему участнику Клаудио Лео, скончавшемуся в январе 2013 года. Отличная баллада с отличной лирикой. Все остальные песни можно смело кидать в топку и еще уголька подкинуть, чтобы лучше разгорелось. Музыка, будто взятая с двух предыдущих альбомов; отвратительные вокальные потуги Андреа Ферро, сгубившего не одну композицию; качественный продакшн (что для калифорнийских фирмачей не так уж сложно); преимущественно посредственная лирика про мрачное ближайшее будущее; ужасающе никчемная "Die & Rise" в качестве сингла... Приплюсуем сюда все притянутые мною за уши положительные моменты и получаем то, что получаем: всего-навсего скучный, вторичный, необязательный альбом. Слушать его попросту неинтересно. Arrivederci!

YNWA   4 июл 2014

По состоянию на 2014 год альбом "Rumours" разошелся по миру в количестве более 40 миллионов экземпляров (20 из них только в США). Признаться честно, когда я впервые услышал эту пластинку, предварительно узнав о ее регалиях, несколько опешил. Как могла подобная запись продаться таким сумасшедшим тиражом? Но чем больше я его прослушивал и окунался в историю создания, историю взаимоотношений внутри группы во время записи этого альбома (ну, или как сейчас модно говорить в подобных случаях, в бэкграунд), тем больше попадал под влияние этого знакового творения. О, собственно, главной причине популярности этого лонгплея – музыке и лирике, мы поговорим чуть позже, а сейчас окунемся в причинно-следственные связи. Тут ведь нужно что еще принимать во внимание. Ни для кого не секрет, что основной покупающей единицей этого альбома, помимо молодежи, являлись представительницы прекрасного пола, чуть ниже среднего возраста. К чему я это? А к тому, что в 1977 году, когда вышел "Rumours", молодежь, которая рождалась еще в период пресловутого бэби-бума (конец 40-начало 50-ых), уже прошла Вудсток и прочие радости свободной любви, ЛСД и прочего веселья. Теперь эти молодые леди столкнулись с суровой действительностью: семья, дети, выплаты по ипотеке. Было уже не до бунтарства. И если подрастающее поколение начало захватывать панк-движение, которое к тому времени становится глобальным явлением, то их родителям нужно было уже что-то совсем другое. Этим другим и стал одиннадцатый студийный альбом британско-американской группы Fleetwood Mac.

Для многих любителей музыки "Слухи" стали своеобразным саундтреком к значительной части жизни. В настоящий момент пластинка переживает новый виток популярности, отчасти связанный с недавним шикарным переизданием, посвященным 35-летию со дня выхода, отчасти благодаря очень популярному шоу (прости, Господи) "Glee", где альбому была отдана на откуп вся серия. Что является, хотим мы этого или нет, показателем безусловного влияния альбома, этакого культурного феномена. Конечно, его устойчивая популярность объяснима, прежде всего, высоким качеством музыки: мелодичной, с блестящей гармонией и виртуозной гитарной работой, которым мы обязаны Джону МакВи, Линдси Бакингему и Мику Флитвуду (на обложке, вместе со Стиви Никс). К 1977 году Fleetwood Mac имели за своими плечами уже почти десять лет истории, и за это время сумели отточить свои музыкальные способности, в том числе через несколько смен состава и небольшие изменения в стиле, и "Rumours" показывает группу на вершине их композиторского мастерства, с безупречным, можно даже сказать, глянцевым софт-рок звучанием. К слову, успех был не внезапный. К тому времени, как группа начала записывать этот альбом, предыдущий, одноименный "Fleetwood Mac" 1975 года, благодаря хит-синглам "Over My Head", "Rhiannon" и "Say You Love Me" продавался более чем успешно. Однако этот внешний успех не решил всех внутренних конфликтов, разрывавших команду и не утихомирил страстей, скрытых от посторонних глаз. Кристина и Джон МакВи развелись в 1976 году, а вскоре окончательно испортились отношения Бакингема и Никс. Группа уже была на грани распада и ее судьба весела на волоске. Но именно этот волосок привел музыкантов к настоящему триумфу. Все душевные муки, пережитые участниками, были переведены на язык музыки и превратили альбом 1977 года в настоящее явление на тогдашней сцене. Прежде всего магия релиза находится в его балансе: мужской и женский, легкость и темная сторона, любовь и отвращение, печаль и восторг, баллады и гимны. Все это переплетается в действительно великолепный "коктейль", который не устаешь слушать и после сотни возвращений к нему. Синглы "Go Your Own Way", "Dreams", "Don't Stop", "You Make Loving Fun" надолго вошли в Топ-10, а "Dreams" так вообще стал единственным в карьере группы синглом, возглавившим Billboard Top-100. Бесспорно, сочиненная и спетая Стиви Никс "Dreams" является одной из лучших песен о расставании, которая никого не оставит равнодушным: «О, гром бывает лишь во время дождя / Эти "игрушки" любят тебя, только пока играют / Знаешь, они приходят и уходят.../ Когда дождем тебя окатит, ты поймешь / Ты поймешь...”. В той же лиге проникновенной баллады, выступает камерная "Songbird" Кристин МакВи, в которой отчетливо слышна горечь от недавнего расставания с мужем: "И певчие птицы продолжают петь / Как будто знают положение вещей / И я люблю тебя, люблю тебя, люблю тебя / Как никогда до этого". Но не только баллады правят балом на альбоме. Наглядным тому доказательством служат такие блестящие песни, как "Go Your Own Way": "Если б я мог / Возможно, я бы подарил тебе свой мир / Как же я могу это сделать / Если ты его не примешь?" и, особенно, язвительная "The Chain": "Слушай, как дует ветер / Смотри, как восходит солнце / Блуждай в потемках / Проклинай свою любовь / Проклинай свою ложь / И если / Ты не любишь меня теперь / Ты больше никогда меня не полюбишь / Я все еще слышу, как ты говоришь / Что никогда не порвешь нить". В общем, "Rumours" - альбом невероятной музыкальной и эмоциональной силы, влияние которого (как и всего классического периода Fleetwood Mac 70-ых) заметно и по сей день. Такие акты, как Fleet Foxes, Bon Iver, Mumford & Sons и даже HAIM, имеют прямое отношение к этому влиянию. Альбом такого же значения и величия, что и другие участники клуба "40-ка миллионников", вроде "The Dark Side of the Moon" Pink Floyd, "Back in Black" AC/DC, "Saturday Night Fever" Bee Gees / Various artists, "Their Greatest Hits" Eagles. Настоящая классика!

YNWA  12 апр 2014

Конец 90-ых был для трэш-металла достаточно непростым временем. Особенно для немецкого. На фоне упадка стиля, как коммерчески жизнеспособного ответвления тяжелой музыки, многие группы распадались или же попросту меняли свои творческие ориентиры. Для флагманов тевтонского трэш-движения это время стало своего рода проверкой на прочность. Поначалу ничего не предвещало грядущего возрождения. В период 1999-2000 гг. Sodom выпустили "Code Red", ставший бальзамом на душу многим поклонникам, терпеливо ожидавшим от "Дядюшки Тома" чего-нибудь более вменяемого, чем "панк-удар под дых", в виде трех предыдущих альбомов группы. Destruction с восставшим из пепла Шмиером выпустили "милый" пустячок "All Hell Breaks Loose", ну а, собственно, Kreator продолжили и развили экспериментальный "Outcast", выпустив "Endorama", до сих пор, наверное, самый обсуждаемый альбом немцев и вызывающий, пожалуй, самую полярную реакцию в среде поклонников группы; от откровенного обожания до самой настоящей ненависти (подростковый максимализм, однако). К счастью, время благосклонно отнеслось к "Endorama", и все больше слушателей относят его к лучшим альбомам Kreator. Но сейчас не об этом... После того, как человечество благополучно пережило Миллениум, так толком не поняв, в каком же году его праздновать, три немецкие команды засели в студиях, чтобы, сами того не ведая, начать новый виток своей славы. Именно в 2001 году, с разницей в пару недель каждый, вышли: не бог весть какой, но все-таки "The Antichrist" Destruction; концептуальный (посвященный ужасам вьетнамской войны) "М-16" Sodom и, наконец, "Violent Revolution" Kreator.

Именно "Violent Revolution", выпущенный 25 сентября, знаменует собой еще один поворотный момент в карьере Kreator. На этот раз они решили вернуться к своим корням. Но это не означает, что они взялись просто "поплагиатить" свой старый материал. Нет. Это "возвращение" звучит, как естественное развитие предыдущих альбомов. Да, это не самый быстрый и тяжелый трэш-альбом. Но кто сказал, что это плохо? Ведь именно на этом альбоме Милле Петроцца и его команда нашли идеальное сочетание скорости, агрессии, тяжести и мелодии. Благодаря чему и смогли отвоевать трон главной немецкой трэш-единицы. Не зря первая песня альбома так и называется: "Reconquering The Throne", а через неё красной нитью проходит строка "Our rising has begun". Не менее символично название "Second Awakening": теперь-то время пришло, окончательно рожденные вновь, мы стоим вместе - второе пробуждение! Многие поклонники, безусловно, проведут параллели с пробуждением группы после периода экспериментов. Не отстает от упомянутых композиций и титульная "Violent Revolution", этакий боевой клич для нового тысячелетия, когда "единственная наша надежда, единственное наше спасение – насильственная революция". Также к безусловным удачам альбома можно отнести философскую "Servant in Heaven - King in Hell" о том, что кто-то рожден побеждать, а кто-то - проигрывать, и только время покажет, какая судьба ждет каждого из нас. О душах бестолковых сборищ мутантов, захваченных наркотой в полумраке пригорода, рассказывает стремительная "Ghetto War", переходящая в, пожалуй, самую эффектную песню на альбоме, 7-минутную "Replicas of Life", повествующую об окончательном разрушении жизни во всеобщем хаосе - ад на земле, наконец-то ворота открыты! Добавьте к этому: блестящую работу нового для группы продюсера Энди Снипа; берущие за душу мелодии гитариста Waltari Сами Или-Сирино, пришедшего на место Томаса Веттерли; первосортную, точную и быструю игру Юргена Райля (более известного, как Ventor); а также фирменный рев Петроццы, и вы получите один из лучших альбомов Kreator, который переместил группу вперед в новую эпоху. Как показало время, тоже богатую на свершения.

YNWA   6 апр 2014

Послушав "Epitome Of Torture", я в тот же вечер пошел пройтись, свежим воздухом подышать. Безучастно глядя в трещинки асфальта и попинывая изредка попадавшиеся камешки, я мрачно брел по набережной. Вдалеке показался какой-то паренек лет 13-ти, и когда он поравнялся со мной, я остановил его и спросил: "Что в 2013 году выпустила группа Sodom?". Элегантно прокашлявшись и смущенно поправив на руках шипованные браслеты, он заявил: "Шквал, вихрь, огонь, мрак, настоящий тевтонский трэш!". Отвесив ему знатную оплеуху, я грустно побрел дальше. Наверняка, многие юные поклонники трэша и группы Sodom в частности, уже начали закатывать глаза и, усмехаясь, спрашивать: «Ну что этому динозавру опять не нравится? Опять расплакался, что раньше трава была зеленее и т.д.?». Да вот как раз и нет. Во-первых, и раньше трава была не первой зелени: лидер группы Том Энджелриппер позволял себе погнать «панкоты», и на протяжении середины 90-ых записывал всякую невнятную пургу, реабилитировавшись лишь в 1999 году, выпустив мощный "Code Red". Во-вторых, я сам, вроде как, поклонник группы Sodom, но, как бы, не слепоглухонемой.
Уже при взгляде на аляповатую обложку авторства Meran Karanitant мне сразу несколько поплохело, ибо в памяти всплыл артворк к, мягко говоря, не самому удачному альбому "Masquerade in Blood". Прослушивание же релиза вызывает очень разнообразный спектр чувств. Ну как может команда, возглавляемая "Анкел Томом", записать такой халтурный самоповтор, после таких, крайне позитивно отмеченных как критиками, так и слушателями "M-16", "Sodom" и даже "In War and Pieces"? Неужели неожиданное (для нас) изгнание барабанщика Bobby Schottkowski, когда, казалось, состав обрел стабильность на долгие годы, опять вскрывает старые раны группы? Но, это уже другой вопрос. Главное - музыка, ведь так? Звукозапись тут единственное, к чему вопросов, в принципе, нет. Крепкая, профессиональная работа Waldemar'а Sorychta тому подтверждение. Что же касается музыкального материала, то тут нам обещали "материал в более многогранном и разнообразном виде, нежели это когда-либо было в карьере группы". Сам Том вторил пресс-релизу: "В альбом вошли не только стандартные треки Sodom, но и два или три номера, которые чуть более умеренны и мелодичны, чем от нас ожидают люди". А вот попытайтесь теперь найти эти две-три песни на этом альбоме. И даже, если ими окажутся последние три песни альбома, "Katjuscha", "Into The Skies Of War" (пожалуй, лучшая на альбоме) и "Tracing The Victim", которые больше всего подходят под подобное описание, то что, черт возьми, за "жвачка" нам подана в виде семи песен выше? И вообще, почему умеренность и мелодизм рекламируют нам, как новинку в творчестве Sodom? Достаточно вспомнить "City Of God" и "Axis Of Evil" с альбома "Sodom" 2006 г. (да и весь альбом можно вспомнить, раз уж на то пошло), чтобы разглядеть там и мелодичность, и умеренность и, что главное, запоминаемость. На "Epitome Of Torture" более 70% абсолютно безликого порожняка, под который при желании можно, конечно, подрыгать ногой в такт или, попивая пиво, самозабвенно "вздернуть козу", но ведь новый альбом Sodom вы покупаете не только за этим. Такой халтурный материал просто непростителен для такой статусной группы, как Sodom. Да еще выпущенный на следующий год, после триумфального "Phantom Antichrist" ближайших (и единственных?) конкурентов по немецкой сцене, Kreator. В этом отношении, альбом Sodom выглядит просто беспомощно, если не сказать жалко. "Epitome Of Torture" - одно из главных разочарований в году. Причем, разочарование неожиданное.

YNWA   4 апр 2014

Возвращение американской бригады Broken Hope обставляется восторженными эпитетами сдержанно, зато с осознанием глобальной значимости события. Понятное дело, что ничего в этом мире не поменяется ни к лучшему, ни к худшему вследствие этого возвращения. Но на микроуровне в сердцах и душах death metal-ветеранов и сочувствующей им молодежи обязано потеплеть на несколько градусов. Реанимировавшись в 2012 году и взяв, на место покончившего жизнь самоубийством Joe Ptacek'a более чем профпригодного вокалиста Gorgasm Damian'a Leski, группа Broken Hope сделала ставку на решительную брутальность и бескомпромиссность формы. Массированный дэт-металл, не лишенный некоторой технической закрученности и даже сюрпризов, суровый и решительный, мерзкий и зловонный – вот какой он, "Omen of Disease". Чикагцы не стали «осознавать свое творчество» и «взрослеть», и выдали именно то, что от них ждали death metal-поклонники. Тут, конечно, следует оговориться, какие поклонники. Не секрет, что подобный супер-гортанный гроулинг, похожий на низкое поросячее хрюканье, так сказать, "не для всех". Поэтому будьте внимательны и послушайте предыдущие работы коллектива - благо, они того стоят. Также, по традиции, вы не найдете на альбоме сверх-скоростей, неконтролируемых приступов «бластбитовости», разве что композиция "Rendered into Lard", ввиду наличия гостя в лице вокалиста The Black Dahlia Murder Trevor'a Strnad'a, ускоряется чуть выше обычного. К основным недостаткам альбома можно отнести отсутствие динамизма (особенно это касается второй его половины, когда только отличное соло в конце "The Docking Dead", вызвало у меня желание продолжать сеанс прослушивания). И именно такие радости, как сольные "проходы" и ультра-техничные риффы, вызывают желание раз за разом возвращаться к прослушиванию этого релиза. Что касается текстов песен, то они по традиции повествуют о том самом - вечном: кровь, кишки (много "кишков" - волнистых и рифленых), гниющие зубы, фарш из человеческих органов, осквернение нижней части туловища, горы трупов до самого неба, ну и прочие доказательства психического здоровья авторов. Распечатайте переводы песен и смело вешайте на холодильник. Родители проникнутся. Еще одним плюсом является графическое оформление, выполненное талантливым и именитым Wes'ом Benscoter'ом, рисовавшим, например, такую красоту, как "Phantom Antichrist" Kreator или "Divine Intervention" Slayer. Wes, безусловно, уловил настроение альбома. В общем, настоящим death-маньякам этот диск должен, да просто обязан понравиться! Убийственно мощный альбом... Killer!

YNWA  11 дек 2013

В полку всяких-разных трупаков прибавление. С обложки альбома "Corpsewar" на нас смотрит необычное и странное название - African Corpse. Вопреки ему, группа эта не приписана ни к одному африканскому государству, и располагается она даже не во Франции. "Африканский Труп", своим названием и лирикой призывающий привлечь внимание к проблемам развивающихся стран, образовался в 2009 году в немецком городе Хайльбронн.

На своей дебютной пластинке молодой да прыткий немецкий квартет довольно неплохо сочетает интенсивный трэш-металл и дэт-металл, приправляя их щепоткой хардкора. Не пытаясь казаться старомодными, эти парни действительно выдали хороший, качественный материал, включающий твердые и сильные гитарные риффы, разнообразные вокальные партии и достаточно сносную работу ритм-секции. После необязательного интро, в начале альбома можно отметить титульную "Corpsewar" с гнетущим темпом в середине; "Death Sentence", где наилучшим образом себя показывает вокалист, "African Corpse", на которой в полной мере проявилась их гражданская позиция: "No food and no water/ The big dying begins; Fuck the rich and superstars/ with their fuckin hybrid cars". Остальная часть альбома больше склоняется к шведской дэт-металл школе. Особенно в этом плане удались "War (R)evolution" и "Schizophrenia" с отличной гитарной работой и периодическими подключениями «хардкорного крика». Нельзя не отметить "Helen Of Troy" - по настоящему дэт-металлическую вещь на альбоме.
Но, несмотря на все эти положительные моменты, после прослушивания релиз оставляет двоякое впечатление. С одной стороны, "Corpsewar" можно назвать крепким, разнообразным, технически безупречным дебютом. С другой, довольно противоречивые тексты, если честно, мне показавшиеся несколько показушными (или наивными), а порой и просто глупыми (например, скоростная "I Hate You"), делают прослушивание этой пластинки не вполне приятным занятием. Но все же можно быть уверенными, что эти парни смогут сделать свой следующий альбом лучше. Предпосылки к этому есть.

YNWA  10 дек 2013

Весть о новом альбоме Autopsy я встретил с изрядной долей скептицизма. Тому есть несколько причин. Во-первых, группа, сформированная ударником Chris'ом Reifert'ом, никогда не вызывала у меня какого-то дикого восторга. Да и вообще, разве она могла? Разве что, в начале 90-ых, когда записывала свои лучшие работы. Да, своя ниша у них всегда была, все-таки Chris не самый последний человек в жанре: работал с Шульдинером, пригласил Стива ДиДжорджио для записи дебютника и его последователя (пожалуй, лучшего, что записывала группа), но Autopsy все равно лишь группа, имеющая относительно локальный успех. Во-вторых, материал, выпущенный после реюниона группы в конце нулевых, тоже мягко говоря, не впечатлял. Тем более что состоял он в основном из синглов, компиляций и записей живых выступлений. В общем, "The Headless Ritual" виделся мне очередным проходным death metal релизом...

А вот не тут-то было! Первая же вещь, "Slaughter At Beast House", прогоняет мою неуверенность в дееспособности группы. Быстрый темп, заданный началом этой "трехступенчатой" песни, вскоре замедляет ход, давая вступить мрачной барабанной партии, тревожному басу и наполненному муками вокалу Криса, который держит в напряжении около двух минут. Когда медленный темп "уходит" прочь и "адское пламя" разгорается с новой силой в кульминационный момент песни, начинаешь понимать, что Autopsy действительно вернулись к своей старой (и лучшей) форме. Грязный звук и маниакальные вокальные эффекты Reifert'а достигают своей цели, как никогда раньше. Стилистически можно разместить "The Headless Ritual" между "Mental Funeral" и "Acts of the Unspeakable". "Coffin Crawlers", своей атмосферой напоминающая фильм ужасов 80-ых; монументальная "She Is A Funeral", несмотря на свою продолжительность (более 7 минут), запоминается великолепной гитарной работой Danny Coralles'а, который своей lead-гитарой вдохнул жизнь в композицию, когда, казалось, нужно было ее заканчивать. Все десять песен, скрывающихся за, прямо скажем, не лучшей (но все-таки олдскульной) обложкой талантливого оформителя Joe Petagno, наполнены болью, кровью, стонами и воплями, доносящимися из самых глубин ада. И это не удивительно, ибо кроваво-красной нитью через альбом проходит тема пыток и прочего гуро: "When pools of blood are red and deep... / Your skull and mind are blown".

Да, "Slaughter At Beast House" и "She Is A Funeral" по своей продолжительности, может быть, больше, чем следовало, и вокал Reifert'а звучит порой слишком хаотично, но в том, что Autopsy создали более бешеного монстра, чем альбом "Macabre Eternal", нет никаких сомнений. Этот лонгплей видится мне замечательным возвращением в форму для калифорнийского квартета. Если вы хотите чего-то, готового сравниться с двумя первыми альбомами, то "The Headless Ritual" это, несомненно то, что вам надо.

YNWA   4 дек 2013