"Кентерберийская сцена" почти всегда была в тени более распространенных поджанров прогрессивного рока. Когда читаешь разнообразные списки на форумах с любопытными темами о личных вкусах и предпочтениях, становится очевидным, что в коллекции предпочитаемых и любимых исполнителей "кентерберийской сцене" есть место лишь у единиц. И не следует делать поспешные выводы, что группы, играющие в этом стиле, просто неинтересны и, якобы, потому никто их не слушает. Это совсем не так! "Кентербери" - короче говоря - включает в себя самые различные популярные жанры эпохи заката 60-х: от головокружительной психоделики до замысловатого джаз-фьюжна. И творчество группы Caravan тому не исключение
.
Дебютная студийная работа группы с первой же композиции показывает большой объем проделанной работы над формированием своего уникального звучания. Возможно, в наше время такая музыка покажется наивной и посредственной (это можно рассматривать как вполне нормальную реакцию). Как бы там ни было, на мой вкус, все восемь композиций достойны внимания, одна из которых - "Magic Man" - удостаивается ещё и почетного звания одной из самых психоделических песен всех времен. Никогда прежде не замечал того, насколько сильно меня может впечатлить песня, которую в первый раз услышал: неземное звучание органа переливается в гармонии с мягким, навязчивым вокалом, что буквально уносит сознание в заоблачную даль; позволяет расслабиться и ни о чем не думать. Для тех, кому по душе ранние Pink Floyd, вполне сойдет "страшилка" "Cecil Rons" с забавным текстом и "озорной" перкуссией. Стоит упомянуть и про самую продолжительную вещицу на альбоме - "Where But For Caravan Would I?" - ставшую знаковой в дальнейшем развитии как группы, так и жанра "кентербери" вообще. Кульминационный момент - инструментальная часть, этакий "боевичек" в духе авангардной психоделики - придает особый шарм всей композиции, которая не оставит равнодушным, наверняка, даже человека, услышавшего группу впервые.

Возможно, что довольно посредственное качество записи стало причиной, по которой альбом не имел особого успеха в среде "прогрессивщиков", зато качество материала на данной работе превосходит все ожидания. Безусловно, можно ссылаться на более известных музыкантов того времени, заверяя, что коммерческий успех - одна из главных их характеристик. Впрочем, оригинальности и находчивости более успешных коллег Caravan не занимать. Я скажу так: эта группа - одна из немногих, которые я полюбил с первого раза, и эта любовь возрастала с каждым последующим студийным альбомом, начиная с дебютного и заканчивая последними, вне зависимости от их коммерческого статуса. Этому способствует множество причин, одна из которых - неповторимый стиль и бесконечные запасы идей у этого замечательного коллектива.

YesFan92  24 ноя 2011

"Дикая Опера" - студийный альбом греческого музыканта Вангелиса, в то же время являющийся оригинальным саундтреком к документальному одноименному фильму французского режиссера Фредерика Россифа, в рамках сотрудничества с которым Вангелис ещё в начале 70-х написал музыку к документальному фильму "Апокалипсис Животных" (франц. "L'Apocalypse des animaux").

Вангелис записал альбом в период увлечения электронно-акустической музыкой - самый продуктивный период в его творчестве, так что, в отличие от "Апокалипсиса Животных", "Дикая Опера" записана в более традиционном стиле. Несмотря на то, что альбом не снискал популярности и не стал классическим, как многие другие работы до и после него, я, все же, считаю его одним из лучших творений в электронной музыке, как в 70-х, так и вообще. И все объясняется следующим.

Вся уникальность альбома в его проникновенной и чувственной атмосфере умиротворенности и необычайной ностальгии. Скажем так, оптимистичных и веселых мелодий здесь не сыщешь, хотя в таких композициях, как "L'Enfant" (с франц. - Младенец) и "Flamant Roses" (франц. "Розовые Фламинго") можно уловить позитивные ноты, которые безупречно ложатся на ухо на фоне приятных грустных зарисовок. Сыграны все композиции на высшем уровне, так сказать, на твердую пятерку. Самая яркая композиция (причем яркая - не значит самая лучшая) альбома - "Chromatique". В ней Вангелис вдобавок к клавишным ещё играет на акустической гитаре, что звучит очень привлекательно. Однозначно скажу - играть он на ней умеет. Ближе к концу клавишные "разыгрываются" в более напряженную мелодию; синтезатор даже иногда имитирует электрогитару с эффектом "дисторшн".

"Hymne" (франц. "Гимн"), "L'Enfant", "Mouettes" (франц. "Чайки") и "Irlande" (франц. "Ирландия") построены на классических зарисовках Вангелиса и привлекут не меньше внимания, чем тот же "Heaven & Hell" (1975), разве что теперь музыка стала серьезнее и, в некотором роде, "взрослее". А вот лучшей композицией на альбоме, пожалуй, является "Reve" (франц. "Сон"). Именно благодаря этой композиции я полюбил этот альбом на всю жизнь. Насколько передано "ночное" настроение - просто не описать словами, это надо услышать! Несмотря даже на свою продолжительность (двенадцать с половиной минут), она не вызывает желания переключить или промотать вперед.

В общем, альбом уникален и безумно интересен. С момента выхода его прошло больше тридцати лет, и неподражаемый Вангелис с того момента успел выпустить не менее десятка работ, в том числе и саундтрек "Chariots Of Fire" к одноименному фильму, за который получил премию Оскар, но повторить данное произведение ему больше не удавалось. Рекомендую всем без исключений распробовать сей фрукт под названием "Дикая Опера". Просто рука не поворачивается поставить альбому меньше десяти: это изысканное произведение искусства.

YesFan92  22 ноя 2011

"Рай И Ад" - пятый сольный альбом греческого музыканта Вангелиса, ставшего знаменитым благодаря оскароносному фильму "Колесницы Огня", к которому он написал, заглавная композиция которого стала классикой жанра инструментальной музыки. Но сейчас не об этом.

Ещё в конце 60-х, в эпоху психоделики, Вангелис совместно с Демисом Руссосом и Лукасом Сидерасом играл в группе Aphrodite's Child (Дитя Афродиты). После распада группы в 72-ом году Лукас Сидерас завершил карьеру музыканта (ударника), а Демис Руссос и Вангелис занялись сольной карьерой. Последний стал работать в жанре инструментальной музыки, став одним из первых исполнителей "электроники". Этот альбом Вангелиса считается классическим в электронной музыке и самым значимым в карьере его карьере, благодаря своему изысканному звучанию. Это первый студийный альбом Вангелиса, на котором он демонстрирует себя, как главную фигуру в набирающих тогда обороты жанрах. Смешивая электронику с арт-роком, Вангелис добился, пожалуй, самого изысканного звучания середины 70-х, чем я до сих пор восхищаюсь при каждом прослушивании данного альбома. Ещё ни один музыкант до выхода этого альбома не делал ничего подобного, за исключением, пожалуй, ещё одних лидеров данного направления - немецев Tangerine Dream, Can и Klaus Schultz. Однако те больше тяготели к психоделическому звучанию, нежели Вангелис, предпочитавший оставаться в русле арт-рока, которым, собственно, он занимался в ранние годы. Более того, на этом альбоме, впрочем? как и на большинстве последующих, Вангелис сам (!) играет на всех инструментах, от синтезаторов до ударных. Порой даже не верится в это, поскольку технически все сыграно безупречно и даже не уступает по сложности таким великим группам в арт-роке, как Yes, King Crimson или ELP, где, как правило, на одного музыканта приходится один ведущий инструмент и только по возможности - дополнительные, например, перкуссия.
Выделить лучший трек на альбоме, мне кажется, невозможно - все они достойны внимания. Но, все же, первая часть альбома немного интереснее, чем вторая. Главная изюминка первой части - её заключительная составляющая, "So Long Ago, So Clear", на которой в качестве приглашенного вокалиста участвовал Джон Андерсон (ex-Yes), что послужит в дальнейшем предпосылкой к образованию их совместного проекта Jon & Vangelis, в рамках которого они запишут несколько успешных альбомов.

В заключение, хочу порекомендовать этот альбом всем начинающим - как тем, кто знакомится с творчеством этого великого музыканта, так и с жанром электроники вообще. Что тут ещё скажешь: великолепная музыка, местами - энергичная, местами - умиротворенная. Но главное в ней - неповторимые мелодии Вангелиса, проникающие в глубь души и заставляющие отбросить все негативные эмоции. Твердая пятерка!

YesFan92  21 ноя 2011

Казалось бы, после выхода в свет в 78-ом году довольно слабого "Octave" и ухода одного из основателей и ключевого звена группы, каковым являлся клавишник Майк Пиндер, группе больше не суждено было записать достойный альбом в духе психоделического арт-рока. Но! Все эти сомнения развеевает вышедший в 81-ом году концептуальный альбом "Long Distance Voyager", записанный уже с новым клавишником - Патриком Морацом, известным благодаря сотрудничеству с группой Yes и принимавшим участие в записи их альбома "Relayer" (1974).

По стилю Long Distance Voyager несколько напоминает мелодичный "Octave", но на этот раз чувствуется более серьезный подход к написанию материала. Иначе говоря, если "Octave" нарисован красками романтических мелодий с грустноватым оттенком, то "Long Distance Voyager" звучит очень уверенно и целеустремленно, где-то даже позитивно, что становится заметно уже на открывающей альбом "The Voice", ставшей хитом номер один в американских чартах. По-прежнему вокальные партии исполняет каждый участник группы (за исключением ударника Грэма Эджа, который, кстати, стал автором одной полноценной композиции на альбоме). Музыка на альбоме - типичный арт-рок конца 70-х, с уклоном в мейнстрим эпохи 80-х, что характернее всего прослеживается в композиции "Gemini Dream", являющей собою попурри из рока, диско и фанка. Сильнейшей композицией релиза, пожалуй, является "In My World". Несмотря на продолжительность (7 с лишним минут), в ней нет уже тех масштабных психоделических зарисовок, как на сравнимых по длине "Tuesday Afternoon" или "Nights In White Satin" с альбома "Days Of Future Passed", но, в то же время, её простоватость только идет ей на пользу: легкая и лиричная, она оставляет самый яркий след в душе, по сравнению с остальными треками альбома. Применение драм-машины на данном творении не сказалось отрицательно на его звучании в целом, хотя местами вызывает некоторое отторжение и даже нежелание слушать песни до конца (честно говоря, я страстный противник синтетики на большинстве альбомов периода 80-х).

В целом, альбом неплох и нередко возникает желание слушать его часами напролет. Так что тем, кто неравнодушен к арт-року 80-х, советую, в первую очередь, ознакомиться именно с этим альбомом.

YesFan92  20 ноя 2011

По возвращении клавишника Рика Уэйкмана в группу музыканты принялись за работу над очередным альбомом, который вышел летом 77-го. Если во времена Патрика Мораца в их музыке царил фьюжн, а клавишные пассажи Мораца переливались в духе джаз-рока, то на этой работе прослеживается классическое звучание Yes с неповоторимыми фортепьяно и синтезаторами Уэйкмана, которые так хорошо знакомы нам со времен "Fragile", "Close To The Edge" и "Tales From Topographic Oceans". На сей раз свой неповторимый стиль группа решила преподнести в более симфонической и менее сложной форме. Так что Yes не только записали альбом в рамках фирменного арт-рока, но ещё и смогли дать фору приобретающему популярность тогда панк-року, тем самым доказывая, что арт-рок ещё не угас, и его время не подошло к концу. Тем не менее, становится очевидно, что группа приближается к коммерческой "планке", что вскоре приведет к тому, что отношения в коллективе дадут трещину.

Технически композиции менее насыщенные, чем то бывало ранее. С первых секунд заглавной песни слышится забавный рок-н-ролл, который оказывается довольно уместным, несмотря на отдаленность его от стиля группы. Однако гитара Стива Хау звучит так же заковыристо, как и раньше, а вокал Джона Андерсона с первого же своего появления после вступительного проигрыша четко дает понять - это "наш" Yes, так что композицию вполне можно отнести к удачной пародии на типичные рок-н-рольные приемы подачи музыки, изображенные с точки зрения арт-рока. Больше всех порадовала вещица "Parallels". Именно на ней басист Крис Сквайр проявил себя в большей мере, чем на остальных треках альбома, завораживая мелодикой своей игры. Гитара Стива звучит в поднебесье и создается впечатление, что паришь в облаках вместе с ней. "Turn Of The Century" и "Wonderous Stories" гипнотизируют неповторимым "детским" голосом Джона Андерсона. Кстати, именно на этом альбоме Джон раскрывает все прелести своего необычного голоса (фальцета, хотя сам Андерсон утверждает, что у него альт-тенор, впрочем, в профессиональных терминах я не силен, но с уверенностью скажу, что голос у него - самый сочный в рок-музыке). Очень порадовала величественная и непревзойденная сюита "Awaken". Внушительная концовка в духе "Close To The Edge" создает огромное впечатление от эмоциональной составляющей всей сюиты: от лиричного вокала Андерсона в начале до "рычащего" баса Сквайра в конце.

Несмотря на противоречивые оценки критиков и слушателей, альбом все-таки входит в ряд "классических", причем смело замыкает эту самую цепочку. Такие треки, как "Awaken" и "Parallels", особенно жирно подчеркивают статус релиза, как "классики жанра". В целом, альбом понравился и слушается без желания "перелистывать" треки. Конкурировать с предыдущими работами он вполне может, так что придется по душе "Going For The One" не только любителям классического периода группы, но и новичкам в арт-роке.

YesFan92  18 ноя 2011

Четвертый альбом группы стал лучшим творением за всю их историю, по мнению критиков и поклонников такого явления в рок-музыке, как Yes. И я почти полностью разделяю их мнение, так как в моих музыкальных предпочтениях этому альбому у меня отводится особое место. И хотя лучшим я считаю "Close To The Edge", но сейчас не об этом.

Новый альбом - новый состав: так можно описать ситуацию, которая сложилась в то время в группе. Уход Тони Кея и приход Рика Уэйкмана никак иначе, как глотком свежего воздуха, не назовешь: на смену классическому органному звучанию пришло разнообразие клавишных - от фортепьяно до современных синтезаторов. С первой же песни Рик показывает свою виртуозную игру на клавишах, что станет одной из визитных карточек классического звучания группы. "Открывашка" альбома - "Roundabout" - сияет всеми красками арт-роковой музыки: чего стоит только басовый рифф Криса Сквайра - один из лучших басовых риффов в рок-музыке, если не лучший. В "Heart Of The Sunrise" - пожалуй, лучшей композиции на альбоме - вокалист Джон Андерсон показал, что может сразить наповал своим великолепным голосом, а на "Mood For A Day" Стив Хау в очередной раз доказывает свои уникальные способности особенной игры на гитары. В общем, отличились, так или иначе, все участники коллектива. Музыкальные идеи стали более "продвинутыми": помимо продолжительных композиций, музыканты внесли по сольному номеру от каждого, при этом распределение их (сольных частей) на альбоме очень органичное и удачное донельзя (даже не представляю, какой бы получился фарш, если бы все подобные треки шли друг за другом). В коммерческом плане у группы все сложилось, как в сказке. Могли ли они представить ещё тогда, в 70-ом, после выхода "Time And A Word", что пройдет буквально год, и платиновые статусы альбомов "накроют" их с головой?

Тем, кто ещё не знаком с творчеством этой группы, или только начинает знакомство, этот альбом рекомендую в первую очередь. Обещаю - сорок минут времени будут потрачены не зря.

YesFan92  12 ноя 2011

"Fly From Here" - 21-й студийный альбом группы, увидевший свет летом этого года. С момента выхода последнего полноформатника "Magnification" прошло десять лет, и мне, как страстному фану группы со школьной скамьи, было жуть, как интересно узнать, что же это за творение ждет нас в новом десятилетии (скажу прямо: как только альбом появился в интернете - не удержался, скачал). И какое же впечатление от альбома меня ждало?

Во-первых, название релиза - думаю, что многих поклонников прогрессивного рока оно пугало больше, чем ожидаемое качество материала альбома. В нем, как видим, речь идет о прощании, расставании, что наводит на мысль: это их последнее творение. Но! Взявшись за изучение свежеиспеченного диска, можно однозначно сделать вывод, что никто не прощается, все живы-здоровы, и что это уж отнюдь не последняя работа группы.

Во-вторых, качество материала меня очень обрадовало - талант не пропьешь, как говорится. Исполнительский уровень на высоте, новый вокалист группы показал себя достойно, и поет он, между прочим, не хуже Андерсона, так что со стороны человека за микрофонной стойкой неприятностей ждать не приходится. На новом альбоме слышны отголоски "Drama" (1980) и "90125" (1983), причем, состав группы даже на 80% состоит из состава периода "Drama", не считая того, что Треворн Хорн ныне - продюсер и соавтор некоторых композиций (ну а в то время он был официальным участником и вокалистом). Нынешний саунд группы имеет некоторую контрастность, поскольку обычные для Yes структуры пересекается с мотивами, не столь типичными для группы. На альбоме стоит отметить: 25-минутный эпик, разбитый на пять частей с увертюрой, хотя не все части могут быть однозначно связанными в одно целое произведение. В то время, как вторая и третья части эпика более близки к духу 80-х, четвертая ("Bumpy Ride") представляет собой неплохой фьюжн с отсылками к "классическому" периоду группы. К полноценномму прогрессиву, пожалуй, можно отнести только последнюю "Into The Storm", достойно завершающую альбом своей резкой и агрессивной подачей. Остальные же песни особой сложной формой не выделяются, так что их вполне можно назвать фоновыми. Симпатичная "Hour Of Need", например, являет собою качественный классический рок, запоминающийся с первого прослушивания. Инструментал "Solitair", пожалуй, достоин особого внимания: акустический номер от Стива Хау вполне может служить достойным продолжением традиционных спокойных гитарных вещей группы.

Мой итог: работа замечательная, слушается легко, с энтузиазмом, и уж точно не на один раз. Самый оптимистичные ожидания, связанные с альбомом, оказались вполне оправданными. Не стоит придираться к вокалисту - он хороший певец, и вполне достойная замена Андерсону, хотя, конечно, хотелось бы вновь услышать Джона... Молодцы, ветераны!

YesFan92  11 ноя 2011